Spoiler

Deleite seus olhos...

2008-03-27T10:09:00.001-03:00

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Cinema nasceu e cresceu sobre os trilhos

2008-03-22T12:26:00.004-03:00

O filme está chato? Basta colocar um trem chegando à estação, as rodas rangendo metalicamente, a fumaça poluindo o ambiente, as pessoas que aguardam, os passageiros que descem, os carregadores, os maquinistas... O burburinho. Os trens não servem só para transportar, mas também para animar a festa do cinema.

O cinema nasceu com um trem invadindo a sala de projeção. L'ARRIVÉE DU TRAIN (“Chegada de um Trem”) foi um dos filmes exibidos pelos irmãos Lumière por volta de 1895, ano1 da arte cinematográfica. Segundo consta, a platéia se assustou com aquela locomotiva que "ameaçava" sair da tela.

E foi um trem que marcou o primeiro faroeste e o primeiro blockbuster americano: THE GREAT TRAIN ROBBERY (“O Grande Assalto ao Trem”), que Edwin S. Porter rodou em 1903. Trata, naturalmente, de bandidos que assaltam um trem, são perseguidos e, por fim, presos por policiais... A cavalo.

O filme serviu de modelo para inúmeras produções: DO ASSALTO AO TREM PAGADOR (1962) a O PRIMEIRO ASSALTO AO TREM (1979). Quase sempre, como uma espécie de coadjuvante: Em PACTO SINISTRO (1951), dois homens trocam favores criminosos num vagão de passageiros; Em MATAR OU MORRER (1952), um bandido deve chegar no trem do meio-dia; Em SANGUE SOBRE A ÍNDIA (1959), um oficial inglês protege o filho de marajá numa viagem e em QUINTETO DA MORTE (1955), bandidos resolvem diferenças numa passagem de nível.

Daí para frente, o trem não saiu de cartaz... Há sempre um trem para servir às tramas mais vorazes ou absurdas. São tantos filmes que seguem esse roteiro quanto as estrelas da antiga Metro. Em QUANTO MAIS QUENTE MELHOR (1959), músicos travestidos se juntam a uma banda feminina numa excursão de trem; Em QUINTETO IRREVERENTE (1982), amigos se despedem, com tapas no rosto, dos passageiros de um trem.

Mas os trens também foram "protagonistas". A GENERAL (1927), de Buster Keaton e Clyde Bruckman, é um exemplo clássico. Keaton é o maquinista do Sul que conduz a locomotiva “The General” na guerra civil norte-americana, cruzando linhas inimigas. A "estrela" do filme era uma locomotiva já usada em NOSSA HOSPITALIDADE (1923), de Keaton e Jack Dlystone.

O TREM (1964), conta uma história da resistência francesa. Burt Lancaster é o chefe de estação que luta contra nazistas que pretendem levar um trem repleto de obras de arte. Já nO EXPRESSO DE VON RYAN (1965) é Frank Sinatra quem luta, para libertar 600 prisioneiros, contra os nazistas.

Na série "Expresso", aliás, há muito mais. Marlene Dietrich enfrenta o amor e a revolução em O EXPRESSO DE SHANGAI (1932). Joseph Cotten é capturado por bandidos em O EXPRESSO DE PEQUIM (1951) e Gene Wilder vive paixões e confusões em EXPRESSO DE CHICAGO (1976).

Tem mais: ALIANÇA DE AÇO (1938), de Cecil B. De Mille, conta a história da construção da estrada de ferro que liga os Estados Unidos de costa a costa. TRENS ESTREITAMENTE VIGIADOS (1966) mostra a Segunda Guerra a partir da perspectiva de uma estação. QUANDO A MULHER ERRA (1953) narra uma história de adultério no cenário da Stazione Termini, de Roma.

Às vezes, o protagonista é o profissional ferroviário. Em LA ROUE (“A Roda”), que Abel Gance rodou em 1921, Séverin Mars é o maquinista que adota uma órfã, apaixonando-se. Em O FERROVIÁRIO (1956), Pietro Germi interpreta um maquinista com problemas em casa e em O HOMEM DA LINHA (1986), Jim Van Der Woude é um ferroviário solitário.

Se falta emoção, o trem pode ser a solução. É assim em ASSASSINATO NO EXPRESSO ORIENTE (1974), de Sidney Lumet, uma história de Agatha Christie sobre trilhos; Em A TRAVESSIA DE CASSANDRA (1976), há terroristas e vírus a bordo e em EXPRESSO PARA O INFERNO (1985), fugitivos tentam escapar de um trem sem freios.

Os trens também podem rir. Isto é, propiciar boas gargalhadas. VIUVINHA INDOMÁVEL (1959) mostra uma mulher em luta com o dono de uma ferrovia. BUTCH CASSIDY (1969) conta com humor as peripécias de uma dupla (Robert Redford e Paul Newman) que vive de assaltar trens e bancos. E JOGUE A MAMÃE DO TREM (1987) é uma paródia alucinada de PACTO SINISTRO.

Mais longe das gargalhadas, nos filmes de David Lean há sempre um trem na paisagem. Em DESENCANTO (1945), o mais elogiado de seus filmes intimistas, uma estação ferroviária é o cenário para uma história de amor. E nas superproduções A PONTE DO RIO KWAI (1957), LAWRENCE DA ARÁBIA (1962) E DOUTOR JIVAGO (1965), por exemplo, os trens fazem parte da trama.

Em outras paragens, o trem tem serventia mais poética. Em Federico Fellini, ele é o veículo que conduz a outras realidades. É assim em OS BOAS-VIDAS (1953), no qual a estação ferroviária é a única saída para os rapazes de província e em A CIDADE DAS MULHERES (1980), no qual a travessia de um túnel é uma passagem para o sonho.

Ação, e muita, também é uma presença significativa em várias produções. Um trem descarrila em O MAIOR ESPETÁCULO DA TERRA (1952), de De Mille; outro atravessa uma parede em JOE KIDD (1972). Um outro leva refugiados em O ÚLTIMO TREM (1973), e um terceiro conduz traficantes de armas em UM TREM DO INFERNO (1976).

Harry Potter andou de trem. E Owen Wilson, Adrien Brody e Jason Schwartzman empreenderam uma VIAGEM A DARJEELING (2007). E até o trem mais famoso do mundo têm um filme TRANSSIBERIAN (2008) deve estreiar logo nos cinemas.

Um trem vai, um trem vem... E o cinema continua fiel a L'ARRIVÉE.

Por Federico Mengozzi (Folha de São Paulo)

A Odisséia de Clarke

2008-03-19T09:46:00.005-03:00

Arthur C. Clarke, autor de quase 100 livros, morreu aos 90 anos de idade. Clarke foi um promotor ardente da idéia de que o destino da humanidade situa-se além dos limites do planeta Terra. Tal visão foi apresentada na sua forma mais vívida em 2001: UMA ODISSÉIA NO ESPAÇO, o filme clássico de ficção científica que criou com Stanley Kubrick.

A Guerra Fria compõe o pano de fundo de 2001. A sua gênese foi um conto chamado "The Sentinel" ("A Sentinela"), publicado pela primeira vez em uma revista de ficção científica em 1951. Ele fala de um artefato alienígena encontrado na Lua, uma pequena pirâmide cristalina que os exploradores da Terra destroem ao tentarem abri-la. Um dos exploradores percebe que o artefato era uma espécie de sinalizador para a eventualidade de mau funcionamento. Ao silenciá-lo, os seres humanos indicaram a sua existência aos distantes criadores da máquina.

Na primavera de 1964, Stanley Kubrick, que acabava de triunfar com o seu filme DOUTOR FANTÁSTICO, conheceu Clarke em Nova York, e os dois concordarem em fazer o "proverbial filme de ficção científica verdadeiramente bom", baseado em "The Sentinel". Isso levou a uma colaboração de quatro anos. Clarke escreveu o livro e Kubrick produziu e dirigiu o filme. Ele conta com crédito conjunto no roteiro.

Muitos críticos ficaram desconcertados com o filme, especialmente com a cena final na qual um astronauta que foi transformado por alienígenas retorna à Terra como uma "Criança-Estrela". No livro o astronauta demonstra os seus novos poderes detonando do espaço todo o arsenal de armas nucleares soviéticas e norte-americanas. Assim como em grande parte do roteiro, esta conclusão não ficou clara no filme, do qual Kubrick cortou a maior parte do material explicativo.

Como escritor de ficção, Clarke foi muitas vezes criticado por não ter criado personagens integralmente concretizados. HAL, o amotinado computador em "2001", é provavelmente a sua criação mais "humana": um ser satisfeito consigo mesmo e que sabe tudo, com um toque de fé equivocada na sua própria infalibilidade.

Se os heróis de Clarke não são exatamente memoráveis, também é verdade que não existem vilões totais na sua obra. Os seus personagens estão geralmente demasiadamente ocupados lutando para encontrar um sentido em um universo implacável para que possam se meter em esquemas mesquinhos de dominação ou vingança.

Entre os seus legados estão as Três Leis de Clarke, observações provocantes a respeito da ciência, da ficção científica e da sociedade, que foram publicadas em "Profiles of the Future" ("Perfil do Futuro"), em 1962:

"Quando um cientista ilustre, mas idoso, afirma que algo é possível, é praticamente certo que ele tenha razão. Quando ele afirma que algo é impossível, ele provavelmente está errado"

"A única maneira de descobrir os limites do possível é aventurar-se um pouco além desses limites, adentrando no impossível"

"Qualquer tecnologia suficientemente avançada é indistinguível da mágica"

In Memorian...
Arthur C. Clarke
1917 ~ 2008

Foi Minghella...

2008-03-19T09:02:00.007-03:00

O PACIENTE INGLÊS (1996), O TALENTOSO RIPLEY (1999) e COLD MOUNTAIN (2003). É pela realização desses três filmes que Anthony Minghella será recordado em primeiro lugar. Depois vem a direção do Instituto de Cinema Britânico, o telefilme de tanto sucesso que migrou para as salas de cinema UM ROMANCE DO OUTRO MUNDO (TRULY, MADLY, DEEPLY - 1990) e os roteiros que escreveu para o teatro, além da direção e encenação de MADAME BUTTERFLY, de Puccini, na Opera Nacional Inglesa.

Anthony Minghella morreu ontem de madrugada em Londres, no Hospital Charing Cross, aos 54 anos. A notícia vazou perto da hora do almoço e só no meio da tarde a sua agente, Leslee Dart, revelou que o diretor britânico sofreu uma hemorragia cerebral perto das 5hs, na seqüência de uma cirurgia de rotina nas amídalas e pescoço. "A cirurgia tinha corrido bem e eles estavam muito otimistas. Mas ele sofreu uma hemorragia ontem à noite e os médicos não conseguiram pará-la".

A morte de um mito que arrebatou nove Oscars por O PACIENTE INGLÊS em 1997 ocorreu uma semana antes da estréia do seu último trabalho: THE Nº1 LADIES DETECTIVE AGENCY, na BBC1. O telefilme, realizado por Minghella e escrito em parceria com Richard Curtis (QUATRO CASAMENTOS E UM FUNERAL, SIMPLESMENTE AMOR), é uma adaptação do romance de Alexander McCall Smith.

Nascido na Ilha de Wight numa família com mais quatro irmãos que viviam na fábrica de gelo do pai, começou a trabalhar como editor de roteiro para televisão antes de realizar UM ROMANCE DO OUTRO MUNDO, tendo também passado pelo teatro. Licenciado pela Universidade de Hull, era um apaixonado por BECKETT e um autor teatral publicado.

Um dos seus trabalhos mais polêmicos foi a realização de um pequeno filme promocional sobre as eleições internas do Partido Trabalhista, em 2005, em que Gordon Brown e Tony Blair figuravam. Ontem, o ex-primeiro-ministro Tony Blair elogiou o realizador por ser "um ser humano maravilhoso, criativo e brilhante, mas ainda humilde, gentil e uma companhia alegre. Fosse o que fosse que fizesse com ele, pessoal ou profissionalmente, deixava-me com total admiração por ele, como pessoa e como artista do maior calibre".

Minghella era sócio de Sidney Pollack na produtora Mirage, era casado e tinha um filho. Deixou em suspenso dois projetos: NEW YORK, I LOVE YOU e THE NINTH LIFE OF LOUIS DRAX.

In Memorian...
Anthony Minghella
1954 ~ 2008

As Épicas Loucuras de Mankiewicz

2008-03-18T11:08:00.003-03:00

Não foi desta vez que a saga colossal e bizarra de CLEÓPATRA, o filme mais caro da história, chegou ao tão aguardado "the end". As filmagens já se arrastam há três anos – e não se tem notícia de uma produção mais caótica, perdulária e escandalosa em Hollywood. Neste mês, o diretor Joseph L. Mankiewicz viajou até Paris para exibir um esboço de montagem da fita ao novo chefão dos estúdios Twentieth Century-Fox, Darryl Zanuck. O executivo ficou de cabelo em pé.

Nessa primeira versão, CLEÓPATRA é um filme confuso, irregular, monótono e excessivamente longo (sem os cortes, são insuportáveis seis horas). Zanuck é craque em consertar, na mesa de edição, as trapalhadas de alguns cineastas, transformando fitas esdrúxulas em filmes no mínimo toleráveis. Mas ele já confessou a pessoas próximas que não sabe o que fazer para dar um jeito em CLEÓPATRA. Para Zanuck, há apenas uma certeza: cedo ou tarde, por pior que seja, o épico estrelado por Elizabeth Taylor e Richard Burton chegará às telas, pois a Fox já não pode voltar atrás num projeto com orçamento estimado em acachapantes 35 milhões de dólares. Os estúdios rivais, contudo, não estão tão certos disso – apostam que a concorrente irá à falência antes de concluir a malfadada aventura.

As últimas cenas foram rodadas em julho, em locações históricas no Egito. Um mês antes, Liz Taylor enfim concluiu seu papel, nos estúdios Cinecittà, em Roma. Mankiewicz chegou tão exausto às últimas semanas da empreitada que tinha de ser carregado numa maca até o set. Desde então, é atormentado por outro desafio monumental: encontrar, entre centenas de rolos e dezenas de horas de filme, os trechos necessários para montar uma trama minimamente coerente. O problema (ou um deles) é que as filmagens jamais foram guiadas por um roteiro definitivo. O texto teve incontáveis e conflitantes versões. Em certo momento, o próprio diretor passou a escrever as cenas de madrugada para rodá-las na manhã seguinte.

Não adiantou: boa parte do material é inútil. A Fox já calcula que será necessário retomar as filmagens mais uma vez para cobrir as enormes lacunas da história. Na reunião em Paris, Mankiewicz ainda tentou convencer Zanuck a dividir o épico em dois filmes de três horas cada. O executivo detestou a idéia. Para ele, o primeiro episódio não levaria ninguém aos cinemas – afinal, Liz e Burton contracenam pouco nessa parte. Ele também confessou outro temor: entre um capítulo e outro, o casal poderia desistir de seu tórrido romance clandestino fora das telas, talvez o único atrativo que ainda salve o filme nas bilheterias. Até o fechamento desta edição, a notícia em Hollywood era de que Liz e Burton ainda estavam juntos, apesar dos numerosos atritos, discussões e bebedeiras (de ambos).

Revista VEJA, outubro de 1962

Entre Brownies e Mulgarataths

2008-03-16T10:06:00.005-03:00

O interesse em levar AS CRÔNICAS DE SPIDERWICK para as telas surgiu assim que a popular coleção foi publicada, mas seus co-autores, Tony DiTerlizzi e Holly Black, queriam confiar a criação do filme em mãos capazes. Por fim, eles viram em Mark Canton (300) um produtor perfeito para o projeto. “Quando os primeiros livros ficaram prontos e as pessoas nos abordaram para comprar os direitos, tive a sensação de que se tornariam filmes, mas não estou muito acostumado a acreditar que algo de bom vai acontecer comigo”, diverte-se Black.

Quando o produtor e co-roteirista Karey Kirkpatrick (A FUGA DAS GALINHAS) foi abordado pela primeira vez para ajudar a adaptar os livros em um roteiro de cinema, ele imediatamente os leu para os filhos a fim de sentir a reação deles. “Meus filhos ficaram cativados pelas histórias e a possibilidade de eu estar, de alguma forma, envolvido com aquilo”, conta Kirkpatrick. Na hora de escolher um diretor, Mark Waters (SEXTA-FEIRA MUITO LOUCA), especializado em comédias contemporâneas, poderia parecer uma opção inusitada para o material, mas Mark Canton deliberadamente o convidou porque era capaz de fundamentar todos os elementos fantasiosos em uma realidade palpável.

“A idéia que tive para AS CRÔNICAS DE SPIDERWICK foi a de um mundo real em que coisas incríveis acontecem. Mark é o diretor perfeito devido à compreensão da dinâmica entre irmãs e irmãos, mães e filhos e da vida de famílias contemporâneas”, disse o produtor. Waters ficou animado com a oportunidade de fazer um filme de aventura em que as pessoas pudessem facilmente se identificar com os personagens e a história. “Sempre adorei filmes de fantasia e, quando li esses livros, vi a chance de fazer algo que ainda não tinha sido feito – um filme que traz aventura, fantasia e criaturas incrivelmente interessantes, mas que não se passa em uma terra distante”, observa Waters.

Segundo o produtor, o diretor fez um excelente trabalho reunindo um belo e eclético elenco. O protagonista, Jared Grace, interpretado por Freddie Highmore (A FANTÁSTICA FÁBRICA DE CHOCOLATE), está em um ponto crítico de sua vida e é através dessa extraordinária aventura que ele encara e aceita seus sentimentos em relação à separação dos pais. “Ele foi muito afetado pelo divórcio – está com raiva e não esconde seu amargor, principalmente ao interagir com a mãe e os irmãos. Mas, no fim, essa incrível jornada, em que ele basicamente salva a família, resulta também em sua cura”, explica Mark Waters.

Helen Grace, interpretada por Mary-Louise Parker (TOMATES VERDES FRITOS), acabou de se separar do marido quando se muda para a velha propriedade da família, uma casa vitoriana dilapidada de seu tio-avô, Arthur Spiderwick. Ninguém está feliz com a mudança, mas ela tem como aliada a filha, Mallory (Sarah Bolger). “Mallory é como uma pequena mãe. Ela sabe por que o divórcio aconteceu, mas inicialmente não compartilha isso com os irmãos – ela os protege muito, mesmo considerando que eles a eulouquecem, principalmente Jared”, revela o diretor.

O irmão gêmeo de Jared, Simon Grace – também interpretado por Freddie Highmore –, é o mais estudioso dos irmãos, e sua silenciosa determinação e atenção a detalhes tornam-se grandes atributos quando a família está em perigo. Completando a família, o ator David Strathairn (BOA NOITE E BOA SORTE) vive Arthur Spiderwick.

O filme conta também com as diversas criaturas em que as crianças esbarram ao longo da história: do “brownie” (duende da casa) de 23 centímetros Thimbletack a Mulgarath, um assustador ogro de 3 metros dublado por Nick Nolte. “E há também todas as criaturas intermediárias”, explica o diretor. “São goblins, ninfas e goblins do bem, como Hogsqueal, aliado das crianças.” Hogsqueal é dublado – com muito humor e diversos barulhos inadequados – pelo ator Seth Rogen (LIGEIRAMENTE GRÁVIDOS).

Mark Waters ficou impressionado com o trabalho dos jovens atores do filme. Freddie Highmore é inglês e Sarah Bolger, irlandesa. Ainda assim, observa o diretor, “Quando você os ouve no filme, só consegue captar um bom sotaque da Nova Inglaterra, resultado de seus dons, da extensa pesquisa que fizeram e do constante treino de dialeto. Esses papéis exigem muito, então precisamos chamar artistas que tivessem profundidade, alma e inteligência. Freddie e Sarah têm essas qualidades, e muito mais.” Um dos desafios de Freddie Highmore foi viver dois personagens, cujas diferenças foram bem delineadas pela equipe de produção e pelo próprio ator.

“Queríamos que o público soubesse imediatamente se estavam vendo Jared ou Simon sem torná-los muito caricatos”, diz Highmore. “Os gêmeos têm penteados e estilos de se vestir diferentes. As cores também tiveram um papel importante em distinguí-los. Jared usa jeans e preto ou tons de vermelho, enquanto Simon é mais suave, vestindo roupas conservadoras e muito verde e marrom.”

Já o desafio de Bolger foi aprender esgrima, hobby da personagem Mallory bastante útil quando os irmãos tentam espantar os goblins. “Mallory é muito determinada, e foi divertido retratá-la, especialmente nas cenas de luta de espada”, ela diz. “Mas, no fim das contas, o que eu realmente gosto nela é que Mallory é uma boa irmã e, eu acho, uma boa filha.” Houve momentos, no entanto, que Bolger lembra com menos afeição – principalmente a parte relacionada a suco de tomate e aveia, que, juntos, são letais aos goblins e, depois de um dia no set, pouco agradáveis também a humanos.

“Há uma cena em que os goblins estão correndo atrás de nós e temos que ir até a cozinha para nos proteger”, conta a atriz. “Então, enchemos o forno de suco de tomate e aveia e acendemos o fogo para que exploda e acabe com eles. Foi uma grande cena e o resultado foi brilhante. Mas aquilo fede muito, e a cozinha ficou coberta por uns 7 centímetros de suco de tomate. Foi nojento!”

A Misteriosa Mansão Spiderwick

A propriedade de Spiderwick também é um verdadeiro personagem do filme. O que a princípio parece ser uma velha e isolada mansão precisando de muitos reparos, lentamente revela uma fascinante e misteriosa história. Criaturas estranhas escondem-se nas paredes, e outras ainda mais esquisitas tentam entrar para roubar o estranho e potencialmente perigoso Guia de Campo, resultado de uma grande pesquisa de Arthur Spiderwick. Muitos acontecimentos essenciais do filme se desenrolam ali (tanto no passado quanto no presente) e por isso o desenhista de produção James Bissell (300) precisou desenhar a casa de maneira que o público pudesse apreciar a forma como ela era e o que permanece especial sobre ela nos dias de hoje.

Para isso, ele se baseou no trabalho do designer inglês William Morris e no movimento Arts & Crafts do final do século 19, conhecidos pela ênfase em temas orgânicos. Outra inspiração, é claro, foi a própria coleção As Crônicas de Spiderwick. “Os livros são fantásticos. Eu já os conhecia porque meus filhos adoram, e foi isso que me atraiu ao projeto em primeiro lugar. As ilustrações de Tony são simplesmente fabulosas. Quando eu estava trabalhando no filme, mantive os desenhos dele pendurados na parede para que me inspirassem. Eles sempre traziam alguma informação relevante”, conta Bissell. A casa precisava refletir o interesse de Arthur Spiderwick pelo mundo encantado, pedindo uma locação bastante isolada na área de Montreal, Canadá, onde o filme foi rodado.

“Encontramos uma bela clareira em um parque chamado Cap-Saint-Jacques, onde havia uma pequena cabana, provavelmente construída nos anos 50. A cidade e o parque graciosamente deixaram que nós a demolíssemos para construir outra casa ali”, revela o desenhista de produção. A partir daí, a equipe construiu um elaborado “casco” da casa. “Ele tinha quatro andares e uma torre – era uma estrutura de 360 graus cercada por uma floresta, que também foi utilizada no filme. Construímos, além disso, o piso térreo, incluindo entrada, salão, biblioteca e escada para o segundo andar. E também partes de janelas do segundo e terceiro pisos para tomadas em câmera subjetiva, assim como a torre interior, para que as crianças pudessem correr para dentro e fora dela.”

O trabalho continuou nos estúdios, onde o térreo foi replicado para todas as complicadas tomadas em que Mulgarath invade a casa e os goblins fazem seu ataque final. “Também construímos um segundo andar onde ficam os quartos das crianças e criamos a clareira dos goblins, incluindo uma grotesca árvore em que vemos Mulgarath pela primeira vez”, explica Bissell. E, se a casa é um personagem e o set chave do filme, então o Guia de Campo tem que ser seu principal elemento cenográfico. Seguindo o design geral de Bissell, o Departamento de Arte criou o Guia de Campo usando diários do início do século 20 como modelos. Eles também pesquisaram amostras de escritas à mão e desenvolveram uma fonte que usaram para a própria letra de Arthur Spiderwick. Além do livro, outro importante elemento de cena é a pedra da visão, que, unida a diversas lentes, permite que as pessoas vejam o mundo invisível e encantado descrito no Guia de Campo – e todas suas estranhas criaturas.

É precisamente um equilíbrio único entre fantasia e realidade que separa AS CRÔNICAS DE SPIDERWICK de outros filmes de aventura. Ele é mais obscuro, assustador e muito mais fincado no mundo real. “A idéia foi ter um mundo de verdade em que coisas inexplicáveis e muitas vezes assombrosas acontecem. O que mantém o filme real e o faz ressoar é que estamos lidando com uma família de verdade, pessoas com verdadeiros problemas que, através dessa aventura, conseguem encontrar mágica dentro de si mesmas”, explica o produtor Mark Canton.

O ator Freddie Highmore sintetiza: “Acho que os mais jovens vão gostar da jornada a um mundo novo e fantástico, que é mágico e eletrizante. Já os pais vão gostar dos temas mais adultos e dos altos e baixos emocionais pelos quais a família passa. É um filme para todos.”

Cortesia: Paramount Pictures

Notas de um Olhar Surreal

2008-03-14T09:37:00.000-03:00

A trajetória dO OLHO DO MAL teve início quando a C/W Productions comprou os direitos para uma versão americana do filme asiático de 2002, THE EYE. A partir daí, um novo roteiro foi criado por Sebastian Gutierrez (SERPENTES A BORDO). Gutierrez resume bem a tarefa que encarou: “Há uma linha tênue quando se reinterpreta um filme que já obteve sucesso internacional. É um desafio constante aprimorar a fonte original e manter a integridade da história.”

Apesar de trazer elementos sobrenaturais, o enredo dO OLHO DO MAL é focado em um fenômeno científico verdadeiro conhecido como memória celular: Pessoas que passam por transplantes de órgãos podem herdar comportamentos do indivíduo de quem receberam o órgão. Alguém pode receber o órgão de um fumante e, conseqüentemente, sentir um desejo estranho de fumar. Ou pode se ver estranhamente atraído por esportes, descobrindo depois que o doador era um fanático por esportes. É claro que O OLHO DO MAL é uma ficção, mas o filme explora um fenômeno real, só que de forma sobrenatural.

Na busca de um diretor para o projeto, a dupla francesa David Moreau e Xavier Palud, aclamados internacionalmente por ILS, thriller que escreveram e dirigiram sobre um jovem casal aterrorizado por forças ocultas na zona rural francesa. “Gostamos do fato de poder trabalhar no que não é tão obviamente sobrenatural. Tivemos a grande oportunidade de brincar com a mente do público, mostrar coisas que as pessoas não saberiam dizer se eram reais.” Os diretores estavam decididos a manter uma visão ambígua da sanidade de Sydney.

A personagem convence-se de que as visões aterrorizantes que tem após a cirurgia são reais, mas seu médico e sua irmã não podem deixar de concluir que na verdade ela está passando por um surto psicológico. Segundo a atriz escalada para viver Sydney, Jessica Alba (QUARTETO FANTÁSTICO), “Essa história assusta de uma forma diferente porque o público nunca tem certeza se minha personagem está realmente vendo coisas ou se está apenas enlouquecendo. Isso permite que as pessoas se coloquem no lugar de Sydney.”

Para encarar a difícil tarefa de convencer as pessoas de que a protagonista é, além de uma talentosa violinista, deficiente visual, Alba começou a se preparar para o papel quatro meses antes do início das filmagens. O roteiro trazia uma série de cenas em que as habilidades de Sydney no violino eram mostradas, e os diretores estavam determinados a exibir Jessica realmente tocando o instrumento, e não apenas imitando performances musicais. “Comecei a ter aulas de violino enquanto ainda gravava QUARTETO FANTÁSTICO E O SURFISTA PRATEADO”, conta Alba. “Fiquei meses treinando só para aprender a segurar o arco e o violino apropriadamente e isso foi apenas metade da batalha. Toco peças clássicas complicadas no filme, então precisei mesmo aprender as notas.”

Retratar uma mulher cega foi igualmente desafiador. Alba morou um tempo em uma instituição para deficientes visuais no Novo México e recebeu treinamento: “Jessica encarou o programa como qualquer outra pessoa que perde a visão faria. Os funcionários a ajudaram a ganhar confiança para interpretar uma pessoa cega convincentemente.” Alba também buscou inspiração em uma jovem artista do meio musical, cega desde a infância. “Passamos um tempo juntas e eu pude ver como ela interage com as pessoas, anda pela rua, descobre onde está e se movimenta com tanta facilidade.” A experiência corrigiu muitas idéias erradas que a atriz tinha sobre cegueira. “Muita gente, e eu me incluo nisso, não sabe o que realmente é ser cego. Eu tinha impressão de como devia ser, mas essa mulher mudou o que eu pensava. Ela convive com pessoas que enxergam, compete com elas por empregos e vence.”

O OLHO DO MAL foi rodado em uma fábrica semi-abandonada transformada em estúdio e em dez locações, incluindo a velha estação ferroviária de Santa Fé, o centro de Albuquerque, a pista de corrida de carros de Albuquerque e o povoado Isleta Pueblo. A produção foi então para Los Angeles, filmando no centro da cidade e no Royce Hall da UCLA, entre outras locações.

Ao criar o apartamento de Sydney, os corredores do apartamento são curvados o suficiente para o público não ver o que está por vir, brincando com a idéia de que o desconhecido é tão amedrontador – ou mais ainda – do que aquilo que podemos ver. O cinegrafista Jeffrey Jur também ajudou a revelar o mundo de Sydney, mas sob o ponto de vista da própria personagem. Usando uma combinação de técnica de iluminação e inovador design de lentes, Jur permite que o público enxergue através dos olhos da protagonista, mantendo a sensação de que ela está constantemente na escuridão.

Acrescentando os toques finais do filme, surgem a trilha sonora de Marco Beltrami (OS INDOMÁVEIS) e o desenho de som do três vezes vencedor do Oscar® por DREAMGIRLS – EM BUSCA DE UM SONHO, CHICAGO e FALCÃO NEGRO EM PERIGO Mike Minkler.

Os diretores observam: “Antes da cirurgia, Sydney Wells percebe o mundo através de sons. Seus outros sentidos precisam compensar a falta da visão, então, ao longo do filme, é importante dar ao público a mesma acuidade que ela tem, ajustando níveis de música e efeitos sonoros para passar os detalhes daquilo que Sydney escuta, coisas que o ouvido padrão provavelmente não conseguiria captar.”

Para Moreau e Palud, os elementos dO OLHO DO MAL, das atuações à trilha e imagens, foram cuidadosamente reunidos principalmente nas eletrizantes cenas finais do filme, que levam todos à aflição. O desfecho dá um sentido ao caminho de ida e volta de Sydney à loucura. “Acho que o público chegará com a idéia do que vai ver, e sair com outra sensação”, diz Jessica Alba. “Esse filme é muito mais rico do que parece, e espero que as pessoas se sintam mais ligadas a ele do que esperam.”

Quem é quem em quemlândia… E o que é noo em nool

2008-03-11T12:58:00.005-03:00

Horton é diferente de qualquer elefante que já tenhamos visto anteriormente. Ele é extraordinário e, sob muitos aspectos, vai além de seu corpanzil; possui um grande coração, uma grande personalidade e um grande senso de humor. Horton se distingue por sua gentileza, confiabilidade e perseverança. Apesar da imensa adversidade, do ridículo, da condenação e das ameaças, a determinação de Horton em garantir a segurança de Quemlândia permanece intacta. Ele é sempre fiel... cem por cento. E assim é HORTON E O MUNDO DOS QUEM!

Jim Carrey adiciona bem mais do que seus talentos de super-astro no papel de Horton. "Jim tem um entusiasmo e um humor impressionante, o que ajudou a manter Horton tão doce e amável quanto nos livros", conta o diretor Jimmy Hayward. "Ele é criativo e apaixonado, e realmente mergulhou no personagem".

Hayward continua: "Jim se entrega por inteiro a tudo o que faz. Ele interpreta cada cena exatamente como o faria se estivesse diante das câmeras, e nos deu grandes dicas para a atuação de Horton. Portanto, pudemos extrair uma quantidade incomum de características do personagem a partir do desempenho de Jim ao dublá-lo”.

Dada a expressividade de Carrey, não é surpresa que tenha influenciado o visual de Horton. Dave Torres, principal responsável pela animação, conta: "Nos estágios iniciais do desenho, Horton apresentava uma boca menor. Porém, quando Jim assumiu o personagem, ele se tornou muito expressivo; de fato, Jim nos levou a alargar os limites de expressividade de um personagem de animação".

A principal relação de Horton na história é com o Prefeito de Quemlândia, a quem Horton nunca vê e que, por sua vez, também não pode vê-lo. Ainda assim, eles formam uma dupla notável, repleta de entusiasmo, amizade e humor, embora os riscos que correm sejam de vida ou morte. Enquanto Horton empreende sua jornada para garantir segurança a Quemlândia, o Prefeito – voz de todos os habitantes da cidade – arrisca tudo para convencer seus eleitores dos perigos futuros.

O Dr. Seuss apresenta o Prefeito de forma memorável como "devotado, justo e um pouco esquisito". O Prefeito e sua esposa tem crianças de sobra. E como! São pais orgulhosos de 96 filhas e um filho. A prole é apresentada num desfile interminável em que estão sentados em cadeiras ligadas a uma correia de transmissão, que circula em torno da mesa, de forma que cada um tenha uma audiência breve, porém impactante, com o Prefeito; É uma procissão imaginativa que reporta a uma cena de um musical de Busby Berkeley.

Steve Carell, segundo o também diretor Steve Martino, empresta a todos os seus personagens um senso de humanidade, como o eternamente ingênuo chefe de escritório Michael Scott em uma série de TV, e, agora, o assediado e pressionado Prefeito. "Todos os personagens de Steve possuem um coração belo; você torce por eles", observa Martino.

"Gostamos de ver os personagens de Steve na luta", acrescenta Jimmy Hayward. "Vê-lo ‘rodar pratos’ é um prazer. Ele introduz a dose certa de ‘Steve’ em cada linha do diálogo. É o Quem que a gente realmente passa a conhecer; assim, você deseja se identificar com ele, e graças a Steve, você o faz".

Carell descreve o Prefeito: "Ele é gentil, generoso, bem-intencionado, com muita coragem interior. Ele é um homem comum, um cara tentando fazer o melhor numa situação difícil". O ator reconhece particularmente as bases filosóficas de Horton ao insistir em que uma pessoa é uma pessoa, não importa seu tamanho. "Isso realmente diz respeito ao mundo que nos cerca – não importa o quão diferentes sejamos por fora, se houver decência, cuidado e compromisso, as coisas podem ser realizadas. É uma mensagem boa, doce, sólida, baseada na gentileza. E é isso que eu amo nele", diz Carell.

O orgulho e a alegria do Prefeito estão em seu filho Jo-Jo, o menor morador de Quemlândia. O Prefeito tem grandes planos para seu pequeníssimo filho, e o prepara para dar continuidade ao legado da família, assumindo a liderança da cidade quando o Prefeito se aposentar. Jo-Jo, porém, deixou absolutamente claro que não pretende assumir a carreira do pai. Em vez disso, o jovem taciturno persegue algo muito, muito diferente e especial.

A maior ameaça à busca de Horton – e, por sua vez, à sobrevivência de Quemlândia – é a Canguru, que "criou todas as leis e impôs todas as regras, proclamando-se líder da floresta de Nool". Ela possui um temperamento azedo e uma mente fechada, e insiste em que "se você não consegue enxergar algo é porque isso não existe". A filosofia fechada da Canguru gera conseqüências potencialmente graves para Horton, para o Prefeito e para toda Quemlândia.

No entanto, será ela uma vilã? Martino não está tão certo assim. "Ela possui sua ideologia, não é uma vilã. Ela é equivocada, mas não maldosa", ressalta.
Em uma cena memorável, a Canguru, no melhor estilo "tirana da selva", profere um sermão – na verdade ela grita com toda a força de seus pulmões – sobre a impossibilidade da existência de Quemlândia. A seqüência utiliza toda a impressionante capacidade vocal e o talento cômico da legendária Carol Burnett, que assume o papel interpretando-o no seu estilo. "Carol tem dutos!", diz Hayward da atriz, cujos momentos memoráveis de sua longa carreira de variedades televisivas incluem um "grito de Tarzan" que prenuncia suas vocalizações como a Canguru. "Há um sentido muito libertador em gritar com a força máxima dos seus pulmões... e ainda ser pago por isso", diz ela.

Voltando ao assunto da alegada perversidade da Canguru, Burnett aponta: "Quando você interpreta um vilão, não vê o personagem como perverso. O vilão não se enxerga como maldoso. Ele vê a parte boa, ou seja, que é justo em seus sentimentos e pensamentos. E que, se todos simplesmente o ouvissem e concordassem com ele, o mundo seria maravilhoso".

"A Canguru é muito controladora e teimosa", admite Burnett. "Ela governa a floresta com punhos de aço. Manteve seu filho Rudy em sua bolsa por, bem, muito tempo; ela não permitia que ele saísse do ‘quarto’". (Algumas crianças se sentem prisioneiras dos pais; é possível que a queixa de Rudy seja legítima).

O braço-direito da Canguru é Vlad Vlad-I-Koff, um enorme urubu de traseiro preto, penas oleosas e retalhadas e um bico grande e irregular. Fala com forte sotaque -russo. Vlad não é um gênio do mal, ele é somente maldoso. "Vlad se move como um lagarto ou um morcego", diz Jimmy Hayward. "Tudo para ele é baseado no instinto. O personagem é uma estranho mistura de influências culturais engraçadas. É como um gangster de conjunto esportivo marrom aveludado, usando correntes de ouro.

Will Arnett (Arrested Development), que interpreta Vlad, comenta que o personagem é "uma espécie única de pássaro, um sujeito perigoso, um matador de aluguel. Pensa que é descolado, mas está ultrapassado. Ele acha que está no topo da última moda da cultura pop".

"Sinto-me atraído por personagens ligeiramente arrogantes e também bem idiotas", continua Amett. "Essa é uma boa combinação. Não para a vida, mas para a comédia. Para a vida, é realmente uma combinação triste. Eu adoro pessoas super-arrogantes e, ainda assim, sem consciência de quão idiotas são".

Vlad pode não ser o bico mais afiado da selva, mas representa uma ameaça para Horton e para Quemlândia. Ele consegue entrar e sair das árvores como um guerreiro X-Wing – você quase ouve os motores a jato –, e em uma seqüência eletrizante ele caça Horton pela selva. "Construímos a cena como um filme de terror clássico", comenta Hayward. "Não é, certamente, uma cena sangrenta ou de terror, mas apresenta bastantes risadas e surpresas".

A cabeça do clã Wickersham é Yummo, interpretado pela voz de Dan Fogler, vencedor do Tony, que duplica seu prazer fazendo também o papel de Presidente do Conselho de Quemlândia. Fogler divertiu-se com os dois papéis, mas declara que Yummo é mais próximo de seu coração. "Eu sou do Brooklyn, e Yummo é Brooklyn, duro e da rua", explica.

Não faltam adversários a Horton. Porém, ele tem um melhor amigo e confidente em Nool: Morton, o rato, que tenta agir como voz da razão para seu camarada grandalhão. "Bem, você está falando com uma planta, e isso não me parece legal", avisa o roedor experiente a Horton. Seth Rogen, um dos mais brilhantes atores e roteiristas da comédia atual, empresta ao personagem sua especial sensibilidade torta. "Morton pode ser suscetível a pressões de seus pares", diz a estrela de Ligeiramente Grávidos e ator e roteirista de Superbad – É Hoje.

"De volta a Quemlândia, enquanto o Prefeito tenta convencer os habitantes sobre os perigos que a cidade enfrenta, a esposa do Prefeito, mãe equilibrada de 97 filhos, mantém um clima de harmonia em casa. A forma aparentemente tranqüila com que a personagem lida com explosivos assuntos domésticos agrada a qualquer pai; certamente agrada a Steve Marino. "Tenho duas crianças e isso é um desafio", comenta. "Imagine lidar com 97!"

Amy Poehler, de Saturday Night Live , esposa de Vlad Vlad-I-Koff na vida real – Will Arnett – faz uma personagem engajada que chama a atenção do marido por seu comportamento agressivo, mas sempre o faz com compreensão e senso de humor. "Amy interpreta a personagem de maneira contemporânea e real, porém com uma pequena ponta de ironia", comenta Martino.

Ela conta: "Fiz muitos papéis malucos em minha carreira, muitas personagens conturbadas. Sally, no entanto, é bastante estável. Ela mantém o marido com os pés no chão de um modo muito gentil. Ela precisa fazê-lo, pois é a cabeça dessa família gigantesca. Ela é a caixa de ressonância de seu marido. Porém, está um pouco preocupada com ele; será que está ficando maluco com essa corrida frenética atrás de avisos de uma possível maldição?"

Apesar das dúvidas de Sally, há realmente algo errado em Quemlândia. Para confirmar suas suspeitas, o Prefeito procura a Dra. Mary Lou LaRue, cientista amalucada, porém inteligente, da Universidade de Quem. A Dra. LaRue usa óculos de segurança grossos, cabelos grandes de um vermelho escuro, e lhe faltam certas habilidades sociais básicas. Tudo para ela tem a ver com a ciência. Isla Fisher, que circula facilmente entre comédias como Penetras Bons de Bico e dramas como O Vigia, observa que Mary Lou é a única Quem (além do Prefeito) que "conhece totalmente as ramificações das mudanças climáticas repentinas de Quemlândia (originárias das perigosas viagens de Horton através de Nool). Ela foi a primeira a aderir às crenças do Prefeito sobre potenciais maldições e penumbras". Do alto de seus 1,57 metro, a estrela pequenina acrescenta: "O ditado de que ‘uma pessoa é uma pessoa, não importa o tamanho’, é de relevância particular para mim".

Do inteligente ao…nem tanto. Conheça os Wickershams, um clã de símios com uma mentalidade humana muito familiar. "Eles são, em essência, um bando de caras engraçados", diz Hayward. "Não são vilões clássicos. Mas quando as coisas começam a ficar difíceis para Horton, os Wickershams se divertem. Eles vivem no lado sombrio da natureza humana".

>>>Leia a crítica de HORTON E O MUNDO DOS QUEM! aqui!

Cannes promete um banquete de filmes

2008-03-09T10:38:00.005-03:00

A última edição da revista inglesa ‘Screen’ (www.screendaily.com) no Festival de Berlim começou a especulação sobre os possíveis filmes que estarão na seleção do próximo Festival de Cannes (14~25de Maio). Como sempre, parece haver mais títulos do que espaço para tanta novidade. Os títulos sugeridos no artigo "Global glitterati line up for Cannes in May", de Mike Goodridge só não consegue imaginar quais serão as revelações de Cannes, ao lado dos autores veteranos e de talentos reconhecidos cujos filmes já estão prontos para o festival francês.

Segue a lista dos notáveis pela ‘Screen’:

O curioso documentário em animação do israelense Ari Folman WALTZ WITH BASHIR, com as lembranças do autor 25 anos depois de testemunhar como soldado o massacre de Sabra e Chatila, em setembro de 1982, nos campos de refugiados palestinos em Beirute.

ASHES OF TIME REDUX, a remixagem de um filme raro de artes marciais de Wong Kar Wai, pouco visto pelo mundo.

FROZEN RIVER, da estreante americana Courtney Hunt, sobre a luta e amizade de duas mulheres, uma delas descendente de índios Mohawk na fronteira entre Nova York e Quebec. O filme deriva de um curta-metragem originalmente rodado em 2004. O longa venceu o último Festival de Sundance.

WHAT JUST HAPPENED?, do famoso diretor americano Barry Levinson. Duas semanas na vida de um produtor de cinema com dificuldades de terminar um filme e um elenco de notáveis de Hollywood – Bruce Willis, John Turturro, Robert De Niro e Sean Penn, que irá presidir o júri do festival de Cannes.

O documentário ROMAN POLANSKI: WANTED AND DESIRED, de Marina Zenovich sobre o escândalo e a tragédia particular do grande cineasta polonês que teve de fugir dos EUA em fevereiro de 1978 com acusações de pedofilia. O cineasta não participa do filme, mas aparece muito com a seleção de entrevistas de trinta anos atrás.

LE SILENCE DE LORNA, dos irmãos belgas Jean-Pierre e Luc Dardenne, duas vezes Palma de Ouro em Cannes. Neste novo drama, o casamento arranjado para uma jovem albanesa clandestina com um drogado. Ela vira belga e como agradecimento tentará salvar a vida do toxicômano.

THE PALERMO SHOOTING, de Wim Wenders, uma história de amor e desencantos com um fotógrafo que abandona a Alemanha pela Sicília. Com o rock-star alemão Campino + os ícones Lou Reed, Patty Smith e Giovanna Mezzogiorno. Dannis Hopper, o AMIGO AMERICANO, em um filme de Wenders de 1977, também está no elenco.

PARLEZ-MOI DE LA PLUIE/ LET IT RAIN, da francesa Agnès Jaoui. Drama, comédia e documentário sobre ambição política num cenário de interior.

DAYDREAMS, do cineasta turco Nuri Bilge Ceylan, comparado ao mestre Michelangelo Antonioni. Seus dois filmes anteriores foram revelados no mesmo festival.

LINHA DE PASSE, de Walter Salles e Daniela Thomas, um forte drama sobre os escapes possíveis para quatro irmãos sobreviverem em São Paulo, com o já crescido Vinícius de Oliveira (o ator mirim de CENTRAL DO BRASIL) como um dos irmãos.

Com o Urso de Ouro em Berlim, as atenções devem se voltar mais para o Brasil e a América Latina. Outro do Brasil deve ser a co-produção com o Canadá CEGUEIRA/ BLINDNESS, de Fernando Meirelles, com Julianne Moore e Gael Garcia Bernal, adaptado do livro "Ensaio sobre a Cegueira", de José Saramago.

LEONERA/ LION’S DEN, do argentino Pablo Trapero, em que uma mulher encarcerada luta para criar o seu filho da prisão.

RUDO Y CURSI, de Carlos Cuaron. O filme promove o reencontro dos atores Diego Luna e Gael Garcia Bernal depois de E SUA MÃE TAMBÉM, cujo roteiro foi escrito por Carlos com o seu irmão Alfonso Cuaron.

Outro filme mexicano em Cannes poderá ser o de Guillermo Arriaga. O autor/escritor/roteirista de BABEL, 21 GRAMAS, TRÊS ENTERROS, AMORES PERROS, rompeu com o diretor Alejandro González Iñáritu e estréia na direção com o seu próprio roteiro em THE BURNING PLAIN. Como é de sua marca, o filme parte com duas histórias paralelas, de mãe e filha que tentam estabelecer vínculos.

E mais latinidade poderá ser vista com a versão de Steven Soderbergh sobre o mito Che Guevara em THE ARGENTINE

Entre os asiáticos, a expectativa seria pelas novidades do chinês Jia Zhang-ke (24 CITY), homenageado na Mostra São Paulo, ano passado; o vietnamita Tran Anh Hung (I COME WITH THE RAIN); os coreanos Kim Ji-woo (THE GOOD, THE BAD AND THE WEIRD) e Kim Ki-duk (DREAM); e os japoneses Kiyoshi Kurosawa (TOKYO SONTA), Hirokazu Kore-eda (ARUITEMO ARUITEMO) e Ryosuke Hashiguchi (GURUNI NO KOTO).

Especula-se ainda, na cota européia, o novo do inglês Michael Winterbottom, GENOVA, uma história de fantasmas rodada na Itália; o novo do multinacional Barbet Schroeder, o thriller francês INJU; MR. NOBODY, o novo do belga Jaco Van Dormael (UM HOMEM COM DUAS VIDAS), com uma grande produção sobre imortalidade e crise existencial; ST GEORGE SHOOTS THE DRAGOde Srdjan Dragojevic (BELA ALDEIA, BELA CHAMA) ou AMÉRICA do polonês Jerzy Skolimowski; Laurent Cantet (EM DIREÇÃO AO SUL) com o novo ENTRE LES MURS; e ainda a veterana Agnès Varda, com o documentário LES PLAGES D’AGNES.

Pelos EUA há chances ainda para o novo filme dos irmãos Andy e Larry Walchowski com SPEED RACER, inspirado em uma série japonesa de animação sobre corrida de carros. E por fim, a apresentação especial de INDIANA JONES E O REINO DA CAVEIRA DE CRISTAL, de Steven Spielberg. Cannes faz a festa com o cinema dos pop stars, mas no fim, presta-se perfeitamente à difusão do bom cinema autoral e pensante.

É bom não esquecer que esta lista especulativa está mais voltada à lista dos filmes em competição e apresentações especiais. Cannes faz acontecer filmes em muitas outras seleções, como ‘Un Certain Regard’, ‘Quinzaine des Réalisateurs’ e ‘Semaine de la Critique’. Uma noite especial será ainda reservada para o mestre português Manoel de Oliveira, quase centenário, que faz 100 anos em dezembro próximo. Longa vida ao Cinema (apesar da pirataria que o fustiga em todo o mundo).

Spoiler vai cobrir o Festival de Cannes na íntegra.

Por Leon Cakoff

O sangue é vida!

2008-03-06T10:54:00.010-03:00

Bram Stoker (1847-1912) teve uma centelha de gênio ao inventar, em 1897, seu vampiro partindo de contos folclóricos da Transilvânia. "Drácula" foi publicado durante o século 19, o espírito romântico vagou num mundo sobrenatural, de tentações e vertigens, em que personagens maléficos sugavam a vida e a energia de seres humanos, por vezes graças ao sangue ingerido.

As lendas sobre o dentuço notívago datam de 1751, mas foi Bram Stoker que realmente as assentou, dando-lhes coerência e firmeza. O mito do vampiro é rapidamente recuperado pelo cinema, no caráter difuso da tradição romântica, do VAMPYR, de Dreyer, à MASCARA DO DEMONIO, de Mário Bava, chegando às últimas metamorfoses inspiradas em Anne Rice.

Mas o conde Drácula impõe-se. Depois de sua transformação no NOSFERATU, de Murnau, nos tempos do cinema mudo, adquire o aspecto que o marcou, em 1931, com o DRÁCULA, de Tod Browning. Bela Lugosi (1882-1956) conferia ao vampiro elegância aristocrática, superioridade em suas atitudes, consciência controlada da sua natureza ou do que poderia se chamar o seu vício. Lugosi possuía uma sedução "old fashioned", mesmo para 1931, se contrapondo ao charme moderno de David Manners, o jovem herói.

Lugosi não conseguiu escapar do papel, interpretando-o em fitas como A MARCA DO VAMPIRO e A VOLTA DO VAMPIRO, até cair no deboche e participar, como Drácula, das comédias de Abbott e Costello. Enriqueceu, tornou-se viciado, morreu pobre. Foi sepultado com a capa preta de cetim.

A imagem de Lugosi envelheceu no pós-guerra: Não é à toa que, no seriado “A Família Monstro", o vovô é calcado sobre ela. Christopher Lee, graças à seqüência de filmes da companhia inglesa Hammer, graças à admirável direção de Terence Fisher em HORROR OF DRACULA (1958), torna atual e erótico o personagem. Desenha-se, de modo transparente, o vampiro concebido como o avesso do Cristo. No último da série, injustamente desconsiderado pela crítica, CONDE DRÁCULA E SUA NOIVA VAMPIRA (1973), dirigido por Alan Gibson, o conde é apanhado por um espinheiro, metáfora imensa da coroa de Cristo, e suas palmas são atravessadas por pontas, como na crucifixão.

E quase 50 anos depois, o também alemão Werner Herzog se inspirou no clássico de Murnau para fazer NOSFERATU, O VAMPIRO DA NOITE (1979). Klaus Kinski, apavorante como Max Schreck, é um vampiro apaixonado e atormentado, que carrega o peso de seu destino e viaja à Alemanha num navio repleto de ratos.

Ambos de 1979, DRÁCULA, de John Badham, com Frank Langella, foi definido o mais lascivo filme de Drácula. AMOR À PRIMEIRA MORDIDA, de Stan Dragosti, com George Hamilton, também envereda pelo humor. Como eles, Jack Palance, David Niven e Louis Jourdan tiveram, com resultados variáveis, seus dias de Drácula.

Houve um Drácula turco, ele já foi ao Velho Oeste e à China imperial, transformou-se no conde Alucard (Drácula ao contrário), Frankenhausen (qualquer semelhança com Frankenstein não é mera coincidência), Yorga e Quejando, apareceu em filmes pornográficos também... ENTREVISTA COM O VAMPIRO, de Neil Jordan (1994), abandona Bram Stoker por Anne Rice. VAMPIROS, de John Carpenter, é um avatar, singular e enérgico.

Os traços muito definidos de Drácula, via Lugosi, Lee e Karloff, descendentes de uma estirpe romântica e gótica, há muito perderam sua eficácia. É mau sinal quando, em 1992, Coppola dirige seu DRÁCULA DE BRAM STOKER. A incorporação do nome dos escritores no próprio título demonstra um desejo filológico de fidelidade ao texto de origem. O recado é este: vamos apagar toda a tradição sem rigor e cheia de variantes dos antigos Dráculas para obter uma versão fidedigna.

A caracterização de Gary Oldman nada deve às de Schreck e Kinski.
Curioso... Drácula exibia uma fina estampa, o monstro do Dr. Frankenstein era feio como a fome. Um era íntegro em sua maldade, o outro nada tinha de inteiro.

Drácula foi criado por um homem. O monstro, por uma mulher (Mary Shelley). Nada em comum e, no entanto, ao menos no cinema, suas "carreiras" são afins.
Quando Browning rodou DRÁCULA em 1931, a mesma Universal rodava FRANKESTEIN, de James Whale. Sem contar que, em O FILHO DE FRANKENSTEIN (1939), de Rowland V. Lee, é Bela Lugosi, o Drácula, quem personifica o criado Igor, tão tétrico quanto o monstro.

Parece que um pressupõe o outro. Foi assim na Universal, assim na Hammer. Quando Paul Morrisey rodava o seu Drácula, ao mesmo tempo filmava FRANKENSTEIN DE ANDY WARHOL. E o próprio Coppola, depois de dirigir DRÁCULA DE BRAM STOKER, produziu FRANKENSTEIN DE MARY SHELLEY (1994), de Kenneth Branagh.

Gostar desse ou daquele filme é uma questão pessoal. Há quem procure um clima gótico e há quem não fique sem o trash explícito - caso de dois terços da produção do gênero. Há quem queira o personagem complexo, vítima da própria condição, e há quem se contente com um Drácula chapado, todo sangue e ruindade.

Mas indiscutivelmente os seis grandes filmes inspirados em Stoker é pela cronologia: NOSFERATU (Murnau), DRÁCULA (Browning), O VAMPIRO DA NOITE (Fisher), AMOR À PRIMEIRA MORDIDA (Dragosti), DRÁCULA (Badham) e DRÁCULA DE BRAM STOKER (Coppola).

Por Jorge Coli, Federico Mengozzi & Arthur Nestrovski

E mais vampiro...
>>>Leia a crítica de DRÁCULA (1933) aqui!
>>>Leia a crítica de DRÁCULA DE BRAM STOKER aqui!
>>>Leia a crítica de NOSFERATU aqui!
>>>Leia a crítica de A SOMBRA DO VAMPIRO aqui!
>>>E no Spoiler Premium, a trajetória dos Filmes de Terror no Oscar!

Pus o chapéu e Indiana voltou

2008-03-04T09:00:00.003-03:00

No dia seguinte à entrega do Oscar 2008, Harrison Ford concedeu uma entrevista como parte da primeira rodada de divulgação de INDIANA JONES E O REINO DA CAVEIRA DE CRISTAL, um dos filmes mais aguardados do ano, com estréia prevista para maio em Cannes. Ele falou sobre como foi se reunir mais uma vez com a equipe dos três primeiros filmes da série, em que tipos de produção prefere trabalhar e ainda respondeu sobre suas opiniões políticas.

Aos 65 anos, Ford fala sobre o personagem com a mesma vivacidade e empolgação de 19 anos atrás, quando a terceira parte da aventura foi lançada. A animação é ainda mais evidente quando o assunto é a poderosa equipe reunida para o retorno do herói: Steven Spielberg, George Lucas, a produtora-executiva Kathleen Kennedy e o produtor Frank Marshall, pessoas que, segundo ele, são como uma “família”.

O resultado dessa forte união aparece nas telas na forma de um vigoroso herói que não pensa em aposentar o chicote. Desta vez, o antropólogo vivido por Ford mergulha na mitologia maia para encontrar um lendário crânio de cristal que pode lhe revelar poderes magníficos. Além disso, Indiana volta a lidar com figuras de seu passado, como o filho Mutt Willians (Shia LaBeouf), que em pouco tempo se envolve nas aventuras do pai. O filme foi rodado no Novo México, no Havaí e em Foz do Iguaçu.

Spoiler: Há alguma complicação para a volta de um personagem e de um filme de ação como esse 20 anos depois, além, óbvio, da passagem do tempo?
Harrison Ford: Hoje, o Indiana Jones tem um conhecimento, uma visão diferente das coisas. Ele é um personagem que sempre pode ser mais explorado, tem ótimos relacionamentos e sempre algo novo para mostrar. É ótimo representar de novo o personagem, em um filme para a nova geração. Quando terminei de me vestir, toda essa experiência e perspectiva voltaram. Pus o chapéu e Indiana voltou. E ainda bem que a roupa original ainda me serviu. Consegui manter a mesma forma por 20 anos, o que é uma façanha. Foram 80 dias de filmagem com um só de folga. Mas tudo correu bem.

Spoiler: As filmagens podem ter levado menos de três meses, mas o roteiro virou novela e parecia que nunca ficaria pronto...
Ford: Na verdade, tínhamos pensado no projeto há cerca de 12 anos. Mas não deu certo. Demorou certo tempo para que eu, George Lucas e Steven Spielberg encontrássemos um jeito de juntar todos, de forma que o projeto fosse interessante para todo mundo, que o roteiro valesse a pena. E tinha de ser um grande filme, porque a expectativa em torno dele é muito grande.

Spoiler: Por que tanto zelo e preocupação, já que o personagem é querido e tem gerações de adoradores?
Ford: É exatamente por ele ser especial para mim e para o público. São os espectadores que chancelam meu trabalho com seu dinheiro nas bilheterias. A história tem de ser boa, e quem a conta também. Caso contrário, o público escolhe outro contador. É simples assim. Não posso ser aquele tipo de ator que coloca um nariz de borracha ou maquiagem pesada para parecer outra pessoa. Acredito que meu público goste de me ver – jovem ou um pouquinho mais velho –, e tenho de atender a esse tipo de demanda. Por isso, fiz todas as cenas de ação. E o filme precisa valer a pena, pois seria um desrespeito filmar uma história qualquer só por dinheiro.

Spoiler: Aos 65 anos, você ainda interpreta heróis de ação. Como consegue isso? A idade não atrapalha?
Ford: Acho que é o que me mantém saudável e ativo. Eu gosto muito de fazer isso. Não malhar pesado, só quando tenho de fazer um personagem que me exija isso. Aí, faço bastante exercício, mas por um tempo. Para mim, é mais uma questão de manter tudo em cima, fazer com que o corpo siga trabalhando. Normalmente, vou à academia três vezes por semana e fico lá por 40 minutos. Gosto de jogar tênis também. Coisa leve.

Spoiler: O personagem Indiana Jones, às vezes, é politicamente incorreto. Ele leva alguns objetos históricos dos países por onde passa. O que você acha disso?
Ford: É verdade, eventualmente ele rouba algumas relíquias. Mas, antes de tudo, ele é um arqueólogo. Sua intenção inicial é estudar os objetos, e não roubá-los. Ele se interessa por aprender, é fascinado pelo mistério dessas coisas. Ele não usa as pessoas, não abusa dos lugares por onde passa. Mas, enfim, ele não é perfeito, erra de vez em quando. É o que o torna interessante.

Spoiler: E o professor de arqueologia tem planos de se aposentar?
Ford: Esse assunto nunca foi mencionado. Ainda há muito o que ser explorado com Indiana Jones (risos)!

Spoiler: Sua imagem é associada a heróis: Indiana, Han Solo (STAR WARS), Jack Ryan (JOGOS PATRIÓTICOS)... Você gosta do conceito de herói?
Ford: Tenho orgulho de Indiana Jones. Han Solo foi importante, embora não deseje voltar a ele, pois ele era meio bobo. E Jack Ryan eu também voltaria a fazer, tem muito a ser explorado. Porém, ser herói não faz sentido. Ninguém assina contrato para viver um “herói”. Vivemos personagens e pessoas que, às vezes, precisam praticar atos de heroísmo. Mas é pretensioso considerar-se um herói. Um dia, alguém decidiu que precisávamos de heróis no cinema e, a partir daí, todo filme ganhou um. Mas muita gente se esquece de que herói mesmo é um bombeiro que se arrisca por uma criança.

Spoiler: As pessoas deixaram de ir ao cinema para ver um ator em especial?
Ford: A década de 80 foi um dos períodos mais saudáveis para os filmes. Não existia DVD, o VHS estava começando e as pessoas iam ao cinema, pois era o único jeito. Hoje, criaram-se vários públicos. Há quem goste de ficar em casa, há quem continue seguindo atores e há aquele pessoal, especialmente jovens, que gosta de sair e aproveitar o bom e velho escurinho do cinema. Assim, os jovens se tornaram os espectadores mais consistentes.

Spoiler: Quanto a ser astro, houve mudança nestes 20 anos?
Ford: Os jovens têm afinidade com os atores da idade deles, pois querem ver a história deles mesmos. Não faria sentido me ver fazendo de conta ter 30 anos. O público precisa de caras da minha idade.

Spoiler: Acredita em uma chance de mudança nos EUA neste momento de eleições?
Ford: Claro. É necessário reinventar nossa economia, criar mais empregos para os jovens e voltar a prosperar. Precisamos de mudança, de disciplina focada, e parar de fazer um monte de coisas que estamos fazendo, como desperdiçar dinheiro em áreas erradas. O país estabeleceu objetivos altos, embora não cheguemos muito perto deles. Mas perdemos nosso ideal ao longo dos anos. É como se ele tivesse se desgastado, assim como os rostos no Monte Rushmore (a montanha onde foram esculpidos os rostos de quatro presidentes americanos). Este país sempre funcionou bem sob uma “liderança messiânica”, que recobra os ideais. Agora, temos este jovem líder, poderoso e idealista, Barack Obama, se erguendo. Ele pode dar um novo coração a este país e operar a mudança de que precisamos, e rápido.

Spoiler: De onde você tirou inspiração para compor Indiana Jones?
Ford: Construo o personagem quando estou na frente da câmera, com a jaqueta de couro, o chapéu e o chicote. E tento entender a moral do personagem.

Spoiler: Você pretende continuar investindo em produções em que atua como o herói da história?
Ford: Nenhum desses filmes que eu faço são de ação. Eles talvez exijam um pouco mais de força física. Em Guerra nas Estrelas, não fiz mais do que correr e atirar nas pessoas. Indiana Jones tem aventura e fantasia, mas não é um filme de ação. Em Jogos Patrióticos também não fiz um herói - o protagonista tenta proteger a família, tenta se manter longe dos problemas. Nunca fiz, de verdade, um filme assim. Nenhum desses tipos que eu tenho interpretado é herói. E não procuro isso. Estou focado nos personagens e não nesse título. Eu resisto ao rótulo.

Spoiler: Apesar disso, você pilota aviões...
Ford: É, mas não estou interessado no risco. As pessoas acham que pilotar aviões é um grande perigo. O meu grande negócio é saber dosar o risco, ter responsabilidade. A liberdade e a independência de voar, de cuidar da sua vida e talvez da de passageiros, ver o mundo de uma outra forma, aprender coisas novas... Essas coisas é que são o grande negócio pra mim.

Spoiler: O que você acha desse revival de heróis em Hollywood?
Ford: É verdade... Temos Rocky, Rambo... Não sei. Talvez isso signifique que não existam tantos papéis para atores mais velhos. Acho que eles são heróis de sucesso, há público para eles, há toda uma expectativa sobre isso.

Por Bruno Segadilha & Fábio M. Barreto (Revista Época)

A Concepção do Diretor de Arte

2008-03-03T07:37:00.004-03:00

A "cara" de um filme é dada pelo diretor de arte, o encarregado pelo planejamento artístico de toda a produção. A concepção do storyboard, cenografia, luz e figurino são as principais tarefas desse profissional que usa as mais diversas ferramentas para elaborar seu projeto.

O ponto de partida do diretor de arte para desenvolver o trabalho é absorver o que se pretende com a realização do produto. A partir daí começa a maratona técnica para dar forma ao conteúdo.

O projeto tem início com o estudo do roteiro. "A situação ideal para desenvolver um bom trabalho de direção de arte é participar desde a elaboração do roteiro. Muitas das situações apresentadas são criadas pelo diretor de arte", considera o diretor de arte e artista plástico Luciano Angelini.

ETERNO AMOR

A definição do espaço onde a idéia será materializada é fundamental para a criação do projeto cenográfico. Conhecer a locação ou até projetar a construção do local onde ocorrerá a captação ou se desenrolará o evento envolve o conhecimento dos dados contidos na planta baixa do espaço - como pé-direito, localização e altura das varas e grids e existência de passarelas ou fosso, que eventualmente poderão ser utilizadas na criação dos cenários, adereços, figurino, iluminação e planejamento de cores - ou a elaboração de um projeto com todos estes requisitos.

Nos storyboards estarão definidos os planos de captação, a visão e a circulação dos participantes de um evento, o posicionamento de câmeras, luzes, objetos cenográficos e artistas na cena. Atualmente, tem sido grande a importância dada à execução do storyboard para facilitar e agilizar o trabalho do diretor de cena. Dessa forma menos tempo é consumido em ensaios e repetições dos takes, evitando-se o desperdício de tempo e dinheiro em tempos de orçamentos apertados.

Com a aprovação dos planos visuais da produção, que inclui as texturas que serão empregadas, efeitos na pintura, elementos que irão compor o plano e objetos de cena, entram em campo o produtor de design e os cenotécnicos (serralheiros, pintores, marceneiros), que irão efetivamente pôr a mão na massa, para concretizar a obra.

CLÃ DAS ADAGAS VOADORAS

Luis Rossi, diretor de arte e cenógrafo de longas como MEMÓRIAS PÓSTUMAS, DOIS CORREOS, A HORA MÁGICA, dentre outros, diz ser muito comum no Brasil o diretor de arte acumular também a função de desenhista de produção. Para ele, é importante que o diretor de arte tenha pelo menos fundamentos sobre iluminação cênica, seja em estúdio ou teatro.

"Um ponto de luz no teatro representa muita coisa, enquanto no cinema este ponto de luz tem de ser ampliado. No teatro, uma vela acesa ilumina o rosto de um ator e representa todo um universo; no cinema isso já não acontece. Você pode até conseguir um resultado, mas fotograficamente falando é muito mais difícil, na verdade você vai representar um ponto de vela."

Ao conceber os espaços, Rossi esboça à mão e, somente com o projeto finalizado, isto é, com as informações detalhadas sobre o plano visual da produção, é que o desenha digitalmente. A explicação para isso são as inúmeras modificações no projeto durante as reuniões com o diretor e sua pouca familiaridade com o meio digital: "No papel é mais rápido. Sou das antigas", explica.

A PAIXÃO DE CRISTO

A utilização de maquetes para o planejamento da construção de um cenário em estúdio, assim como o esboço em papel, estão sendo, atualmente, substituídos pela modelagem em softwares de imagens tridimensionais. Rossi, no entanto, afirma não abrir mão da maquete pois, ainda que a imagem saia tridimensional no papel, continua sendo uma imagem chapada: "Eu não posso por a mão dentro".

Luciano Angelini, ao contrário, prefere as ferramentas digitais como o Light Wave, Strata e Animation Master (para animação); Vector Works e Art Lantis (para arquitetura e cenografia), para realizar e apresentar seus projetos. "Hoje até um cenógrafo tem de estar interado sobre tecnologia digital, pois precisa estar preparado para montar ambientes onde serão usados efeitos digitais ou cenários virtuais."

"Em termos de direção de arte, nada se concebe no set de filmagem. No set o conceito já está estabelecido. Eventualmente o diretor pode sugerir: ‘Vamos concentrar mais isso daqui’, ou ‘Preciso de um primeiro plano aqui’, então preciso ter elementos na manga para o caso de precisar deles. Tudo pode ir para lá ou para cá, mas nada irá modificar o conceito", diz Rossi.

O FANTASMA DA ÓPERA

Quando Rossi entrou na televisão, em 1977, usavam-se muitos recursos do teatro: tanto a interpretação dos atores quanto as técnicas cenográficas eram teatrais. Como ainda existiam televisores preto e branco, a preocupação com as tonalidades das cores se fazia necessária, pois algumas cores como o vermelho e o preto imprimiam da mesma forma em P&B. "Eu nunca falei: vou ser diretor de arte. Comecei a fazer teatro no interior, como ator. Fiz dez anos de teatro amador e foi quando desenvolvi diversas habilidades, como atuar, dirigir, fazer iluminação, figurino e cenário. Vim para São Paulo fazer a Escola de Arte Dramática (EAD-USP) e casualmente fui convidado para ser assistente do Serroni na TV Cultura. Lá eu aprendi fazendo. Então passei para a televisão comercial, trabalhando como cenógrafo. Comecei com "Os imigrantes", uma novela que durou dois anos e foi uma grande escola, pois ela se passa em um período que durou cem anos. Pesquisei um século de Brasil e tinha de pesquisar hoje para executar o cenário amanhã. Depois fiquei fazendo por dez anos carnaval, sete como carnavalesco, e nesse meio tempo também fiz teatro e comercial. Eu não sou um especialista em direção de arte ou especialista em objetos. Às vezes me chamam de mago, pois faço de tudo: figurino, cenário etc. Eu não tenho o perfil de diretor de arte que trabalha em prancheta. Eu pego no batente, eu executo, eu ensino a executar. Eu tenho o lado do aderecista, do pintor de arte", conta Rossi.

A história de Luciano Angelini é completamente diferente. Foram seus trabalhos como artista plástico que o levaram a se tornar um diretor de arte a partir de 1990. Ele considera ainda que sua formação acadêmica e profissional em Engenharia Civil (FAAP) ajuda bastante no desenvolvimento de projetos cênicos. "Fica mais fácil projetar o espaço tendo pré-conhecimento das técnicas de como ele deverá (e poderá) ser construído." Elementos pictóricos não são nenhum mistério para alguém acostumado a lidar com pincéis, telas, tintas, cores e texturas. Por isso, há mais de dez anos, Angelini resolveu complementar seus conhecimentos estudando iluminação, técnicas de edição e informática. "Uni o útil ao agradável." E completa: "Na direção de arte de um evento posso dar asas à imaginação pois participo, inclusive, da criação do projeto que será apresentado para a empresa. Aí é arregaçar as mangas e usar tudo que a tecnologia oferece para prender a atenção dos participantes durante as apresentações, palestras e shows que integram o projeto".

O AVIADOR

Rossi sente-se mais confortável fazendo direção de arte para cinema. "Você tem mais liberdade. Na TV, e aí estou falando de publicidade, é o cliente quem manda. Você perde o domínio, porque você tem de vender o produto. Então eu chego, com todas as minhas idéias maravilhosas e o diretor fala: ‘Não! É só um plano fechado. Aqui eu só quero a reação do ator’. Aí resta um fundinho e você vai ter de fechar a sua criação neste fundinho. No cinema não, você tem de vender uma idéia e uma história que você concebeu, então tudo tem mais significado e aquilo é um todo com começo, meio e fim. O foco não está no produto, está no ser humano. Devido ao cinema ser mais denso e do espectador registrar com mais atenção a imagem, o produtor de design ou diretor de arte tem um papel muito mais acentuado do que na televisão. O cinema é muito mais realista do que o teatro. O cinema tem de ser hipernaturalista. O teatro é muito mais fake porque um pudim, por exemplo, pode ser feito de papel machê, já que está longe da platéia. No cinema, o pudim tem de ser pudim. Não dá para se fazer um mock-up de pudim, a não ser que seja muito bem feito."

Enfim, para trabalhar em direção de arte, é preciso ter a arte de misturar métodos, estilos e background na hora de dar a identidade visual a uma obra cênica.

Por Alessandra Meleiro (Tela Viva)

Cenários & Diretores de Arte

2008-03-02T07:52:00.027-03:00

As funções do diretor de arte numa produção abrangem um imenso leque
de atividades. Cada projeto tem sua identidade e para realizá-lo os profissionais
lançam mão dos mais diversos recursos.
Alessandra Meleiro

Croquis de William Cameron Menzies & Lyle Wheeler do Incêndio de Atlanta, Quarto de Scarlet e Bazar de Atlanta para o filme ...E O VENTO LEVOU

100 Cenários, 100 Diretores de Arte

100
Patrizia Von Brandenstein
"Amadeus" (1985)

99
Josie MacAvin
"Entre Dois Amores" (1985)

98
John Bryan
"Grandes Esperanças" (1947)

97
James Payne
"Um Golpe de Mestre" (1973)

96
Ira Webb
"O Fantasma da Ópera" (1943)

95
Gianni Quaranta
"Uma Janela Para o Amor" (1983)

94
Gene Allens
"My Fair Lady" (1964)

93
Edward Carrere
"Camelot" (1967)

92
Grant Major
"O Senhor dos Anéis" (2002, 2003, 2004)

91
Peter Young
"A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça" (1999)

90
Perry Ferguson
"A Estrela do Norte" (1943)

89
Marvin March
"A Família Addams" (1993)

88
Linda DeScenna
"A Cor Púrpura" (1985)

87
Hans Peters
"O Retrato de Dorian Gray" (1945)

86
Hal Gausman
"Os Intocáveis" (1987)

85
Anton Grot
"A Vida de Émile Zola" (1937)

84
Albert D'Agostino
"Soberba" (1942)

83
Albert Brenner
"2010" (1984)

82
Vincent Korda
"O Ladrão de Bagdã" (1940)

81
Raphael Bretton
"Alô, Dolly!" (1969)

80
Peter Lamont
"Titanic" (1997)

79
Nancy Haigh
"Bugsy" (1991)

78
Jack Moore
"Quatro Destinos" (1949)

77
Ian Whittaker
"Retorno à Howard Ends" (1992)

76
George Nelson
"O Poderoso Chefão II" (1974)

75
Ernst Fegte
"Gaivota Negra" (1945)

74
Angelo Graham
"O Poderoso Chefão II" (1974)

73
Harry Horner
"Desafio à Corrupção" (1961)

72
Angelo Graham
"Apocalipse Now" (1979)

71
Wiard Ihnen
"Wilson" (1944)

70
Robert Priestley
"Férias de Amor" (1955)

69
Gil Parrondo
"Nicholas & Alexandra" (1971)

68
William Kiernan
"Nosso Amor de Ontem" (1973)

67
Van Nest Polglase
"Cidadão Kane" (1941)

66
Richard Pefferle
"Madame Bovary" (1949)

65
Leland Fuller
"Laura" (1944)

64
Ted Haworth
"Sayonara" (1957)

63
Tambi Larsen
"A Rosa Tatuada" (1955)

62
Stephen Goosson
"Horizonte Perdido" (1937)

61
Julia Heron
"Spartacus" (1960)

60
Joseph Kish
"A Nau dos Insensatos" (1965)

59
James Basevi
"A Canção de Bernadette" (1943)

58
Dean Tavoularis
"O Poderoso Chefão II" (1974)

57
William Cameron Menzies
"Mulher Cobiçada" (1928)

56
Michael Ford
"Titanic" (1997)

55
Henry Bumstead
"Golpe de Mestre" (1973)

54
George Gaines
"O Céu Pode Esperar" (1978)

53
Gene Callahan
"America, America" (1963)

52
Dario Simoni
"Doutor Jivago" (1965)

51
Vernon Dixon
"Oliver!" (1968)

50
John Meehan
"20000 Léguas Submarinas" (1954)

49
Lionel Banks
"Ana dos Mil Dias" (1969)

48
Jack Otterson
"Louca Por Música " (1938)

47
Frank McKelvy
"Terremoto" (1974)

46
Darrell Silverar
"Cidadão Kane" (1941)

45
Carroll Clark
"Mary Poppins" (1964)

44
Francesca Lo Schiavo
"Hamlet" (1990)

43
William Horning
"Gigi" (1958)

42
Preston Ames
"Sinfonia em Paris" (1951)

41
Leslie Dilley
"Os Caçadores da Arca Perdida" (1981)

40
Ken Adam
"As Loucuras do Rei George" (1994)

39
Robert Clatworthy
"A Nau dos Insensatos" (1965)

38
Edward Boyle
"Se Meu Apartamento Falasse" (1960)

37
Dante Ferretti
"O Aviador" (2004)

36
Urie McCleary
"Pattom, Rebelde ou Herói?" (1970)

35
Stuart Reiss
"O Diário de Anne Frank" (1959)

34
Richard Sylbert
"Dick Tracy" (1990)

33
Norman Reynolds
"Star Wars" (1977)

32
Keogh Gleason
"Sinfonia em Paris" (1951)

31
Howard Bristol
"Ídolo, Amante e Herói" (1942)

30
Arthur Krams
"Lili" (1953)

29
Russell Gausman
"Spartacus" (1960)

28
William S. Darling
"A Canção de Bernadette" (1943)

27
Walter Tyler
"Os Dez Mandamentos" (1956)

26
Boris Leven
"Amor, Sublime Amor" (1961)

25
Emile Kuri
"20000 Léguas Submarinas" (1954)

24
Stuart Craig
"O Paciente Inglês" (1996)

23
John Box
"Lawrence da Árabia" (1962)

22
Jack Martin Smith
"Viagem Fantástica" (1966)

21
Joseph Wright
"Minha Namorada Favoríta" (1942)

20
Edward Carfagno
"Ben-Hur" (1959)

19
Henry Grace
"Gigi" (1958)

18
Paul Groesse
"Virtude Selvagem" (1946)

17
John DeCuir
"Alô, Dolly!" (1969)

16
Roland Anderson
"Bonequinha de Luxo" (1961)

15
Ray Moyer
"Crepúsculo dos Deuses" (1950)

14
George James Hopkins
"My Fair Lady" (1964)

13
Hugh Hunt
"Ben-Hur" (1959)

12
Paul S. Fox
"O Rei e Eu" (1956)

11
George W. Davis
"O Manto Sagrado" (1953)

10
Alexander Golitzen
"O Sol é Para Todos" (1962)

9
Hal Pereira
"A Rosa Tatuada" (1955)

8
Hans Dreier
"Sansão & Dalila" (1950)

7
Walter M. Scott
"Cleópatra" (1963)

6
Thomas Little
"A Malvada" (1941)

5
Richard Day
"Um Bonde Chamado Desejo" (1951)

4
Sam Comer
"Crepúsculo dos Deuses" (1950)

3
Lyle Wheeler
"...E o Vento Levou" (1939)

2
Edwin Willis
"Assim Estava Escrito" (1952)

1
Cedric Gibbons
"Sinfonia em Paris" (1951), "Flores do Pó" (1941), "À Meia Luz" (1944),
"Júlio Cesar" (1953), "Quatro Destinos" (1949), "Orgulho e Preconceito" (1940),
"Marcado Pela Sarjeta" (1956), "Assim Estava Escrito" (1952),
"A Ponte do Rio São Luis"(1928), "A Viúva Alegre" (1934)
& mais 40 Indicações ao OSCAR em mais de 1000 filmes!

Max Von Sydow morre na página 25

2008-02-29T10:04:00.003-03:00

Porto: Max Von Sydow teve 13 vidas no cinema agora órfão de Ingmar Bergman, mas essa "experiência" não é um daqueles casos em que o cinema é maior do que a vida. É um daqueles casos em que a vida é maior que o cinema. 51 anos depois dO SÉTIMO SELO, o filme em que Bergman o coloca jogando xadrez com a morte e... conseqüentemente perder (mas bem depois da página 25), ainda não lhe aconteceu nada insubstituível nessa iconografia, apesar de trabalhar com John Huston (CARTA AO KREMLIN e FUGA PARA A VITÓRIA), Sydney Pollack (OS TRÊS DIAS DO CONDOR), Steven Spielberg (MINORITY REPORT - A NOVA LEI), David Lynch (DUNA), Wim Wenders (ATÉ O FIM DO MUNDO), Lars Von Trier (EUROPA), Bertrand Tavernier (LA MORT EN DIRECT) e Woody Allen (HANNAH E SUAS IRMÃS).

Woody Allen? “Foram duas semanas. Não é possível comparar duas semanas de Woody Allen com 20 anos de Bergman. Não seria justo”. Julian Schnabel (fizeram O ESCAFANDRO E A BORBOLETA no ano passado)? “Sim, um diretor magnífico, mas de novo: foi um dia de trabalho. Não posso comparar Bergman com nada. Foi o único cineasta com quem trabalhei continuamente. Fui terrivelmente mimado”.

Tem 78 anos, agora, na vida real (nasceu em 10 de Abril em Lund, na Suécia). Teve 92 anos em O ESCAFANDRO E A BORBOLETA. É um velho, e este cinema não é para velhos: “Que papéis me oferecem nesses dias? Avós - pais, na melhor das hipóteses. E os avós estão sempre muito doentes no início do filme e depois morrem na página 25”. Não foi o cinema de Bergman (de quem também foi avô, em AS MELHORES INTENÇÕES, de Bille August) que fez dele um velho. Mas foi o cinema de Bergman que fez dele um ator “impressionantemente alto e impressionantemente estrangeiro: Em 1957 eu entrei num filme de Bergman e Hollywood percebeu minha existência. E em Hollywood eu sempre fui o estrangeiro. Os estrangeiros dão bons vilões com sotaques sinistros. Eu dei um bom vilão”.

Também deu um bom padre: “Trabalhei com o Bergman e os americanos olharam para aquilo e disseram: Ah... Um diretor sueco... Sério... Religioso... E este ator... Dá um ótimo cruzado... O que aconteceu depois? Me convidara para fazer Jesus e assim foi em A MAIOR HISTÓRIA DE TODOS OS TEMPOS. E depois os produtores sem muita imaginação e preocupados em não perder dinheiro, optam sempre pelo seguro: Se precisarem de um padre, procuram atores que já fizeram padres, de preferência com algum sucesso, e encontram Max Von Sydow. E então o Max Von Sydow faz cruzado, Jesus, padre, bispo, papa e vigário. Tive de pôr um ponto final nisso. Há algum tempo que deixei de aceitar papéis desses". Há algum tempo, mesmo: Em 1982, já não quis ser o bispo de FANNY E ALEXANDER (e agora lamenta não ter aceitado).

Max Von Sydow esteve completamente "em casa" no cinema de mulheres que foi o cinema de Ingmar Bergman - tão completamente que Bergman o chamou para participar nos três filmes que rodou na ilha de Faro (A HORA DO LOBO, VERGONHA E A PAIXÃO DE ANA), onde foi viver a perfeita vida sueca depois de esvaziar o apartamento de Estocolmo.

E aconteciam coisas nessas filmagens que nem ele nem Bergman conseguiam explicar: "São matérias que se movimentam num nível muito irracional: Era uma relação de trabalho, mas também era uma relação de amizade. E também era uma questão de profunda admiração. É difícil falar sobre isso, foi demasiado importante para mim. Particularmente durante os 20 anos que passamos juntos, mas também agora, a esta distância. Eu me fiz ali”, explica.

Ainda hoje, meio ano depois da morte de Bergman, há coisas que parecem de fato carne da mesma carne e sangue do mesmo sangue. Bergman disse uma vez: “Nós Tínhamos uma relação enigmática. Ele foi tremendamente importante para mim. O exibicionismo que há agora nos filmes vai passar. Com o tempo, as pessoas voltarão a respeitar o desprendimento sutil que há entre Max e os meus loucos. Se esse desprendimento não existisse, os meus filmes teriam sido insuportáveis. Isto é cinema: um ator não tem de ser um louco, tem de agir como um louco". Agora, Max Von Sydow falou e voltamos a ouvir a voz de Bergman: “Tanto me faz ser o bom ou o vilão. Não temos de gostar das personagens que representamos: O ator não é aquela pessoa, apenas age como ela”.

Ser um homem naquele cinema de mulheres “não era assim tão diferente de ser um homem na vida real”: Estar naquele cinema é que era “diferente”: “Ele tinha uma extraordinária capacidade de conseguir que os atores e equipe fossem entusiastas do projeto. E tinha também uma disciplina de trabalho muito rígida, com a qual acho que todos aprendemos, e que é profundamente produtiva para este tipo de trabalho - e que era determinante do teatro”.

Max Von Sydow e Ingmar Bergman conheciam-se desde outro mundo mais radical e mais primitivo - Bergman o viu em A ROSA TATUADA, de Tennessee Williams, numa produção do Teatro Municipal de Helsinborg, e quis trabalhar com ele imediatamente. “Não sei porquê, mas por alguma razão eu não me via como ator de cinema. Já tinha feito dois ou três filmes (o primeiro em 1949), mas mantive-me nos teatros municipais por mais nove anos. Quando decidi ser ator, decidi ser ator de teatro". E foi, contra a ordem natural das coisas: “Cresci numa pequena cidade no Sul da Suécia onde havia um ou dois cinemas, mas nenhum teatro. Não era uma coisa que interessasse aos meus pais: eram muito antiquados. O meu pai tinha 50 anos quando eu nasci. Era um professor universitário, e tenho certeza de que tinham planejado para mim uma coisa dessas, uma carreira acadêmica. Mas quando eu tinha 14 anos, uma cidade vizinha abriu um grande e moderno teatro municipal e a escola onde estudava, levou os alunos para ver SONHOS DE UMA NOITE DE VERÃO. Para mim foi uma revelação total”.

Ainda prefere o teatro - já não tem é disciplina. “Sou demasiado preguiçoso. Não quero ficar preso a um projeto que me obrigue a estar no mesmo lugar meses a fio. Uma peça bem-sucedida pode ficar em palco para sempre. É tempo demais. Nessa fase prefiro estar dois dias num filme e depois reconquistar a liberdade”, admite.

E assim vai... Dois dias no Porto (sempre com a mulher, a francesa Catherine Brelet). Mais dois em Santiago de Compostela, mais dois em Nova Iorque onde Martin Scorsese tem planos para ele (Quais? “Ainda não posso falar sobre isso”). Amanhã, quando começar uma retrospectiva em sua homenagem no Festival Internacional de Cinema do Porto (Portugal), ele já estará do outro lado do mundo, já sabendo em que página morre no cinema de Scorsese.

>>>Leia a crítica dO SÉTIMO SELO aqui!
>>>Leia a crítica dO ESCAFANDRO E A BORBOLETA aqui!

A vida pulsante dos salões de baile

2008-02-27T08:10:00.006-03:00

Antes mesmo de CHEGA DE SAUDADE ser um projeto bem definido, uma coisa já era certa para a diretora Laís Bodanzky: O seu segundo longa-metragem se passaria num universo tão presente na narrativa que, de pano de fundo, se converteria em personagem.

Na entrevista abaixo, a cineasta conta como foi atraída pelos salões de baile e relata a complexidade enfrentada numa produção em que a dança e a música são elementos protagonistas. Laís também fala sobre o ângulo feminino predominante no filme, entre outros temas:

Spoiler: Quais são as principais características de CHEGA DE SAUDADE?
Laís Bodanzky: A meu ver este filme é feminino, e se relaciona muito com este público. Aborda questões universais, mas de um ângulo próprio das mulheres. Trata de situações alegres e dolorosas. Quem vai ao baile em busca de um par entra no jogo da vida, marcado por situações ambíguas e sentimentos conflitantes. Você ganha, você perde. E para ganhar, muitas vezes tem de ceder em algo. Neste contexto, existe a verdade da esposa, e a verdade da amante. A razão da casada, e a da solteira. A vantagem da arrojada e a da tímida. Sem certo e errado. O benefício desta aposta é que estas pessoas conquistam a chance de terem momentos felizes.

Spoiler: Que tipo de baile o filme mostra?
Bodanzky: O filme contém características de diversos salões de bailes. Há ingredientes tanto dos chamados bailes da terceira idade – que na verdade são freqüentados por pessoas dos 30 e 40 anos em diante – quanto de outras casas de forró, brega e samba-rock onde o público é mais jovem. Nosso salão é como a cidade de São Paulo, que é uma salada cultural, que tem representantes de várias regiões do país e do mundo convivendo em harmonia. Isso, pra mim, é lindo. Pode ter japonesa dançando com negro; ruivo europeu paquerando uma senhora de traços indígenas...

Spoiler: Você se identifica, em algum nível, com os freqüentadores dos bailes?
Bodanzky: Eu sou fruto desta mistura. Minha mãe nasceu na Bahia e meu pai em São Paulo. Mas ele aprendeu a falar alemão antes do português. Meus avós paternos vieram da Áustria um pouco antes da Segunda-Guerra. Além disso, sempre gostei de dançar. Fiz aula de bale clássico e jazz. Sou de uma geração que recuperou o gosto pelos bailes. Peguei uma boa fase do brega e forró. Freqüentei casas na Vila Madalena em que a gente dançava ao som ao vivo do Waldick Soriano. Nesta época sentia a mesmo frisson que descobri nos bailes tradicionais.

Spoiler: Foi aí que você notou um mundo pródigo em personagens?
Bodanzky: Pois é, este universo extremamente rico me deu a oportunidade de rodar numa locação-personagem, e fazer um filme de personagens. Eu tinha o desejo de filmar num ambiente que de tão característico é parte integrante, e talvez principal, dos acontecimentos. E que é determinante para o desenho das demais personagens.

Spoiler: Como foi trabalhar com um elenco que mistura nomes históricos e novas estrelas?
Bodanzky: Foi muito prazeroso, além de ser uma honra propiciar para parte do público a redescoberta de grandes atores. Todos atenderam ao convite com entusiasmo e se mostraram completamente disponíveis. Com a Tônia Carreiro e o Leonardo Villar fizemos várias leituras de roteiro. Com o Stepan Nercessian e a Cássia Kiss fomos a alguns bailes, para observar os dançarinos. Com o Paulo Vilhena e a Maria Flor houve mais espaço para experimentação e improviso. Foi um processo muito instigante.

Spoiler: E a convivência com os freqüentadores dos salões que participaram do filme?
Bodanzky: Foi sensacional. Trabalhamos com 150 pessoas que fizeram não apenas figuração. Nós o definimos como elenco de apoio porque eles foram essenciais para conferir ao filme a áurea e a alma dos salões de baile. Eles dançaram durante toda a filmagem, sem ler roteiro, se dedicando exclusivamente a bailar. Vestiram as próprias roupas que costumam usar nos salões. Demonstraram uma vitalidade impressionante!

Spoiler: Que impressões o universo dos salões lhe causa?
Bodanzky: O espírito dos bailes é carregado de uma mentalidade adolescente, só que sem a ansiedade da adolescência. Este é um estado de espírito muito legal. São pessoas que em geral têm problemas e sofrimentos da vida, mas não perderam a alegria, não entregaram os pontos. O ato do baile também é muito interessante porque é uma maneira de você se expressar na vida pela dança e pela música. Todos dançam muito bem. Quem freqüenta baile, adora dançar.

Spoiler: O baile é um ambiente transgressivo?
Bodanzky: Sim, mas uma transgressão madura. Eles não querem guerra, briga. Querem continuar conectados com a energia de vida. Com a libido pulsante. E uma libido sublimada pela música e pela dança. Muitas mulheres resolvem sua libido sem precisar ir para a cama com os homens. Na sensualidade da dança, na paquera, no olhar. Isso alimenta a libido, que está viva e com carga máxima, alimentada por meio de uma expressão artística.

>>>Leia a crítica no SPOILER MOVIES

Notas de uma Teerã Cult

2008-02-27T08:03:00.005-03:00

As autoridades iranianas dizem que é antiiraniano. Marjane Satrapi diz que é pró-iraniano e não é possível não gostar do Irã vendo PERSEPÓLIS. É hilariante: Tem um “cover” de “Eye of the Tiger”. É terrível: Tem execuções, guerra. A protagonista é valente e covarde, deprimida e eufórica.

Há uma semana, dia 12 de Fevereiro, cerca de 70 pessoas encheram o pequeno centro cultural Ressaneh, em Teerã. Dois dias depois, mais 70 pessoas “apertaram-se” – o verbo é da Agência France Press - para caber lá dentro. E foi assim que uns 140 iranianos assistiram à projeção de um DVD.

Esse DVD continha o que muita gente chama uma autobiografia, mas a autora, Marjane Satrapi, prefere chamar autoficção. Nascida em 1969 no Irã, é tetraneta de um príncipe Qajar (mas, como ela própria diz, francamente, os reis Qajar tinham centenas de mulheres e milhares de filhos, que multiplicados pelos filhos que tiveram devem ter dado uns 15 mil príncipes, um deles pai da bisavó da mãe de Marjane).

Esta autoficção não recua tanto no tempo. Concentra-se entre 1978 e 1994, ou seja, é Marjane dos 10 aos 24 anos, desde as vésperas da revolução islâmica até à ida para França. E foi em França que a sua biografia se transformou em autoficção. Recém-chegada a Paris, Marjane contava tantas aventuras da infância no Irã aos amigos desenhistas de HQ que eles lhe disseram para fazer uma própria HQ, para ver se ela ficava um pouco quieta (claro que esta é a versão dela). Marjane fez mesmo e PERSEPÓLIS, em quatro volumes, tornou-se um sucesso mundial (recentemente a revista “Les Inrockuptibles” colocou-o em 5º lugar no seu suplemento de 100 melhores Hqs de todos os tempos).

Depois lhe propuseram que transformasse os livros num filme de animação, e, com Vincent Paronnaud a co-dirigir, Marjane mergulhou de cabeça. Chiara Mastroianni e Catherine Deneuve, que no filme fazem as vozes de Marjane e da sua mãe, vêem-na como Marjane, a Brava. Deneuve já tinha lido os livros, admirava Satrapi, e aceitou logo, quando a iraniana lhe telefonou para fazer a mãe da personagem. Ao saber disto, Chiara, que também lera os livros e ficara fã da auto-ironia de Satrapi, telefonou-lhe a pedir para fazer um teste de voz.

Além dos seus outros talentos, Chiara ficará assim imortalizada pela mais humana “cover” do “Eye of the Tiger” - “tam! tam-tam-tam!… Risin´up, back on the street…” -, um esplendor de desafinação que não existe no livro. A propósito, quem leu os livros, talvez note que Deneuve está um pouco austera demais, mas Chiara - Marjane adolescente e adulta - é maravilhosa.

As vozes foram gravadas antes dos desenhos serem feitos, para adequar os desenhos às vozes, o que obrigou a um trabalho intenso entre Satrapi e os atores. Deneuve diz que Satrapi sabia o que queria, e ainda assim lhe deixou toda a liberdade. Chiara diz que Satrapi não tem medo de nada, é a liberdade sem convenções. A outra mulher do filme é Danièlle Darrieux, em quem Satrapi pensou logo para avó, e pensou bem.

A formidável avó - que também é protagonista de outra HQ de Satrapi, “Broideries” - é uma das grandes personagens de PERSEPÓLIS e só por ela vale toda uma imagem do Irã além do clichê, desde as flores de jasmim no sutiã para cheirar gostoso, a desdramatização do divórcio porque o primeiro casamento é um ensaio para o segundo, e de resto os homens que a fizerem sofrer, explica ela à neta, são uns parvalhões.

Em Teerã, o filme passou em DVD e não em película porque é improvável que seja autorizado a estrear nas salas. Quem lá estava, acredita que aquela foi à única oportunidade “legal” de ver PERSEPÓLIS. Antiirariano demais, citou algumas autoridades.

Um dos espectadores de Teerã, citados pela AFP, um estudante, corrigiu: “Antiiraniano, não, antigovernamental”, e vários outros elogiaram o filme. Mas não se pode dizer que tenham visto tudo o que os demais espectadores verão, dado que a versão exibida foi “censurada” em algumas cenas de conteúdo sexual “. Um Teerã-cut, portanto.

As notícias não referem cortes de outro tipo, sendo que os conteúdos políticos - os milhares de presos e executados pela revolução islâmica, o milhão de mortos na guerra Irã-Iraque, o constante vigiar e punir dos costumes e da liberdade de expressão - são mais significativos em PERSEPÓLIS do que o “conteúdo sexual” - uns beijos, conversas de mulheres sobre dormir com homens e palavras como “pinto” e “seios”, aliás ditas pela avó (que dá uma receita para manter o peito rijo mergulhando-o em água com gelo, dez minutos, todos os dias).

O centro cultural onde o filme passou faz parte de uma rede criada por um antigo presidente da câmara considerado um moderado, que nos anos 90 ajudou a divulgar cultura alternativa e hoje está menos dinâmico. Os responsáveis do centro explicaram que quiseram projetar PERSEPÓLIS porque “quando um filme não é mostrado, as pessoas imaginam todo o tipo de coisas”. Esteve lá um crítico de cinema considerado conservador, Hussein Moazzezinia, que por um lado elogiou as qualidades técnicas e o roteiro, mas por outro, criticou a “visão parcial” de Satrapi, considerando que ela “foi seletiva ao omitir certos fatos, tornando seu filme pouco fiável e desonesto”. E concretizou: “Não podemos ignorar que milhões de pessoas aprovaram o ”imam” [Khomeini]. Não é verdadeiro dizer que a revolução foi feita refém por uma minoria”.

Em Cannes, foi ovacionado em pé e conta-se que Stephen Frears, presidente do júri, ficou em lágrimas. De certo, também riu. Aí, entre o humor e a angústia, livro e filme estão quites. Marjane Satrapi vive na França desde 1994, e a última vez que esteve no Irã foi em 2000. Em 2004, numa entrevista, tentou expressar em palavras as saudades que tinha do país natal: “Tudo, tudo. A começar pelas montanhas que rodeiam Teerã. Mas do que sinto mais falta é do sentido de humor iraniano. As piadas que mais me fazem rir são as iranianas. O apocalipse pode acontecer no Irã que no dia a seguir há piadas acerca desse apocalipse. E as pessoas… têm uma generosidade que nunca, nunca vi em parte alguma do mundo”.

Os Spoilers 2008

2008-02-22T20:10:00.002-03:00

Melhor Filme
ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ | Paramount Classics

Melhor Diretor
Ethan & Joel Coen | ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ

Melhor Ator
Daniel Day-Lewis | SANGUE NEGRO

Melhor Atriz
Julie Christie | LONGE DELA

Melhor Ator Coadjuvante
Javier Bardem | ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ

Melhor Atriz Coadjuvante
Amy Ryan | MEDO DA VERDADE

Melhor Roteiro Original
JUNO

Melhor Roteiro Adaptado
SANGUE NEGRO

Melhor Direção de Arte
SANGUE NEGRO

Melhor Fotografia
SANGUE NEGRO

Melhor Figurino
DESEJO E REPARAÇÃO

Melhor Edição
ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ

Melhor Maquiagem
PIAF

Melhor Trilha Musical
DESEJO E REPARAÇÃO

Melhor Mixagem de Som
TRANSFORMERS

Melhor Edição de Som
TRANSFORMERS

Melhor Efeitos Visuais
TRANSFORMERS

Melhor Canção
"Falling Slowly" | ONCE

Melhor Filme de Animação
RATATOUILLE

Melhor Filme Estrangeiro
O ESCAFANDRO E A BORBOLETA | França

Melhor Documentário em Longa-Metragem
NO END IN SIGHT

Melhor Documentário em Curta-Metragem
FREEHELD

Melhor Animação em Curta-Metragem
MY LOVE | Aleksandr Petrov

Melhor Curta-Metragem
SALIVA | Emir Filho

Melhor Elenco
ANTES QUE O DIABO SAIBA QUE VOCÊ ESTÁ MORTO

Jovens astros que se tornaram ícones pela morte: James Dean, Kurt Cobain... e Heath Ledger?

2008-02-20T06:50:00.004-03:00

Viva intensamente, morra jovem, torne-se imortal.

Bem, talvez não.

Nesta era acelerada e de Internet global, a trajetória tradicional para alcançar o status de figura cult após a morte está mudando.

Enquanto os fãs em luto declaram o ator jovem Heath Ledger "o James Dean de sua geração", há questionamentos. Estaremos falando de Ledger no futuro como ainda falamos sobre Dean -que morreu há mais de 50 anos?

A morte de Ledger foi diferente da de Dean, apesar de não menos comovedora. O australiano de 28 anos foi encontrado no dia 22 de janeiro em seu apartamento em Nova York por sua faxineira e sua massagista. A causa não foi determinada.

Não há mistério sobre como Dean morreu. De fato, foi seu final fora de hora em 1955 que marcou o ponto de nascimento da cultura de celebridade americana, diz Chris Epting, autor de "James Dean Died Here" e de outros livros sobre os locais e artefatos da cultura popular americana.

Com apenas 24 anos e três papéis no cinema, Dean morreu em uma estrada solitária da Califórnia após uma colisão de frente em seu Porsche. Seis meses depois, seu terceiro filme, "Rebelde sem causa" foi lançado, causando sensação, especialmente entre os jovens. Dean ascendeu ao status de cult que perdura até hoje.

"Heath Ledger é uma das primeiras pessoas ao estilo Dean a morrer na era da Internet, então sua morte será um teste para ver quanto tempo a Net abanará esta chama", diz Epting. "Será interessante ver: será imortalizado ou a próxima grande coisa o suplantará totalmente em algumas semanas?"

Karal Ann Marling, por exemplo, acha que sim. Professora de estudos americanos e cultura popular da Universidade de Minnesota, Marling acredita que é natural todo mundo se sentir triste com a morte de um jovem, famoso ou não. Mas o grande interesse na morte de Ledger em breve esmaecerá, prevê.

"Eles não vão erguer um busto dele no Grifftih Park" em Los Angeles, diz Marling. "Isso é mais sobre celebridade e diversão -o país é tão louco por celebridades que quase qualquer coisa que uma celebridade faça vale uma notícia, e a maior parte 'disso' é uma forma de evitar a política."

Ser jovem, ter boa aparência e estar morto, apesar de trágico, não é sempre suficiente para garantir que a pessoa perdurará na consciência pública. Veja Brad Renfro, jovem ator encontrado morto com 25 anos em seu apartamento de Los Angeles uma semana antes de Ledger. Renfro (que começou quando criança), tinha mais filmes que Ledger, mas sua carreira estava empacada -e sua morte passou praticamente despercebida.

É um debate de bar argumentar quem pertence ao panteão da cultura popular permanente e quem não. A lista de "figuras do entretenimento" que inegavelmente pertencem ao panteão é relativamente curta: além de James Dean e Marilyn Monroe, inclui Elvis Presley, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Marley, Jim Morrison, John Belushi, John Lennon, Kurt Cobain.

"Há algo de místico, alguma magia sobre eles, porque nem todo mundo sabia tudo sobre eles quando eram vivos", diz Lynn Bartholome, do Colégio Comunitário Monroe em Rochester, Nova York, presidente da Associação de Cultura Popular -acadêmicos que estudam a cultura americana.

A lista daqueles sobre quem há dúvidas é maior: Freddie Prinze, Tupac Shakur, Buddy Holly, River Phoenix, Ritchie Valens, John Candy, Phil Hartman, Brandon Lee, Cass Elliot, Keith Moon, Brian Jones, Hank Williams, Selena.

Na Internet, as listas compiladas por várias pessoas que ligam para essas coisas são intermináveis. Uma equipe de pesquisadores no Reino Unido até fez um estudo sobre a fama e a morte prematura. Os pesquisadores da Universidade John Moores, em Liverpool, avaliaram 1.064 astros do rock e pop norte-americanos e britânicos -100 dos quais tinham morrido cedo- e concluíram que há mais do que o dobro de probabilidade da pessoa morrer cedo com a chegada da fama, segundo publicaram em uma revista de epidemiologia no ano passado.

Então quem fica entre os imortais, e por quê?

Ajuda ser um pouco excêntrico. Ajuda ter uma alma torturada, demônios pessoais, problemas com pílulas ou álcool ou comportamento ilegal. Principalmente, ajuda ter seguidores apaixonados "antes" da morte -como Dean e Monroe, diz Patrícia King Hanson, historiadora do Instituto de Cinema Americano. Ambos tinham forte conexão com o público, especialmente com os jovens, que respondiam às notas de vulnerabilidade e tragédia que mostravam em tela e em suas vidas pessoais.

"Nenhuma pessoa é lançada à grandeza só pela morte", diz Hanson. "É um certo tipo de pessoa que parece atrair seguidores e apenas por virtude de sua morte parece expandir. As pessoas ficam com uma imagem maquiada deles -sempre jovens e sempre vibrantes.

"O sujeito feliz sem problemas que morre cedo não vira cult."

A Internet apressa e espalha a reação a alguma coisa como a morte de Ledger, mas pode sumir igualmente de maneira rápida. "É um mini-cult e é muito temporário", diz ela. "Talvez em três meses não haverá tanto".

Epting acha que é cedo para dizer, mas se pergunta se a morte de Ledger terá o poder de perdurar. "Meu filho tem 14 anos e freqüenta uma escola pública no Sul da Califórnia. Ele me conta sobre os jovens afetados com isso. Eles captaram aquele sentimento solitário, que Ledger era torturado em sua vida pessoal, que era marginalizado, que fazia seus papéis com seriedade."

Há algumas similaridades entre Dean e Ledger.

Como Dean, Ledger era jovem e sensual, com meia dúzia de papéis no cinema, uma nomeação ao Oscar por um papel transcendental (BROKEBACK MOUNTAIN) e uma atuação potencialmente memorável como um Coringa especialmente maldoso no novo filme de Batman que ainda será lançado. (Dean recebeu duas nomeações, por seu primeiro papel em VIDAS AMARGAS [1955] e por ASSIM CAMINHA A HUMANIDADE [1956]; ele foi o primeiro a receber nomeações póstumas.)

Diferentemente de Dean, Ledger era pai há pouco tempo; sua filha tem dois anos. Ledger também morreu em uma era da mídia de cerco às celebridades. Minutos depois, a cobertura tornou-se global; o choque, palpável. Sua família na Austrália soube que estava morto junto com todo mundo; hoje em dia, não há tempo para a amenidade de notificar os parentes antes de a notícia chegar ao mundo.

Diante de seu apartamento no SoHo, multidões se reuniram, tributos fluíram pelos blogs e websites e buquês de flores e outras lembranças empilharam-se na porta do prédio após retirarem seu corpo.

"Sempre teremos orgulho de você, Heath. Descanse em paz, amigo", dizia uma mensagem em uma impressão da bandeira australiana.

Até hoje, as pessoas ocasionalmente deixam tributos diante da boate Viper Room, no Sunset Boulevard em West Hollywood, onde o jovem ator River Phoenix morreu de overdose aos 23, em 1993.

"Esses lugares vão se tornando templos, e acho que (a porta do prédio de Ledger) será um altar por um tempo", diz ele.

Será que O CAVALEIRO DAS TREVAS, último filme de Ledger, vai acabar sendo seu "Rebelde Sem Causa", levando-o à fama duradoura? Talvez, mas em uma era em que mais jovens freqüentadores de cinema vêem filmes em iPods e iPhones, será que poderão se conectar com aquelas imagens minúsculas da mesma forma que seus avós se ligaram a Dean em telas prateadas gigantes, questiona Epting.

É útil lembrar que a imortalidade não é assegurada mesmo quando há confrontos no funeral. Lembra-se de Rudolph Valentino? Antes de Dean, a morte mais memorável de Hollywood tinha sido a do astro do cinema mudo italiano, conhecido como "amante latino", que morreu em Nova York em 1926 aos 31, depois de uma operação de úlcera que deu errado.

A reação foi cataclísmica: uma multidão de 100.000 pessoas apareceu para o funeral carnavalesco em Nova York, tentando ver o corpo na capela Frank E. Campbell (mesmo lugar para o qual o corpo de Ledger foi levado antes da família levá-lo de volta para a Austrália). Quando o corpo de Valentino foi levado de trem para o enterro em Hollywood, milhares viram-no passar, e milhares estavam lá no Hollywood Memorial Park quando quilos de flores caíram de um avião.

Foi um show e tanto, amplamente coberto pela mídia na época. Ainda assim, quantas pessoas ainda falam de Valentino hoje?

Como diz Bartholome sobre o lugar de Ledger na mente pública: "Muito poucos chegariam ao panteão hoje, e isso é por causa da mídia e por causa da Internet -simplesmente sabemos demais sobre pessoas demais."

Por Maria Puente - USA Today

Foi Berlim

2008-02-20T06:49:00.000-03:00

Entre o fascista e o liberal, Berlim consagra todos...

2008-02-17T08:30:00.003-03:00

Berlim: TROPA DE ELITE, o controverso filme de José Padilha, venceu o Urso de Ouro, prêmio máximo do 58.º Berlinale. Se TROPA DE ELITE foi considerado "fascista" por alguns, o Urso de Prata, STANDARD OPERATING PROCEDURE, de Errol Morris (Primeiro documentário em concurso de Berlim nos 58 anos de existência da competição), foi denunciado por outros como “liberal” demais.

Também premiados, SANGUE NEGRO, de Paul Thomas Anderson (Único filme com dois ursos - melhor Diretor e Melhor Trilha Musical - Jonny Greenwood); a atriz inglesa Sally Hawkins (Melhor Atriz em HAPPY-GO-LUCK); o ator iraniano Reza Najie (Melhor Ator em THE SONG OF SPARROWS); e os diretores Wang Xiaoshuai (Melhor Roteiro por IN LOVE WE TRUST) e Fernando Eimbcke (Menção Honrosa por LAKE TAHOE).

OS prêmios concedidos pelo júri composto por Costa-Gavras, pelas atrizes Diane Kruger e Shu Qi, pelo editor Walter Murch, pelo cenógrafo Uli Hanisch e pelo produtor Aleksander Rodnianski manteve a habitual tendência de Berlim em evitar prêmios "óbvios" especulados pela critica e escolher um Urso de Ouro “fora do baralho”, ao mesmo tempo em que fragmentou os prêmios, premiando a maior parte do bom cinema exibido na capital alemã.

TROPA DE ELITE, primeiro longa de ficção do documentarista José Padilha, conta em moldes de filme de “ação americana” o cotidiano do grupo de operações especiais antidroga da polícia do Rio de Janeiro, e foi mal recebido pela crítica presente em Berlim (a "bíblia" da indústria que é a Variety chamou-lhe "um filme de recrutamento fascista").

O mesmo destino, embora por razões opostas, de STANDARD OPERATING PROCEDURE: A maior parte da imprensa apontou o dedo ao respeitadíssimo documentarista Errol Morris por o seu filme sobre soldados responsáveis pelos abusos de Abu Ghraib não trazer nada de novo ao debate sobre o Iraque, e até por intercalar reconstituições estilizadas dos fatos. Nenhum deles era considerado uma aposta para prêmios.

No entanto, se os prêmios principais desiludiram a crítica, ninguém protestou contra a "dobradinha" de SANGUE NEGRO, com Paul Thomas Anderson sagrado melhor diretor e Jonny Greenwood, do Radiohead, a sublinhar os lados barrocos, operativos, quase visionários do projeto.

Também razoavelmente unânime foi a atribuição do prêmio de melhor atriz à britânica Sally Hawkins pela sua interpretação de uma educadora de infância só aparentemente "cabeça-no-ar" em HAPPY-GO-LUCK. Hawkins era, a par de Tilda Swinton, a favorita da imprensa presente, ao contrário do iraniano Reza Najie, cuja vitória em Melhor Ator por THE SONG OF SPARROWS apanhou de surpresa aqueles que esperavam a coroação de Daniel Day-Lewis.

Dos grandes filmes vistos em Berlim este ano, os dois melhores partem infelizmente de mãos vazias, BALLAST, de Lance Hammer e SPARROW, de Johnnie To, mas os restantes acabaram contemplados de alguma forma, mesmo como consolação.

A cerimônia decorreu no Theater Potsdamer Platz a portas fechadas, perante 1600 convidados, com transmissão em simultâneo no canal de televisão ZDF/3sat e no site na Internet do festival.

Após a entrega dos prêmios, Berlim 2008 encerrou oficialmente com a projeção da comédia de Michel Gondry, BE KIND REWIND, com Jack Black, Mos Def e Danny Glover, sobre uma locadora de vídeos VHS que substitui os originais por versões caseiras.

Tão perto, tão longe

2008-02-16T07:49:00.004-02:00

Berlim (Dia 9): É preciso esperar pelo último filme exibido em competição oficial - e é mesmo, cronologicamente, o último - para encontrar um cineasta novo. Novo, no sentido de assinar o seu primeiro filme e de, ao fazê-lo, propor uma linguagem própria e uma identidade perfeitamente definida.

Mais: Lance Hammer é um cineasta americano formado no sistema de produção dos grandes estúdios (como diretor artístico) e "apadrinhado" por gente que fez carreira na indústria (o produtor Mark Johnson, durante muitos anos sócio de Barry Levinson, o realizador de RAIN MAN, e o diretor Andrew Adamson, autor do primeiro SHREK e de AS CRÔNICAS DE NÁRNIA). Mas o que faz um filme que recebeu o prêmio de "excelência em direção" em Sundance 2008 e que a crítica tem identificado com o realismo social dos irmãos Dardenne ou com a austeridade de Carlos Reygadas?

BALLAST é tecnicamente um filme independente americano e criativamente um filme europeu. Pega numa história que, contada no modo narrativo tradicional, daria para uma curta: depois da morte do pai, uma criança de 12 anos é apanhada no meio de uma guerra entre o tio (irmão gêmeo do pai) e a mãe (que já estava dele separada) pela casa e a loja da família.

Mas o que interessa a Lance Hammer não é a narrativa. Ou antes: o que lhe interessa é o que fica por dizer entre os (esparsos) diálogos. O modo como Lawrence (o irmão), Marlee (a esposa) e James (o filho) vivem longe, como a paisagem desolada, chuvosa, cinzenta, o isolamento rural, o “nada” são tantas prisões que os impedem de voar para outro longe.

Sobretudo: como os adultos podem dar cabo da vida dos filhos, como as pessoas tentam reconstruir as suas vidas depois de uma tragédia. E como é possível encontrar a esperança dentro de nós quando parece não haver nenhuma à vista; e como às vezes basta um pequeno passo aqui tão perto para fazer uma grande diferença.

Construído a partir de improvisações coletivas por um elenco de atores não profissionais da zona do Mississipi, onde foi rodado, substituindo qualquer tipo de música por um trabalho notável de mixagem de som (ecos de Gus van Sant), BALLAST é um objeto de singular liberdade criativa que revela uma vontade e uma postura estética absolutamente rara no atual cinema independente americano. É um filme que não faz concessões de espécie nenhuma: quem quiser que o siga.

(Não houve muita gente disposta a isso, na primeira projeção de imprensa, a julgar pela percentagem de abandonos; mas isso é mais uma conseqüência da sua programação tardia no festival e do tom autoral demasiado raro na seleção oficial deste ano).

BALLAST não é um filme perfeito, mas o que lhe falta em perfeição, se compensa em emoção, alma e crença no poder da imagem em movimento. É uma das melhores estréias em muito tempo e o sexto grande filme de Berlim 2008 - E o mais forte candidato outsider ao Urso de Ouro.

Caçada aos Ursos Dourados

2008-02-15T07:56:00.007-02:00

Berlim: Já é hábito chegarmos no fim da Berlinale e todos reclamarem que o festival deste ano foi fraco. Agora, na reta final - hoje será exibido os últimos filmes em concurso, e amanhã o júri de Costa-Gavras anuncia os premiados -, os primeiros balanços começam a aparecer na imprensa. E, como de costume, todos se queixam que Berlim caducou, que o Mercado Europeu se tornou maior que o próprio festival, que este ano há menos gente no Potsdamer Platz...

SANGUE NEGRO, de Paul Thomas Anderson, exibido no primeiro dia de competição, continua intocável como preferido da crítica local e internacional para abocanhar o Urso de Ouro. Seria uma "dobradinha" para o diretor americano, que já venceu Berlim com MAGNÓLIA. A exceção de HAPY-GO-LUCK, de Mike Leigh, ninguém vê outro filme em concurso com potencial para o prêmio máximo.

No entanto, esta foi uma das mais fortes seleções competitivas de Berlim nos últimos anos - embora a crítica levante muitas reservas ao excelente documentário de Errol Morris, STANDARD OPERATING PROCEDURE; considere LAKE TAHOE, de Fernando Eimbcke, como carta fora do baralho e o sublime SPARROW, de Johnnie To, o mais extraordinário filme exibido em Berlim, como um exercício de estilo inconseqüente.

Kirk Honeycutt, do Hollywood Repórter, apontou uma questão interessante: a equipe do curador Dieter Kosslick prefere jogar no seguro, convidando mais veteranos do que estreantes dispostos a inovar, o que torna Berlim um festival menos estimulante (Basta pensar que nunca um documentário tinha sido apresentado em concurso antes de STANDARD OPERATING PROCEDURE).

Quem olha para os últimos Ursos de Ouro, todavia, lê uma história diferente - em 2005 o filme sul-africano CARMEN E-KHAYELISTHA, de Mark Dornford-May; em 2006, EM SEGREDO, estréia do bósnio Jasmila Zbanic na direção; em 2007 O CASAMENTO DE TUYA, do chinês Wang Quan´an.

Quase todos foram surpresa na competição que, tal como agora, foram consideradas fraquinhas ou pouco inspiradas. SANGUE NEGRO é a escolha óbvia para o Urso de Ouro 2008 - e Berlim nunca gostou muito de confirmar o óbvio.

O que é verdade em 2008, no entanto, é que o ambiente na Potsdamer Platz é menos frenético; e que, este ano, o contingente crítico é claramente menos internacional e muito mais alemão.

Há menos produções americanas disputando uma carreiras européia (só mesmo SANGUE NEGRO, ao contrário de anos anteriores, em que V DE VINGANÇA, 300, NOTAS SOBRE UM ESCÂNDALO ou CARTAS DE IWO JIMA tiveram um lançamento europeu), o que contribui para a sensação de menos peso da seleção oficial. E as seções paralelas Fórum e Panorama, habitualmente "reservas estratégicas" que permitem preencher as lacunas da programação oficial, também não estão entusiasmantes. O que ajuda a explicar, por exemplo, por que é que a bilheteira de imprensa que precede muitas das sessões da programação paralela não têm as habituais filas intermináveis.

São, evidentemente, questões puramente circunstanciais - um festival está sempre dependente dos filmes que estão prontos a tempo da sua seleção, e nunca sabemos o que um filme vale realmente antes de o vermos. Mas cinco grandes filmes em Berlim - Anderson, Eimbcke, Leigh, Morris, To - não é nada fraco numa competição de 20 filmes.

E ainda falta ver BALLAST, de Lance Hammer, com a reputação de ser o melhor indie americano em muitos anos. Se chegarmos aos seis grandes filmes em Berlim, isso realmente não é nada mau...

Você confere a crítica de todos os filmes em competição no SPOILER MOVIES sob o label: BERLIM´08

Lugares Comuns

2008-02-15T07:11:00.003-02:00

Berlim (Dia 8): Afinal, havia outro filme alemão em competição em Berlim - mas a prova de que as nacionalidades já não são mais o que eram está em que HEART OF FIRE só é alemão no financiamento (partilhado com a Áustria e o Quênia). O documentarista italiano Luigi Falorni, um dos co-autores de CAMELOS NÃO CHORAM, ficciona aqui, a autobiografia de Senait Mehari, uma menina da Eritréia que foi retirada pelo pai do internato católico onde estudava e entregue a um grupo de guerrilheiros para ser doutrinada na luta pela independência da Etiópia. Mas, infelizmente, Falorni não consegue transcender o lugar-comum do melodrama bem-intencionado de infância desvalida.

O lugar-comum é problema também de RESTLESS, do israelita Amos Kollek - que, curiosamente, é também o filme mais multicultural em concurso. Uma co-produção entre Israel, Alemanha, Bélgica, Canadá e França. Tudo para contar a reconciliação de um pai que abandonou Israel e filho, depois da morte da mãe. Ironia: O pai, que vive em Nova York, é o "espírito livre" artístico, o filho é comandante do exército. O ajuste de contas é justamente o que mais interessa em RESTLESS, que de resto se contenta em perpetuar todas as regras gastas de um certo cinema independente com uma sisudez de mau gosto e muitas vezes canhestra.

Mal por mal, antes KABEI, do veterano japonês Yoji Yamada (A SOMBRA DO SAMURAI), que também pouco ou nada traz de novo, mas pelo menos tem o bom senso de não querer ser mais do que é: Um melodrama familiar clássico sobre uma mãe de Tóquio que, em plena II Guerra Mundial, enfrenta com as duas filhas a ausência do pai, professor universitário preso por delito de pensamento. Tudo bem feito, bem interpretado, muito certinho - mas "certinho" é coisa de filme para ver numa sessão da tarde, não de filme em concurso num festival de cinema tão renomado como Berlim.

No dia de Madonna

2008-02-14T15:48:00.001-02:00

Berlim (Dia 7): CAOS CALMO não seria o novo filme de Nanni Moretti. Foi dirigido por Antonello Grimaldi e adapta um romance de Sandro Varonesi, mas poderia ser. No entanto, os holofotes de Berlim não foram do ator e diretor italiano... Nem do japonês Yoji Yamada, que teve o azar de ver sua sessão de imprensa de KABEI (adaptação de uma antiga história de Kurosawa) coincidir com outra, muito mais disputada, que lotou a ponto de muita gente sentar no chão do Cinestar 3.

Trata-se de mais um momento punk-rock em Berlim, e tudo por causa de uma pergunta: Madonna é capaz de fazer um filme? Sim, ela é. Embora não signifique que seja bom... FILTH AND WISDOM, precede a arrogância de uma diva que acha que sabe fazer de tudo e a quem ninguém ousou dizer que seria uma péssima idéia. (Provavelmente, seu marido, o diretor Guy Ritchie, até a encorajou!).

Mas surpreendentemente, FILTH AND WISDOM não é uma catástrofe: É uma fita anônima e inconseqüente, com direito a tudo de produção barata, como filmagem digital, atores desconhecidos e roteiro “zen” básico sobre a necessidade de equilíbrio nas nossas vidas entre luz e escuridão, céu e inferno. Ou seja, o fetichismo S&M pode ser o caminho da sabedoria!

Para desespero de muitos, há filmes piores. O que salva FILTH AND WISDOM da irrelevância é a presença carismática do novo afilhado e cúmplice da cantora: Eugene Hutz, líder da banda Gogol Bordello, interpretando um personagem que por acaso é cantor e líder de uma banda chamada Gogol Bordello.

O filme gira à sua volta e sua performance de mafioso-gigolô recém fugido da Ucrânia carrega o filme nos ombros, mas não é suficiente para levar FILTH AND WISDOM além de uma mera curiosidade que nessa gelada Quarta-Feira tirou os holofotes de CAOS CALMO, o tal filme que não é de Nanni Moretti, mas poderia ser...

A fita de Antonello Grimaldi é uma espécie de "variação" sobre a matriz do luto e da dor dO QUARTO DO FILHO. Poderia se chamar O BANCO DO PAI, porque é num banco de jardim que Moretti passa o filme, como um executivo de televisão, cuja mulher morreu inesperadamente. Ele internaliza o vazio passando os dias sentado no tal banco de jardim. É uma espécie de "Moretti light", igualmente inteligente no modo como trabalha com sutileza a convenção do melodrama, mas um pouco convencional, mais enfabulado e menos inspirado - talvez seja injusto fazer a comparação, mas a presença do ator/diretor no papel principal (bem como sua colaboração no roteiro) a torna inevitável. E a verdade é que o filme de Antonello Grimaldi não desmerece os pergaminhos de seu ator, atento e generoso, impecável na placidez do seu homem que reage à maior dor da sua vida recolhendo-se para dentro de sua concha. É um filme que merece um olhar mais atento (e vai tê-lo) - mas teve o azar de ser mostrado no dia de Madonna.

Alegria! Alegria!

2008-02-13T07:40:00.004-02:00

Berlim (Dia 6): Tilda Swinton, chega para lá. Paul Thomas Anderson, da licença por favor... Chegou Mike Leigh e seu novo filme, HAPPY-GO-LUCKY, desde já um dos grandes favoritos ao Urso de Ouro. E dessa vez, o diretor resolve olhar o cotidiano com óculos cor-de-rosa...

Mike Leigh tem toda razão quando diz que nunca deixou de colocar um pouco de humor mesmo em seus dramas mais pesados, filmes como NU (NAKED), SEGREDOS E MENTIRAS e VERA DRAKE. Mas nunca fez uma comédia como HAPPY-GO-LUCKY. O filme, exibido ontem ao meio-dia, foi o mais aplaudido até agora nas sessões de imprensa. Leigh mirou no alvo e acertou.

Fala sobre Poppy, uma professora solteira em Londres que nunca se contagia pelo mau-humor dos outros. E Poppy é Sally Hawkins que brilha muito, muito, muito alto com uma interpretação extraordinária que escora todo o filme sem esforço. (Hello! Oscar!)

Seu filme é um suspiro numa seleção duvidosa e fraca, mas que começa a dar sinais de recuperação: Da China veio SPARROW. Um cinema raro com heróis e vilões e mulheres fatais. É Fred Astaire deixado à solta numa Hong Kong tão artificial como se tivesse sido reconstituída em Hollywood, filmada como Steven Soderbergh a homenagear Vincente Minnelli: Elegância, leveza, graça, agilidade, descontração. É uma sensação de permanente deslumbramento - como se Johnnie To estivesse a inventar o cinema à nossa frente. Não está, mas não faz mal: o que interessa é a imagem.

SANGUE NEGRO, LAKE TAHOE, SPARROW e SOP confirmam que Berlim não está tão fraca como se esperava. E dessa lista sai o Urso de Ouro. E Sim, TROPA DE ELITE está fora da disputa. Fascista demais.

A Maldição da Tropa

2008-02-12T07:52:00.000-02:00

Berlim (Dia 5): Depois de virar um fenômeno no mercado pirata de DVDs, onde pesquisas indicam que foi visto por 11,5 milhões de pessoas, TROPA DE ELITE ficou tão falado que só o New York Times lhe dedicou duas reportagens. E tudo antes que o filme estreasse nos cinemas. Ontem, o filme aterrissou na Berlinale, mas naturalmente paira uma maldição sobre o filme...

O sumiço da película com legendas em inglês atrasou a sessão de imprensa e instalou um verdadeiro pandemônio no Berlinale Palast. A solução foi a exibição do filme (com muito atraso) com legendas em alemão. Para tradução em inglês, foram usados fones de ouvido. Como poucos falam alemão ou português, formou-se uma fila grande para ouvir as falas do Capitão Nascimento traduzidos por uma mulher... Foi assim que a imprensa internacional viu TROPA DE ELITE e você há de convir que isso altera sensivelmente a possibilidade de adesão a um filme.

No final da sessão, houve um silêncio solene. Para outros filmes na disputa, houveram pelo menos, aplausos, ainda que moderados. É positivo ou negativo para as chances de TROPA DE ELITE no Urso de Ouro? O silêncio, afinal, pode ter sido a expressão da perplexidade que o filme produziu. As sessões para a imprensa determinam a repercussão do filme. É a partir delas que são escritas as reportagens e as críticas. As sessões oficiais competitivas têm público composto por convidados.

Mas a coletiva lotou. Havia muita gente interessada em discutir o filme. O diretor Padilha, o produtor Marcos Prado, os atores Wagner Moura e Maria Ribeiro e o diretor de fotografia Lula Carvalho sentaram-se à mesa. Padilha foi quem mais falou, e tanto ele como Wagner se expressaram em inglês fluente. Padilha é racional até o limite. Em função de toda a polêmica ocorrida com seu filme no Brasil, ele desenvolveu um discurso muito articulado. Ele sabe perfeitamente por que - e como - fez seu filme. Deixa-o claro em todas as suas intervenções.

Não houve comparações com CIDADE DE DEUS. Em compensação, a grande questão, claro, era por que fazer um filme desses do ângulo da polícia? “Meu primeiro longa foi o documentário ÔNIBUS 174, que focalizava os mesmos problemas do ângulo dos excluídos. Um ex-menino de rua seqüestrava um ônibus, o caso foi acompanhado ao vivo pela TV e terminou de forma sangrenta, com as mortes do seqüestrador e uma refém. Ao escolher contar a história do ângulo do seqüestrador, fui chamado de esquerdista, comunista. Ao contar a história de TROPA DE ELITE do ângulo do policial, passei a ser chamado de fascista. São simplificações que não fazem mais sentido. Constroem um muro que, aqui nesta cidade, já foi destruído. As coisas hoje em dia são muito mais complexas”.

TROPA DE ELITE compete oficialmente pelo Urso de Ouro. A estratégia é abrir caminho pelos festivais Internacionais até chegar ao Oscar 2009, onde têm chances de competir nas categorias de Melhor Edição, Fotografia, Roteiro Adaptado e Diretor (José Padilha).

Por Luiz Zanin Oricchio (Estado), Silvana Arantes (Folha) e Agências Internacionais

Crianças Perdidas: Diretores Perdidos

2008-02-11T09:40:00.000-02:00

Berlim (Dia 3-4): Hoje é o grande dia do Brasil na Berlinale. É hoje que o Capitão Nascimento invade, de arma na mão, o Palast - o palácio do Festival de Berlim - para a sessão de imprensa de TROPA DE ELITE, com presença do diretor José Padilha e do ator Wagner Moura. Há grande expectativa em relação a "ELITE SQUAD". Jornalistas de diversos países perguntam que "raio" de filme é este que virou assunto na imprensa estrangeira antes mesmo de estrear nos cinemas do País?

Como reagirão os europeus ao Bope e à truculência do Capitão Nascimento? O mistério vai se dissipar em breve, mas uma coisa é certa, TROPA DE ELITE é diferente de todos os filmes exibidos até agora. Uma seleção fraquíssima e disforme sobre famílias disfuncionais e relações terminais. Vários filmes tratam desses temas, aos quais acrescentam uma perturbadora atração pelo abuso infantil.

Crianças foram seqüestradas e prostituídas em GARDENS OF THE NIGHT, de Damian Harris; o menino de JÚLIA, de Erick Zoncka, bolina a mulher bêbada e adormecida; e em FIREFLEES IN THE GARDEN, de Dennis Lee, a tia é totalmente consciente do desejo que desperta no sobrinho. Nenhum dos filmes citados é bom, mas o de Zoncka consegue ser o pior de todos. Como o talentoso diretor de A VIDA SONHADA DOS ANJOS, depois de 10 anos, retorna do ostracismo com uma bomba dessas? Ele admite que se inspirou em GLÓRIA, de John Cassavetes, mas perdeu o foco ao contar a história desta mulher autodestrutiva - interpretada por Tilda Swinton - que seqüestra um garoto para reaproximá-lo da mãe.

O mexicano LAKE TAHOE, de Fernando Eimbcke, parece que não tem história - um jovem sofre um acidente de carro e anda atrás de uma oficina mecânica, envolvendo-se com várias figuras -, mas é um filme de autor, e radicalmente novo, em que todos estes episódios, aparentemente desconexos, se articulam para elaborar a dor da perda. O carro é o de menos. O garoto perdeu o pai e isto fragilizou a vida familiar.

Berlim confere ainda hoje, mais dois filme em competição (entre 21 longas): O alemão KIRSCHBLÜTEN - HANAMI ("O Desabrochar das Cerejas" em tradução livre), de Doris Dörrie, uma tragicomédia sobre a vida amorosa de um homem, e o chinês SPARROW ("Pardal"), de Johnnie To, sobre jovens delinqüentes. Sim! Mais crianças perdidas...

Por Luiz Zanin Oricchio (Estado), Silvana Arantes (Folha) e Agências Internacionais

Sobre Óleo e Novelas Chinesas

2008-02-10T01:56:00.000-02:00

Berlim (Dia 2): Passado o pandemônio da presença dos Rolling Stones em Berlinale, o 58º festival começou para valer. Primeiro o chinês IN LOVE WE TRUST, de Wang Xiaoshuai, diretor da sexta geração que recebeu o Urso de Prata em 2001, por BICICLETAS DE PEQUIM. Na seqüência, SANGUE NEGRO, de Paul Thomas Anderson, com Daniel Day-Lewis. O filme é longo, quase três horas. Ocorreram problemas técnicos durante a projeção, o que motivou uma certa gritaria de protesto, mas ninguém arredou pé da sala...

Inspirado no clássico da literatura americana "Petróleo", de Upton Sinclair, o filme é um retrato magistral de CIDADÃO KANE, de Orson Welles, em que um homem cria sua fortuna destruindo tudo aquilo que havia contribuído para formá-la.

SANGUE NEGRO conta a história de Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis), desde o momento em que ele escava poços com as próprias mãos, no fim do século 19, no Oeste dos EUA, até se tornar um magnata do negócio que vive sozinho sua velhice em meados do século 20. Entre um tempo e outro, Plainview cria um filho, restabelece relações com um irmão, administra trabalhadores, negocia com sócios e concorrentes de um modo duramente particular -ou como quem enxerga "o pior nas pessoas", segundo suas próprias palavras.

A atuação de Day-Lewis foi premiada com um Globo de Ouro, um SAG e recebeu uma indicação ao Oscar (onde é favorito) e vem sendo freqüentemente definida como magnífica pela crítica dos EUA. Mas não é somente Day-Lewis que brilha... Paul Dano dá um show como o jovem pastor que vive às turras com o trágico anti-herói desta saga.

Anderson e Day-Lewis deram coletiva em Berlim. O diretor afirmou que "fazer um filme é como perfurar um poço de petróleo: Você não sabe se vai conseguir algo bom, mas continua tentando". "E, talvez, quando você consegue algo que parece bom, você fica ganancioso e continua perfurando”.

Mas o diretor não soube tomar como elogio a afirmação que mudou seu estilo. Daniel Day-Lewis veio em socorro do diretor e disse que, se ele muda, é em função das histórias que quer contar, mas a voltagem crítica é a mesma (e até se radicaliza, a cada filme). Quando perguntaram ao ator qual era sua expectativa em relação ao Oscar, foi a vez de P.T. Anderson frisar: “Gostaria que nos dessem todos os Oscars, e não apenas para Daniel”.

Também em competição, IN LOVE WE TRUST conta a história de uma mulher divorciada que descobre que a filha, uma menina de cinco anos, está enferma de leucemia. Embora tanto ela quanto o ex-marido tenham se casado de novo, a heroína lá pelas tantas resolve ter um filho com o ex, na expectativa de que ele possa ser o doador da medula que a garota necessita. A história é digna de uma novela de Manoel Carlos e um personagem, o ex-marido, chega a dizer que se sente dentro de uma “soap opera”.

O que faz a diferença é o olhar de Wang Xiaoshuai sobre a nova China. O ex-marido é um construtor de obras que estão parando por falta de dinheiro. O próprio problema da leucemia infantil preocupa as autoridades e vem sendo motivo de muita pesquisa nos últimos anos. Como diz o diretor, seu filme é universal - ele espera -, mas a realidade que filma é a chinesa. Trabalhando na corda-bamba da emoção, como se evita o melodrama? “É um mérito dos atores, que pesquisaram a fundo para seus personagens”.

A China venceu o Festival de Berlim no ano passado com O CASAMENTO DE TUYA (Também sobre a relação de um casal ameaçada por um problema de saúde) e provocou polêmica com o acossado pela censura LOST IN BEIJIN.

Por Luiz Zanin Oricchio (Estado), Silvana Arantes (Folha) e Agências Internacionais

Política e Rock´n´Roll

2008-02-08T08:37:00.000-02:00

Berlim (Dia 1): Os Rolling Stones causaram um verdadeiro alvoroço na entrada do Hotel Hyatt para a coletiva de SHINE A LIGHT, o recente documentário de Martin Scorsese que inaugurou ontem o 58º Festival de Berlim. Os fãs fizeram fila na rua (congelada) apenas para vê-los passar, enquanto os jornalistas se acotovelavam para a entrevista com uma hora de antecedência. O tapete vermelho em si parecia um mercado persa, só que em vez de gritar: “Laranjas! Laranjas!” Uma dúzia de limão por um real", o pessoal gritava: Jagger! Jagger! Scorsese! Scorsese!

Berlinale é conhecida pelo seu teor altamente político. Para o presidente do júri deste ano, Costa-Gavras, estrela do cinema político por volta de 1970, isso se deve à própria cidade que, durante décadas, foi palco das tensões da guerra fria. E sem dúvida muitos filmes políticos serão apresentados em 2008, mas o festival também está celebrando a música: o rock sobre Berlim.

Madonna, Patti Smith, Neil Young, todos são convidados da Berlinale esse ano, mas duvido que Madonna, com seu FILTH AND WISDOW, provoque tanto frisson como ontem.

Na coletiva, Scorsese contou que ao terminar OS INFILTRADOS, estava tão confuso que decidiu pelo projeto de SHINE A LIGHT justamente para se desembaraçar do filme, que veja bem, lhe rendeu um Oscar. Muitos acharam o trabalho de Scorsese anônimo, dizendo que qualquer outro diretor de videoclipes teria feito um filme desses. Não é verdade. Solicitado a comparar Scorsese com Jean-Luc Godard, que o dirigiu em ONE PLUS ONE, documentando a criação da canção Sympathy for the Devil, Mick Jagger disse que ambos são grandes diretores, mas de estilos diferentes. Os dois filmes, de qualquer maneira, trabalham o tempo. Uma canção nasce diante dos olhos e ouvidos do público no filme de Godard. Uma profusão de canções atesta a vitalidade dos Stones em SHINE A LIGHT.

Jagger contou que propôs a Scorsese que filmassem o show de Copacabana, no Rio de Janeiro, porque achou que seria ótimo ter o registro "daquele grande show na praia, para passar em Imax [formato de tela gigante], mas Scorsese preferiu algo mais íntimo". O diretor explicou que sua escolha por um teatro pequeno foi porque ele gostaria de "não apenas filmar os Stones, mas mostrar a máquina armada para filmar os Stones".

SHINE A LIGHT foi exibido fora de competição. Talvez porque, com Stones e Scorsese juntos, seja difícil competir.

Por falar em competição, o júri de Berlim sofreu duas baixas: A cineasta dinamarquesa Susane Bier e a atriz francesa Sandrine Bonnaire abandonaram o barco. Segundo a justificativa dada pelo festival, Bier terá de ir aos EUA, tratar de assuntos relacionados ao seu próximo filme. E Bonnaire não poderia permanecer em Berlim durante todos os dias do festival, por isso teve de renunciar ao júri. O presidente do júri, Constantin Costa-Gavras, classificou as desistências de "um acidente" e disse que os remanescentes tentarão compensá-las sendo "mais inteligentes".

Costa-Gavras também contou que seu próximo filme será "um road movie sobre um homem que tenta chegar a Paris". Ele pretende estreá-lo no ano que vem, “em Berlim, ou em algum outro lugar", mas certamente fora de competição. "Acho que competir é algo que devemos fazer quando jovens”.

Por Luiz Zanin Oricchio (Estado), Silvana Arantes (Folha) e Agências Internacionais

MUTUM é premiado em Roterdã

2008-02-05T12:47:00.000-02:00

O 37º Festival de Roterdã deu o Prêmio Dioraphte para MUTUM, de Sandra Kogut, por "sua condensada emoção e energia sem limites". Para o júri, "sua poética é evidente nos detalhes de um lugar e tempo remotos". O troféu principal foi dividido por WONDERFUL TOWN, FLOWER IN THE POCKET e GO WITH PEACE, JAMIL.

Ciência explica a química de Hepburn e Tracy

2008-02-05T10:35:00.000-02:00

Você sempre ouviu falar na química entre duplas, mas esta é inédita. Nunca houve, na tela, química maior que a entre Spencer Tracy e Katharine Hepburn. Isto os cinéfilos já sabiam, mas agora quem garante é a Real Academia de Química da Inglaterra. Tracy e Hepburn fizeram nove filmes juntos e levaram a química da tela para a vida (ou o contrário?). Nunca se casaram porque Tracy era católico e não admitia se separar da mulher, sobretudo porque tinham um filho deficiente. Katharine aceitou ser a outra, justamente ela que foi uma pré-feminista.

Embora a química entre duas pessoas não possa ser testada em laboratório, a British Royal Society of Chemistry recorreu a seus especialistas para tentar explicar o que acontecia desde duplas lendárias, como Tracy e Hepburn, Fred Astaire e Ginger Rogers, Humphrey Bogart e Lauren Bacall, Richard Burton e Elizabeth Taylor, até os recentes Ben Stiller e Owen Wilson, de STARKU & HUTCH. John Emsley, cujo nome está ligado à fórmula do Viagra, considera o elemento sexual importante nas duplas em geral, mas especialmente em Tracy e Hepburn: "Para a maioria, a noção de química pode ser diversa daquilo que se chama de atração sexual, mas de qualquer maneira a idéia de química relaciona-se à perfeita combinação de elementos. Perfumes, que são ativadores sexuais, são produtos químicos."

Tracy e Hepburn deflagravam a faísca e parecia que iam entrar em combustão na tela, mesmo numa era de grande puritanismo como os anos 1940, quando fizeram os primeiros filmes juntos - A MULHER DO DIA, O FOGO SAGRADO, SEM AMOR, MAR VERDE, SUA ESPOSA E O MUNDO e A COSTELA DE ADÃO. A parceria atravessou os anos 1950 com A MULHER ABSOLUTA e AMOR ELETRÔNICO e encerrou-se em 1967 - Tracy morreu logo após concluir ADIVINHE QUEM VEM PARA JANTAR?

Em todas as duplas famosas do cinema, avaliam os doutores, um sempre possui qualidades que complementam o outro. Hepburn era fogosa, Tracy era sólido a ponto de parecer travado. Ela era elegante, ele não ligava a mínima para a aparência. Como sempre em se tratando de química, a entre as pessoas também resulta da combinação adequada de um coquetel de ingredientes. É o que ocorre com as grandes duplas e não tem a ver, necessariamente, com a qualidade de cada um. Laurence Olivier e Marilyn Monroe possuíam individuais admiráveis, mas a química entre os dois foi desastrosa em O PRINCIPE ENCANTADO, disse o porta-voz da Royal Society.

Esqueça, Louis...

2008-02-02T11:22:00.000-02:00

Lá pelos idos de 1936, o romance "Gone With the Wind" chegou às mãos de Louis B. Mayer, o dono da MGM. Ele leu, interessou-se pela história e pediu conselho para Irving Thalberg, então um dos mais importantes produtores de Hollywood. Um indivíduo que tinha o dom superlativo de sentir o cheiro do dinheiro. Thalberg imediatamente respondeu: "Esqueça, Louis... nenhum filme sobre a Guerra Civil jamais fez um centavo".

David O. Selznick, que já havia trabalhado para a MGM, também estava em dúvida: um ano antes, a Paramount lançou NOIVADO NA GUERRA, de King Vidor, um retumbante fracasso; além disso, a autora de ...E O VENTO LEVOU, Margareth Mitchell, queria 50 mil dólares pelos direitos do livro, preço que não agradou Selznick. John Hay Whitney, o braço direito de Selznick, disse que se o amigo não comprasse o romance, ele mesmo o faria.

...E O VENTO LEVOU tornou-se um dos maiores sucessos de Hollywood. Foi um projeto pessoal de Selznick, que acompanhou as filmagens e a montagem final. Chegou a demitir George Cukor e depois Sam Wood, que começaram a dirigir as primeiras cenas.

Recebeu 13 indicações para o Oscar e levou oito: filme, direção, roteiro, atriz (Leigh), atriz coadjuvante (McDaniel, a primeira atriz negra a ganhar um Oscar), direção de arte, fotografia e montagem.

Ironicamente, em 1939 Selznick ganhou o prêmio Irving Thalberg Memorial. Thalberg morreu em 14 de setembro de 1936, não muito depois de ter aconselhado Mayer a esquecer ...E O VENTO LEVOU

Confira a crítica de E O VENTO LEVOU e mais 78 películas que venceram o OSCAR de Melhor Filme a partir de hoje, exclusivamente no SPOILER MOVIES!

O Clã dos Pandas Voadores

2008-02-02T09:07:00.000-02:00

A DreamWorks Animation confirmou o lançamento de KUNG FU PANDA para maio. O filme que homenageia os clássicos de artes marciais conta com Jack Black, Angelina Jolie, Jackie Chan, Lucy Liu, Dustin Hoffman e Ian McShane no elenco.

KUNG FU PANDA terá Jack Black como o panda Po, garçom de um restaurante simples que é fanático por kung fu, embora sua forma física não seja exatamente apropriada para a luta. Na verdade, a característica mais marcante de Po é o fato de ele ser o animal mais preguiçoso da China. E isso é um problema, pois inimigos perigosos estão se aproximando e todas as esperanças foram depositadas numa profecia segundo a qual Po é "O Escolhido" que irá salvar a todos. Um grupo de mestres em artes marciais vai ter de conquistar faixa preta em paciência se quiser transformar esse panda molenga num lutador de kung fu, antes que seja tarde demais. Jolie vai dublar Tigress, uma especialista em artes marciais que ensina a arte do kung fu ao panda Po.

Confira o trailer no SPOILER Trailers.

Cortesia da DreamWorks SKG

O desafio de saber contar a guerra

2008-02-02T08:47:00.000-02:00

REDACTED, o mais recente filme de Brian de Palma, confundiu a maioria dos críticos americanos desde que estreou em Nova York em meados de novembro. Ele cria limites tão sutis entre o real e o fictício que os espectadores ficam desconcertados e se remexem incomodados nas poltronas.

O episódio central do filme é o estupro de uma garota de 14 anos, Abeer Qasim Hamza, em Samarra, um povoado a 125 quilômetros ao norte de Bagdá. Os culpados são cinco soldados americanos que vigiam um posto de fronteira. E eles não só a estupram, mas a matam junto com toda sua família.

O fato é verdadeiro, mas é contado com uma linguagem de ficção. E a ficção, por sua vez, emprega as ferramentas usadas no mundo real: um diário de guerra escrito com uma câmera de vídeo, fragmentos de noticiários em língua árabe, páginas de internet, entrevistas reais com iraquianos ultrajados pelo Exército invasor, um documentário francês sobre o tenso aborrecimento da vida no posto de fronteira.

Essa oscilação entre o imaginado e o verdadeiro deixa o público intranqüilo, inseguro sobre o terreno onde pisa. Ao sair do cinema, na escada para a rua, ouvem-se algumas discussões sobre REDACTED. Dois casais se perguntam se a descrição do mal ajuda a conjurar o mal ou se essa exposição é um simples ato de vaidade do cineasta. Como se De Palma tivesse dito: "Eu tenho coragem diante do horror. Não me detenho." Mas, ao afirmar isso, ele se esquece de que falar do horror, mesmo com a linguagem mais eloqüente, não se assemelha a estar dentro do horror, a ser uma de suas vítimas. O tema tem sido debatido há décadas sem que se encontre uma saída convincente.

Ele já foi explorado por Susan Sontag em "Diante da Dor dos Outros" (no Brasil, pela Companhia das Letras, 2003). Ali, ela adverte que a representação visual do atroz é também uma forma de corrupção: reflete o corrupto e pode corromper quem o reflete.

Essa última obra de Brian de Palma é uma reescritura de PECADOS DA GUERRA (1989) no qual o diretor contava o estupro de outra adolescente durante a guerra do Vietnã. A história em ambos é a mesma e muitos episódios se repetem como em um espelho. O fato de Brian de Palma insistir no tema, arriscando-se a um desolador fracasso comercial - como comprova o escasso público de REDACTED - indica que seus móveis vão além do estético, que está obedecendo a um impulso moral.

Nos dois filmes, os soldados envolvidos no estupro não sabem por que estão onde estão, perto das investidas do Vietcongue em um caso e ao norte de Bagdá no outro. A guerra, para eles, é apenas "um trabalho que deve ser feito", um caminho no qual avançam às cegas supondo-se donos absolutos dos territórios ocupados. Eles sentem-se no direito de dispor dos corpos que têm ao seu alcance: velhos, recém-nascidos, meninos, mulheres, até mortos. Tudo que foi derrotado ou submetido lhes deve submissão. Eles se acreditam todo-poderosos, se sabem impunes. Estão convencidos de que a guerra os situa além de todo erro e de toda consciência.

No final dos dois filmes, quando são julgados por tribunais militares por juízes do mesmo Exército que os impeliu a matar, eles supõem que se são sancionados também são atraiçoados. O fato de os castigarem equivale para eles a colocar-se do lado do inimigo.

"Estão fazendo o jogo do Vietcongue", dizem em um caso, E, no outro, como num eco: "Estão colaborando com os insurgentes iraquianos." Em PECADOS DA GUERRA, os estupradores eram quatro: um deles se convertia em cúmplice por covardia. O quinto se recusava e denunciava os demais. Em REDACTED são dois os que estupram e três os que se recusam: um, porque permanece na barraca, outro porque quer documentar o que acontece; o último porque decide contar o que aconteceu.

Os personagens são mais complexos que no filme de 1989. O que não sai do refúgio é um leitor infatigável dos romances de John O'Hara. O outro, um hispânico que filma em vídeo tudo que vê, tem a esperança de que esse diário visual lhe abra as portas de uma escola de cinema documentário, talvez de Hollywood. O quinto procura explicar inutilmente que o que eles tramam é desalmado, bestial. Os dois restantes se atiram, cegos, no centro da tragédia.

Em seu posto de vigilância eles observam e registram todos os dias a garota de 14 anos que se dirige à escola levando pela mão a irmã menor. Eles não suportam que ela vá e venha. As mulheres são seus objetos de caça. Elas lhes pertencem, devem aceitar a brutalidade de seus desejos.

Eles não concebem os demais como seres humanos porque tampouco se pensam como pessoas. Elegem um alvo e a ele se atiram. Eles tratam apenas de aniquilar, saciar-se, seguros de que ninguém vai puni-los por seus instintos. Na guerra, tudo se degrada, tudo se despedaça, tudo deixa de ter sentido. Entra-se na guerra com um fim, um objetivo. E geralmente se sai com as mãos vazias, convertido em alguém que já não será o que foi.

A violência impiedosa das guerras cria a atração hipnótica que se vislumbra às vezes nas fotos e nos filmes. Quando é real, quando golpeia na vida, essa violência é tão atroz que não consegue ser narrada. Narra-se apenas a sua fealdade, como em Redacted. Mas, o que os espectadores querem ver é a impossível beleza da violência, a degradação, a enfermidade da qual se crêem a salvo.

REDACTED foi exibido nos Festivais de Veneza, Toronto e São Paulo. Leia a crítica do filme no Spoiler Movies

Por Tomás Eloy Martínez

Notas de um Faroeste Caboclo

2008-01-30T08:03:00.000-02:00

O escritor americano vencedor do Pulitzer Cormac McCarthy já era conhecido por suas extraordinárias histórias passadas num oeste americano em transformação quando publicou, em 2003, o livro ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ. No coração da história encontram-se os temas mais recorrentes de McCarthy: o fim galopante do modo de viver no oeste dos EUA; os últimos resquícios de honra e justiça em um mundo despedaçado; a constante luta humana contra a desventura; o humor negro e violência dos tempos modernos; a ação recíproca de tentação, sobrevivência e sacrifício; e, somando à mistura, um toque de amor reconfortante e um fio de esperança na escuridão.

Os complexos personagens e temas simbólicos de McCarthy são tão presentes em ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ que apenas diretores com igual habilidade em contar uma história de forma rica, irônica e ressonante poderiam transformar a força do livro em surpreendentes imagens e diálogos. E é difícil imaginar melhores nomes para essa tarefa do que os vencedores do Oscar® por Melhor Roteiro com FARGO, Joel e Ethan Coen. Os Coen conheceram o livro de McCarthy através do produtor Scott Rudin (NOTAS SOBRE UM ESCÂNDALO). "Ele o trouxe até nós achando que poderíamos sentir uma afinidade pela história", lembra Ethan, "e nós gostamos mesmo do livro. Vimos que dava para criar algo com ele."

Os Coen, então, partiram para adaptar a história em uma estrutura cinematográfica, e o resultado foi um filme que os levaria a um novo território. "Há bastante humor no livro, apesar de não ser uma comédia", diz Joel. "É certamente muito sombrio – e essa foi nossa característica determinante. O livro também é bastante sangrento. Então, esse é, provavelmente, o filme mais violento que já fizemos."

No coração de ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ estão seus personagens – homens e mulheres que vivem em um oeste em rápida transformação, onde o descumprimento de leis levou a um novo mundo de tráfico internacional de drogas e antigas regras não mais se aplicam. Chocado com essa nova realidade, xerife Bell representa uma inconsolável nostalgia pela forma mais honrosa como tudo era antes. "O filme fala, em parte, da perspectiva do xerife Bell sobre o passar do tempo, e de envelhecimento e transformações", diz Joel Coen.

Considerando quem poderia viver esse contemplativo personagem, o vencedor do Oscar® e do Globo de Ouro por Melhor Ator Coadjuvante em O FUGITIVO, Tommy Lee Jones logo veio à mente dos irmãos Coen. "Xerife Bell é a alma do filme, e a região oeste faz, de forma fundamental, parte dele. Então, precisávamos de alguém que entendesse isso", comenta Joel. Ele continua: "É um papel que requer também um tipo de sutileza que apenas grandes atores possuem. Essa lista é bem pequena, então, quando se junta os dois critérios, o nome que surge é Tommy Lee Jones. Sendo texano, a região é parte do que ele é." Para Jones, o papel era irresistível, apesar de ter sentido uma hesitação inicial. "Já atuei muitas vezes como policial texano", reflete o ator, "então pensei bastante antes de aceitar o trabalho. Mas a atração de trabalhar com o material de Cormac McCarthy foi irresistível." Jones leu o livro de McCarthy pouco depois de ser publicado e já naquela época ficou intrigado – e mais ainda quando soube que os irmãos Coen adaptariam a história.

Para os Coen, escalar o ator que viveria Llewelyn Moss foi um desafio maior. Moss, veterano do Vietnã, é um texano decente que provavelmente nunca cometeria um crime – até se deparar com uma grande quantia de dinheiro de venda de drogas que parece pertencer a um grupo de homens mortos. Joel diz: "Nessa história, você tem o mocinho e o bandido, e Moss é um meio termo." Essa característica foi difícil de se encontrar. "Pensamos que seria fácil achar Moss", ri Ethan, "porque, na nossa cabeça, simplesmente precisaríamos de um garoto bonzinho. Mas é difícil incorporar isso sem parecer tedioso ou sendo de fora da região." Por fim, os diretores encontraram um ator que levava uma presença dinâmica, com um toque distinto do oeste, ao papel: Josh Brolin (PLANETA TERROR). "Josh cresceu em um rancho e por isso tinha idéia de onde Moss vinha", explica Ethan. Josh Brolin é fã de McCarthy e leu o livro muito antes de ver o roteiro. "É uma das histórias mais incríveis, violentas e bem escritas que eu já li", diz Brolin.

Formando o terceiro vértice do tenso triângulo moral está Anton Chigurh, o assustador e desequilibrado vilão que não deixa testemunhas por onde passa. O obscuro personagem precisaria de um ator capaz de alcançar extrema intensidade. "Queríamos um ator que conseguisse expor Chigurh de forma substancial, mas sem revelar muito, mantendo um certo mistério – daí, Javier Bardem (MAR ADENTRO)", explica Joel. Ao desenvolver o personagem, o ator espanhol trabalhou bastante com os Coen. "Conversar com Joel e Ethan mudou a minha perspectiva, e o personagem tomou forma de alguém mais interessante, complexo e engraçado", ele diz.
Ao lado desse trio de homens, estão duas igualmente interessantes mulheres.

Para o papel de Carla Jean, esposa de Moss, foi escolhida a atriz Kelly Macdonald, que surpreendeu os diretores durante o teste. "Ao mesmo tempo em que nosso discurso era de que não dá para fingir ser da região, chamamos Macdonald, uma atriz escocesa de Glasgow", ri Joel. Tommy Lee Jones também ficou satisfeito com a escolha: "Kelly faz o sotaque do Texas perfeitamente", comenta Jones, ator genuinamente texano. "Nos intervalos, ela era uma doce menina da Escócia, mas, quando as câmeras eram ligadas, virava uma garota texana bastante durona. Fiquei impressionado."

Outra relação familiar no filme é o do xerife com sua mulher Loretta, personagem essencial para ajudar a definir Bell. Quem vive Loretta nas telas é a atriz nascida no Arkansas, Tess Harper. "Loretta é a âncora que segura o xerife onde ele precisa estar. Ela é seu porto seguro na tempestade", comenta a atriz.

ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ se desenrola contra um dos cenários mais viscerais e mistificados dos Estados Unidos: a fronteira do Texas com o México, em que dois países são divididos pelas margens do Rio Grande. Para captar com autenticidade o local, a produção viajou para as secas planícies do oeste do Texas e para o deserto do Novo México, onde os Coen trabalharam mais uma vez com o diretor de fotografia Roger Deakins (O ASSASSINATO DE JESSE JAMES; A VILA; KUNDUN). "O cenário é um dos motivos que nos levaram a fazer o filme", diz Ethan Coen. "Rodamos nosso primeiro filme, GOSTO DE SANGUE, em Austin, mas também viajamos para o oeste do Texas, e ficamos atraídos pelo local antes mesmo de ler o livro." acrescenta Joel. "É um lugar com um histórico de violência e de ser, de certa forma, inóspito. Como em todos os livros de Cormac McCarthy, o local é também um personagem – e não pode ser separado da história", conclui.

Para aumentar a tensão de ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ, Deakins usou a iluminação como um meio de contar a história. "Gostei de contrastar o brilho dos exteriores com a escuridão dos interiores e a sensação desbotada da paisagem com as cores brilhantes do mundo noturno", ele diz. "Um dos maiores desafios foi fazer uma transição suave do amanhecer ao anoitecer no local da ‘entrega das drogas’ e no rio. Lidamos com isso da melhor forma possível filmando na luz do amanhecer e no cair da noite, e recriando um falso raiar do dia com iluminação artificial."

A filmagem propriamente dita teve início em Marfa, Texas, cidade mais conhecida como o local onde foi filmado o épico dos anos 50 ASSIM CAMINHA A HUMANIDADE. Lá, o jovem desenhista de produção Jess Gonchor buscou com os Coen as locações certas para as cenas mais dramáticas do filme. Para Gonchor, a chave era a discrição: "Os Coen fizeram um trabalho tão bom com o roteiro que eu não quis roubar a cena de nada – eu só queria somar à história com o cenário que criei", diz. Um de seus maiores desafios foi criar a cabana de Ellis – onde o xerife Bell, à beira do desespero e precisando de conselhos, visita o tio, um xerife aposentado. Gonchor lembra-se: "Nós pré-fabricamos a estrutura em Santa Fé, onde Joel e Ethan podiam ver seu desenvolvimento. Depois, pintamos, envelhecemos, ornamos e levamos a cabana toda de caminhão para o Texas."

Apesar da grande distância entre as locações, das condições climáticas imprevisíveis, de criaturas venenosas do deserto e de altas temperaturas, usar locações autênticas mostrou-se inestimável, oferecendo a atmosfera pungente e solitária que faz a fronteira do Texas ser ao mesmo tempo tão cruel e poética.
Em seguida ao trabalho no Texas, a equipe foi para Las Vegas, não a cidade paraíso dos cassinos, mas uma cidade histórica do estado do Novo México, onde as atemporais ruas no estilo do oeste e icônica praça do centro da cidade puderam servir como diversas cidadezinhas texanas.

Lá foi também local de outra maravilha pré-fabricada de Gonchor, o posto de fronteira entre os EUA e o México que no filme vai de Eagle Pass, Texas, para uma pequena cidade mexicana. O falso posto de fronteira foi construído no viaduto da estrada University Boulevard, em Las Vegas, e foi preciso fechar a ponte e saída da estrada por uma semana enquanto a estrutura de aço de 22 toneladas era puxada e encaixada no lugar. Moradores de Las Vegas não se abalaram, mas turistas e motoristas de fora da cidade que passaram por lá ficaram intrigados com o posto de controle entre os EUA-México ter se mudado tanto para o norte, como se o Novo México fosse, afinal, realmente parte do México!

O aspecto visual de ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ também estende-se aos personagens, principalmente a Javier Bardem, que exibe no papel de Chigurh um contemplativo corte de cabelo, criado pelo cabeleireiro vencedor do Oscar® por AMADEUS Paul Leblanc. "Trabalhei bastante próximo à estilista Mary Zophres na criação desse visual para o personagem de Javier", diz Leblanc. "Queríamos que ele ficasse estranho e assustador, mas não exagerado. Então criei esse corte original para dar uma idéia de que ele é realmente misterioso – alguém que faz nos pensar "de onde veio esse cara?" – mas sem necessariamente mostrar que ele é um assassino. Digamos que é um corte dubiamente histórico – pode ser tanto do século 17 quanto dos anos 70", acrescenta.

Com detalhada preocupação tanto com o conteúdo do roteiro de ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ quanto com o visual de suas cenas e personagens, os irmãos Coen – também responsáveis pela edição do filme, sob o pseudônimo de "Roderick Jaynes" – fazem um belo casamento entre a complexa e freqüentemente bem-humorada voz de McCarthy com sua própria visão da história. O resultado é um trabalho incrivelmente cativante – e repleto de ação.

ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ concorre a 8 Oscars, incluindo Melhor Filme, Diretor e Roteiro Adaptado. Leia a crítica do filme no Spoiler Movies

Chico, o homem mais inteligente que conheci

2008-01-29T07:54:00.000-02:00

Chico Fireman é um dos homens mais inteligentes que conheci. Ele compreende e assimila tão rapidamente tantas coisas que perdemos o fôlego ao acompanhá-lo. No entanto, devemos nos esforçar, pois só se progride correndo atrás de suas pegadas. Felizmente para mim, Chico ama aqueles que deixa para trás, sem o que, ao seu lado, eu me sentiria pesado demais, bronco, tosco e estapafúrdio.

Chico me ensinou que o tema de um filme vem, em primeiro lugar, da originalidade da equipe, que um bom roteiro não ultrapassa doze páginas, que a câmera de um diretor não têm mais importância que um garfo.

Foi em 2003 que descobri seu blog, entre tantos outros na Internet. Desde as primeiras linhas fiquei apaixonado com a fluidez e lógica de seus textos. Pela rapidez de suas frases, sua secura aparente e a precisão de suas imagens, descobria, com Chico Fireman, um escritor forte e um vício. Ler sobre cinema. Escrever sobre cinema. Como podem imaginar, meu entusiasmo se transformou no SPOILER, dez meses depois.

Os anos se passavam, meus pensamentos conduziam-me com freqüência ao Filmes do Chico, e eu relia suas críticas por mero prazer. Sim, ele é grande com algo de langoroso. É um tanto claro demais, modesto demais. Não me surpreende porque encanta. Têm grande amor pela espécie humana. Acha as pessoas admiráveis.

Ao cabo desse prefácio, é hora de deixá-los descobrir Chico Fireman e sua doçura por vezes assustadora. É a vez de vocês o introduzirem em sua vida, é a vez de vocês o adotarem, é a vez de vocês, e vocês vão amá-lo.

Parabéns Chico, pelos seus 5 anos e 100 filmes!

FILMES DO CHICO
Chico Fireman | Salvador/São Paulo
2003 ~ 2008

O Mito: Edith Head

2008-01-28T11:56:00.000-02:00

A influência que o cinema exerceu sobre a moda ao longo de todo o século 20 tem em Edith Head um de seus mais importantes personagens.

Ela nasceu em Los Angeles, Estados Unidos, e frequentou a Universidade de Stanford e da Califórnia, assim como o Otis Institute e a Chouinard Art School. Formada em Francês e Espanhol, Edith Head decidiu, em 1923, tornar-se estilista, respondendo a um anúncio de jornal com desenhos emprestados. Quando a fraude foi descoberta, ela já estava trabalhando com Howard Greer, contratada pela Paramount Pictures, um dos grandes estúdios cinematográficos de Hollywood, na época.

Em 1927, passou a ser assistente de Travis Banton, e onze anos mais tarde ganhou o posto de estilista chefe do estúdio, cargo que manteve até 1967, data em que se transferiu para a Universal Filmes.

Enquanto esteve na Paramount, Edith Head também criou figurinos para outros estúdios, entre os quais a Metro-Goldwin-Mayer, a Columbia, a 20th Century Fox e a Warner Bros. Assinou as roupas de mais de mil filmes, e recebeu oito prêmios Oscar por suas criações, um deles sempre contestado por Audrey Hepburn - o que a figurinista recebeu por SABRINA, no qual o guarda-roupa da própria atriz foi criado por Givenchy, seu grande amigo.

Brilhante e criativa, Edith Head desenhou roupas para estrelas como Marlene Dietrich, Mae West, Elizabeth Taylor e Grace Kelly. Algumas dessas roupas ficaram mundialmente famosas e foram copiadas à exaustão, como foi o caso do sarongue, criado em 1936 para Dorothy Lamour usar no filme A PRINCESA DA SELVA, e também um vestido de festa, tomara-que-caia, com o corpete justo e saia de tule branco sobre cetim verde, recoberta de violetas brancas, que Elizabeth Taylor usou em UM LUGAR AO SOL, de 1951, que estrelou ao lado do ator Montgomery Clift. Até hoje, admiradas em tantos filmes antigos, as roupas criadas por Edith Head continuam a esbanjar elegância.

Agulha, linha e altos ideais

2008-01-28T11:03:00.002-02:00

Conhecimentos de história – especialmente da moda, fôlego de produtor, gosto para colocar a mão na massa (no caso, pregar botões, costurar e bordar, entre outras coisas), muita organização, uma extensa rede de contatos e talvez um pouco de habilidade para o desenho. São essas as principais características necessárias ao bom figurinista, uma profissão fundamental em todas as áreas do audiovisual dentro do escopo da direção de arte, mas que como tantas outras atividades não pode ser aprendida em um curso específico. Além disso tudo, disposição para aprender e se informar o tempo todo também é fundamental.

Grande parte dos profissionais que atuam nessa área é autodidata, aprendendo na prática as habilidades necessárias. Alguns vêm do curso de comunicações; outros, de moda. E muitos aprenderam com outros profissionais. Mas nem as faculdades de comunicação se aprofundam o suficiente em moda, nem a faculdade de moda apresenta as ferramentas necessárias para se trabalhar em produção audiovisual.

O trabalho do figurinista tem de ser feito em parceria com o diretor de fotografia. É preciso saber como a luz incide e o resultado disso na televisão ou película. No teatro, por exemplo, o volume, o 3D, é fundamental. No cinema, os defeitos aparecem mais e não tem como corrigir. Na TV, se for uma série ou uma novela, ainda dá pra remediar no capítulo seguinte.

O contato direto com celebridades pode fazer brilhar os olhos de alguns, mas ledo engano... O champagne só vêm no dia da estréia. Muitas pessoas têm a ilusão que a profissão é cheia de glamour, porque atua direto com atores e apresentadores. Mas é um trabalho puxado, corrido.

Para produzir o figurino de qualquer tipo de produto audiovisual, o figurinista pode seguir dois caminhos: o da produção e o da confecção. De acordo com o trabalho, é preciso ir a lojas especializadas e solicitar permutas ou comprar realmente as peças que serão utilizadas pelos atores. Podem ser lojas de roupas novas ou mesmo brechós. Em outros casos, o figurinista monta uma equipe de aderecistas e costureiras que vai produzir cada uma das peças de acordo com os modelos criados. Aí entra a necessidade de ter contatos para montar uma equipe especializada. Assim como um marceneiro não é necessariamente um cenotécnico, não é qualquer costureira que trabalha em cinema. É preciso ter o timing certo.

Selecionar o figurino mais adequado ou criar roupas novas depende de um profundo trabalho de pesquisa. Quando se trata de filme de época, os livros e revistas são fundamentais, assim como outros filmes e fotografias. Mas tudo deve ser embasado por um bom conhecimento de história da moda. É preciso saber as proporções da década, do período. E quando a trama se passa no tempo presente, é preciso interagir com os tipos que devem ser reproduzidos.

E se o diretor quer uma imagem mais realista, é sempre melhor trabalhar com roupas usadas. Às vezes isso não é possível, porque a peça pode ser frágil ou ter de ser usada muitas vezes. Então é necessário, reproduzir e envelhecer a roupa. A roupa realmente usada sempre fotografa melhor.

Por Crizólito Pinheiro & Lizandra de Almeira (Tela Viva)

Figurinos & Figurinistas

2008-01-28T11:03:00.001-02:00

O cinema é um meio maravilhoso de mostrar a moda. Às vezes os modelos exageram um pouco, mas eu gosto de seus pequenos desempenhos! O drama enfatiza o movimento das roupas e...qual foi mesmo o show de Ngila Dickson e Richard Taylor....aquele com os gnomos? Ah..."Senhor dos Aneis"...é incrível! o figurino de Ngila foi ilustre. Senti que vestir roupas na Idade Média teria que ser assim mesmo...
Por Edna Moda, de "Os Incríveis", durante a cerimônia do OSCAR2005

100 Figurinos, 100 Figurinistas

100
Tim Chappel
"Priscilla, a Rainha do Deserto" (1994)

99
Theoni Aldredge
"O Grande Gatsby" (1974)

98
Sanzo Wada
"As Portas do Inferno" (1954)

97
Roger Furse
"Hamlet" (1948)

96
Nino Novarese
"Cromwell" (1970)

95
Marcel Vertes
"Moulin Rouge" (1952)

94
Lizzy Gardiner
"Priscilla, a Rainha do Deserto" (1994)

93
Lindy Hemming
"Topsy-Turvy" (1999)

92
Leah Rhodes
"As Aventuras de Don Juan" (1949)

91
Julie Harris
"Darling, a que Amou Demais" (1965)

90
John Truscott
"Camelot" (1967)

89
Joan Bridge
"O Homem que Não Vendeu sua Alma" (1966)

88
Janty Yates
"Gladiador" (2000)

87
Gwen Wakeling
"Sansão & Dalila" (1950)

86
Franca Squarciapino
"Cyrano de Bergerac" (1990)

85
Emile Santiago
"O Manto Sagrado" (1953)

84
Emi Wada
"Ran" (1985)

83
Eiko Ishioka
"Drácula, de Bram Stoker" (1992)

82
Deborah Scott
"Titanic" (1997)

81
Catherine Martin
"Moulin Rouge" (2001)

80
Bhanu Athaiya
"Gandhi" (1982)

79
Antonio Castillo
"Nicholas & Alexandra" (1971)

78
Angus Strathie
"Moulin Rouge" (2001)

77
William Theiss
"Esta Terra é Minha Terra" (1976)

76
Shirley Russell
"Reds" (1981)

75
Ruth Myers
"A Família Addams" (1991)

74
Ruth Carter
"Amistad" (1999)

73
Richard Taylor
"O Senhor dos Anéis" (2003)

72
Rene Hubert
"Desirée, O Amor de Napoleão" (1954)

71
Ralph Jester
"Os Dez Mandamentos" (1956)

70
Anthony Mendleson
"A Incrível Sarah " (1970)

69
Maurizio Millenotti
"Hamlet" (1990)

68
Mary Ann Nyberg
"Nasce uma Estrela" (1954)

67
Denny Vachlioti
"Nunca aos Domingos" (1960)

66
Bob Ringwood
"Império do Sol" (1987)

65
Julie Weiss
"12 Macacos" (1995)

64
Judy Moorcroft
"Passagem para Índia" (1984)

63
John Jensen
"Os Dez Mandamentos" (1956)

62
Joe Tompkins
"Os Donos da Noite " (1989)

61
Irene Gibbons
"Ser ou Não Ser" (1942)

60
Herschel McCoy
"Quo Vadis?" (1951)

59
Anthea Sylbert
"Chinatown" (1974)

58
Anna Hill Johnstone
"O Poderoso Chefão" (1972)

57
Alexandra Byrne
"Elizabeth" (1998)

56
Barbara Karinska
"Joana D´Arc" (1948)

55
Yvonne Blake
"Nicholas & Alexandra" (1971)

54
Arlington Valles
"Spartacus" (1960)

53
Gabriella Pescucci
"A Época da Inocência" (1993)

52
Elois Jenssen
"Sansão & Dalila" (1950)

51
Theodor Pistek
"Amadeus" (1984)

50
Elizabeth Haffenden
"Ben-Hur" (1959) - "O Homem que Não Vendeu sua Alma" (1966)

49
John Mollo
"Star Wars" (1977) - "Gandhi" (1982)

48
Cecil Beaton
"Gigi" (1958) - "My Fair Lady" (1964)

47
Donald Brooks
"Minha Adorável Espiã" (1970)

46
Miles White
"O Maior Espetáculo da Terra" (1952) - "A Volta ao Mundo em 80 Dias" (1956)

45
Paul Zastupnevich
"O Destino de Poseidon" (1972)

44
Bob Mackie
"Dinheiro do Céu" (1981)

43
Ray Aghayan
"Funny Lady" (1975)

42
Janet Patterson
"O Piano" (1993)

41
Judianna Makovsky
"A Vida em Preto e Branco" (1998)

40
Tony Walton
"Mary Poppins" (1964)

39
Donfeld
"A Honra do Poderoso Prizzi" (1985)

38
Morton Haack
"Planeta dos Macacos" (1968)

37
Theadora Van Runkle
"Bonnie & Clyde - Uma Rajada de Balas" (1967)

36
Norma Koch
"O que Terá Acontecido a Baby Jane?" (1962)

35
Edward Stevenson
"O Jogo Proibido do Amor" (1960)

34
Marik Vos
"Fanny & Alexander" (1983)

33
Ngila Dickson
"O Senhor dos Anéis" (2001)

32
Piero Gherardi
"A Doce Vida" (1961)

31
Phyllis Dalton
"Doutor Jivago" (1965)

30
Orry-Kelly
"Quanto Mais Quente Melhor" (1959)

29
James Acheson
"O Último Imperador" (1987)

28
Moss Mabry
"Assim Caminha a Humanidade" (1956)

27
Vittorio Nino Novarese
"Cleopátra" (1963)

26
Marjorie Best
"Dez Passos Imortais" (1960)

25
Billy Travilla
"Aventuras de Don Juan" (1949)

24
Ann Roth
"O Paciente Inglês" (1996)

23
Howard Shoup
"Rebeldia Indomável" (1967)

22
Piero Tosi
"A Gaiola das Loucas" (1979)

21
Patricia Norris
"O Homem-Elefante" (1980)

20
Renie Conley
"Cleopátra" (1963)

19
Colleen Atwood
"Chicago" (2002)

18
Danilo Donati
"Casanova de Fellini" (1976)

17
Albert Wolsky
"All That Jazz" (1979)

16
Margaret Furse
"Ana dos Mil Dias" (1969)

15
John Bright
"Razão e Sensibilidade" (1995)

14
Gile Steele
"Tarde Demais" (1949)

13
Sandy Powell
"Shakespeare Apaixonado" (1998)

12
Anthony Powell
"Tess" (1980)

11
Mary Wills
"O Diário de Anne Frank" (1959)

10
Milena Canonero
"Carruagens de Fogo" (1981)

9
Jenny Beavan
"Uma Janela Para o Amor" (1986)

8
Walter Plunkett
"Sinfonia em Paris" (1951)

7
Bill Thomas
"Spartacus" (1960)

6
Helen Rose
"A Bela e a Fera" (1952)

5
Dorothy Jeakins
"Sansão e Dalila" (1950)

4
Jean Louis
"À um Passo da Eternidade" (1953)

3
Irene Sharaff
"Amor, Sublime Amor" (1961)

2
Charles LeMaire
"A Malvada" (1950)

1
Edith Head
"Crepúsculo dos Deuses" (1950) - "Um Lugar ao Sol" (1951) - "Janela Indiscreta" (1954) - "Os Pássaros" (1963)
e mais 35 Indicações ao Oscar de Figurino

Terry Gilliam suspende filmagens de Dr. Parnassus

2008-01-28T10:52:00.001-02:00

O diretor britânico Terry Gilliam suspendeu a filmagem de THE IMAGINARIUM OF DOUTOR PARNASSUS, filme no qual o ator australiano Heath Ledger estava trabalhando.

"Terry e os produtores pensarão nos próximos dias o melhor a fazer, dadas as circunstâncias", afirma a equipe de produção em comunicado, que confirma a informação antecipada na quarta-feira pela imprensa americana. A nota expressa a "profunda comoção, tristeza e pesar" da equipe pela morte do ator, de 28 anos.

Ledger estava trabalhando neste projeto em Londres antes de voar para os Estados Unidos, no domingo. O ator foi encontrado morto em seu apartamento de Nova York dois
dias depois. A Polícia acredita que ele foi vítima de uma overdose, devido aos diferentes remédios contra a ansiedade e aos soníferos que estava tomando.

A equipe de produção, que já tinha rodado um terço do filme, pretendia viajar a Vancouver (Canadá) para continuar filmando quando recebeu a notícia da morte do ator.

Ledger já tinha trabalhado com Gilliam em OS IRMÃOS GRIMM. Em THE IMAGINARIUM OF DOUTOR PARNASSUS, Ledger interpretava um misterioso membro da companhia de um mágico, uma espécie de Doutor Fausto que chega a um pacto com o diabo para desenvolver poderes extraordinários em troca da vida de sua filha adolescente.

A equipe agora tem que escolher entre substituir Ledger, alterar o roteiro para que seu personagem não volte a aparecer ou renunciar inteiramente ao filme.

Gilliam já foi obrigado a parar um filme em outra ocasião, com o longa THE MAN WHO KILLED DON QUIXOTE quando o protagonista, Jean Rochefort, havia adoecido gravemente durante as filmagens.

A morte do ator australiano também pode obrigar a produtora de THE DARK KNIGHT a mudar sua estratégia de comercialização, que estava concentrada exatamente no Coringa, personagem interpretado por Ledger.

De Agências Internacionais

Foi Sundance...

2008-01-28T10:45:00.000-02:00

Espírito de superação prevalece no Festival Sundance

2008-01-27T12:38:00.000-02:00

Park City: Dois filmes sobre pessoas que lutam para superar tragédias pessoais conquistaram os principais prêmios no Sundance Film Festival na noite de ontem.

FROZEN RIVER, escrito e dirigido por Courtney Hunt, ganhou o prêmio de melhor drama, e TROUBLE THE WATER, dos diretores Tia Lessin e Carl Deal, foi considerado o melhor documentário.

O filme de Hunt, FROZEN RIVER, conquistou o júri formado por Quentin Tarantino e Marcia Gay Harden, com a história de duas mulheres que superam as dificuldades e iniciam um esquema para fazer entrar clandestinamente imigrantes ilegais nos Estados Unidos. Tarantino disse que o filme o deixou "sem fôlego". Foi "um dos mais emocionantes filmes de suspense que verei este ano."

TROUBLE THE WATER foi considerado o melhor documentário pelo júri, por sua história de moradores de Nova Orleans que perderam suas casas devido ao furacão Katrina. "Não poderíamos ter previsto o desespero e indignação que sentimos" ao fazer o filme, disse Lessin, acrescentando que "disto tudo, surgiu uma história sobre sobrevivência e esperança."

O festival de Sundance, apoiado pelo Instituto Sundance, fundado por Robert Redford, é o principal evento para cineastas que trabalham fora dos principais estúdios de Hollywood. Seus premiados atingem as principais posições do cinema independente norte-americano.

Legenda: (DRM) Seleção Drama | (DOC) Seleção Documentário | (WDR) Seleção World Cinema: Drama | (WDC) Seleção World Cinema: Documentário
Por Bob Tourtellotte - Reuters

Sexo Explícito e...Gratuíto

2008-01-27T11:48:00.000-02:00

Park City (Dias 7-8): Estava demorando... O fetiche de certos cineastas em expor "zizi" e "zuzetes" na cara do público é muito comum em Festivais de cinema. Eles adoram polêmica. Adoram o choque do público. Adoram sexo! O público decide o que é proveitoso ou não. Sexo é bom e dentro do contexto é genial (Lembro de MENINOS NÃO CHORAM e A ÚLTIMA CÉIA). Mas exposto gratuitamente, como num balcão de açougue, não gera nada mais além de polêmica e pena.

DOWNLOADING NANCY dá aflição de ver. (Lembram dA PROFESSORA DE PIANO?). O filme envolve sadomasoquismo, automutilação e as ditas cenas. Tudo perfumaria para um filme que jamais deveria ter saído do papel. É realmente constrangedor. Para o público, para Maria Bello e para o cinema em geral.

Por outro lado, o sexo usado no contexto certo resulta em belíssimos filmes como MÁNCORA e THE MYSTERIES OF PITTSBURG. Ambos filmes jovens. Ambos de descoberta e formação. MÁNCORA é o segundo filme do estudante peruano de cinema, Ricardo de Montreuil, que já demonstra uma maturidade impressionante. Seu filme é leve, ousado e consistente. É um road-movie repleto de tensão sexual. Vejo como primeiro concorrente forte àquela loteria, que chamam de Oscar de Filme Estrangeiro. Já THE MYSTERIES OF PITTSBURG é uma adaptação do bestseller homônimo do vencedor do Pulitzer Michael Chabon (GAROTOS INCRÍVEIS)

E Amy Adams e Emily Blunt realmente prometem uma carreira promissora. Seu SUNSHINE CLEANING promete grande repercussão. Um argumento inusitado (Faxina de cenas de crime), elenco espetacular (Steve Zahn e Alan Arkin impagáveis), roteiro inteligente e direção precisa já indicam um provável "pequena miss sunshine" do ano. Torço para que seja verdade. As atrizes merecem.

O fenomêno da cidade

2008-01-26T09:09:00.000-02:00

Ontem estreou em circuito, O SIGNO DA CIDADE, novo filme de Bruna Lombardi (Roteiro) com Carlos Alberto Riccelli (Diretor). Cada ingresso custava apenas R$1,00 e o resultado se refletiu nas bilheterias. Ingressos esgotados e sessões lotadas em todos os cinemas onde foi exibido. Um verdadeiro golpe de mestre de marketing.

E como o filme é realmente bom, a repercussão deve ser enorme e a mais eficaz: A famigerada boca-a-boca. Curioso que MEU NOME NÃO É JOHNNY acaba de levar um milhão de pessoas ao cinema. Arrisco que O SIGNO DA CIDADE alcança essa marca e caminha para tornar-se um fenômeno como CENTRAL DO BRASIL, CIDADE DE DEUS e TROPA DE ELITE já foram um dia.

É só um começo, e O SIGNO DA CIDADE está longe se ser uma obra-prima, mas o público que saia a cada sessão depois de três, quatro horas de espera saia feliz e é isso que importa.

Uma bela homenagem à cidade de São Paulo. Um belo presente de aniversário. Um belo filme.

Crias de Shyamalan

2008-01-25T12:20:00.000-02:00

Park City (Dia 5-6): É impressionante a quantidade de filmes com ótimos argumentos, direções promissoras e atuações em destaque; desperdiçados por roteiros hediondos, mal escritos e, com tendências suicidas para soluções fáceis ou puro clichê. Infelizmente Sundance não ficou imune a isso. Nem o público...

Amy Redford, filha de Robert, estreou na direção de THE GUITAR. Um lacrimejante filme onde uma mulher em fase terminal de câncer na garganta resolve largar tudo para aprender a tocar guitarra (!). Muito Clichê. Muito sentimentos bons. Fadinhas pra lá. Fadinhas pra cá. Para mim, fica a lição: Nunca julgue o livro pela capa, ou um filme pelo pôster.

SMART PEOPLE é outra perola. Um engodo na verdade. O casting é um desastre. A escolha de Dennis Quaid, Sarah Jessica Parker, Thomas Haden Church e Ellen Page para o elenco não foi acertada e o filme, de boa premissa, cai no lugar comum.

Tudo bem... Os roteiristas estão em greve... Sei...

Por outro lado, Michael Keaton saiu do ostracismo, ocupando a vaga de diretor. E BEM! Seu filme THE MERRY GENTLEMAN promete ser um hit de bilheteria. Um suspense de primeira linha, claramente influenciado em Hitchcock e boa química entre Keaton e Kelly MacDonald.

Outro ator que se sai bem como diretor é Stanley Tucci. BLIND DATE é um gigantesco "monólogo a dois". Um encontro às escuras com dois grandes astros: Stanley Tucci e Patrícia Clarckson. O roteiro desliza de vez em quando, mas os atores seguram o filme impecavelmente.

Por fim, o grande destaque do ano, até agora, entre os indies. O eleito a "Miss Sunshine Juno" é THE WEACKNESS. Um delicioso filme de verão adolescente que promete arrematar grande público aos cinemas. Ben Kingsley rouba o filme. Lembrando que esteve também em TRANSSIBERIAN, a idéia de indicação ao Oscar 2009 não parece absurda.

SP454: Um só coração em 78 anos de cinema

2008-01-25T09:48:00.000-02:00

Nada de falar mal dos congestionamentos, da pressa ou da poluição do Tiête e do Pinheiros. Pelo menos hoje, aos 454 anos, São Paulo merece ser lembrada só pelo que tem de bom. E o que tem de bom não é pouco. Se não, o que teria atraído meio mundo para os Campos de Piratininga? Por isso, nesses 454 anos, SPOILER presta homenagem ao planeta São Paulo, através de 25 filmes temáticos que pulsaram eternamente em nossos corações...

"Fragmentos da Vida" (1929): Fotógrafo e um dos primeiros radialistas de São Paulo, o sorocabano José Medina dirigiu esse clássico do cinema mudo paulista, transportando para a capital a ação de um conto do americano O. Henry.

"São Paulo, a Sinfonia da Metrópole" (1929): Inspirados no documentário alemão "Berlim - Sinfonia da Cidade", os laboratoristas húngaros Rudolf Lustig e Adalberto Kemeny fizeram registro precioso do cotidiano nas ruas da cidade.

"Uma Pulga na Balança" (1953): Diretor de "Pato com Laranja", o italiano Luciano Salve realizou para a Vera Cruz essa comédia sobre um vigarista que engana madames paulistanas.

"Absolutamente Certo" (1957): A rotina dos "televizinhos" paulistanos num bairro popular, nos primórdios da TV, é descrita com bom humor nessa comédia de Anselmo Duarte sobre um programa de perguntas e respostas acompanhado por toda a cidade.

"O Grande Momento" (1958): Atores do Teatro de Arena estrelam esse precursor do cinema novo, em que o diretor Roberto Santos inspira-se no neo-realismo italiano para fazer crônica afetuosa de um casamento no Brás.

"Noite Vazia" (1964): A burguesia paulistana, protagonista de quase toda a obra de Walter Hugo Khouri, é tratada com frieza num de seus melhores filmes, sobre dois amigos que buscam o prazer e encontram o tédio e a frustração.

"São Paulo S/A" (1965): O clássico de Luiz Sérgio Person é o provável vencedor de qualquer disputa sobre o grande filme da cidade, ao mostrar as transformações pelas quais passava a metrópole (e o país) com a chegada das montadoras de automóveis e o avanço da industrialização.

"O Corintiano" (1966): Entre as comédias de Amácio Mazzaropi ambientadas na capital, esta merece destaque por homenagear um dos traços mais fortes da cultura paulistana, a infindável rivalidade entre os que amam se odiar: os corintianos e os palmeirenses.

"A Margem" (1967): Boa parte dos filmes de Ozualdo Candeias volta-se para os desvalidos da metrópole, como seu longa de estréia, em que moradores de favelas nas margens do Tietê lutam pela sobrevivência.

"O Bandido da Luz Vermelha" (1968): Talvez o único rival à altura de "São Paulo S/A" na disputa pelo título de "filme da cidade", o clássico de Rogério Sganzerla inspira-se livremente (e põe livre nisso) na vida do assaltante João Acácio Pereira da Costa.

"O Despertar da Besta" (1969/1982): Os personagens de José Mojica Marins também perambulam pela cidade. Nesse seu filme proibido pela censura mesmo depois de vários cortes, o tema central é a própria presença de Zé do Caixão no imaginário paulistano.

"O Rei da Noite" (1975): O submundo paulistano na primeira metade do século é recriado por Hector Babenco, em seu primeiro longa-metragem de ficção, para contar a trajetória de um cafetão que explora a amante, a "rainha da noite".

"Ato de Violência" (1980): A trajetória de Chico Picadinho, lendário assassino de mulheres, orienta o roteiro desse semidocumentário em que Eduardo Escorel investiga a mente de um psicopata.

"Pixote, a Lei do Mais Fraco" (1980): Começa em São Paulo a vida de um dos personagens mais célebres do cinema brasileiro. A de Fernando Ramos da Silva, a quem Hector Babenco deu o papel, termina em São Paulo também, como registra "Quem Matou Pixote?" (1996), de José Joffily.

"O Homem que Virou Suco" (1980): A presença nordestina em São Paulo ganha, no filme mais popular de João Batista de Andrade, homenagem à altura de sua importância e que toma o partido dos desfavorecidos em seu retrato da crueldade urbana.

"O Olho Mágico do Amor" (1981): A Boca do Lixo, região do centro que funcionou durante décadas como o coração da produção cinematográfica paulista, é homenageada por José Antônio Garcia e Ícaro Martins nessa comédia sobre uma inocente secretária que bisbilhota demais.

"Cidade Oculta" (1986): São Paulo como cenário do autor de HQs Will Eisner. Foi o que buscou o diretor Chico Botelho nesse policial soturno, com música e interpretação de Arrigo Barnabé.

"Anjos do Arrabalde" (1986): Quase ninguém fala de professores no cinema brasileiro, muito menos dos que trabalham na periferia. Aqui, o diretor Carlos Reichenbach preocupa-se com os problemas cotidianos de três professoras da rede pública paulistana.

"A Hora da Estrela" (1986): A semi-analfabeta nordestina Macabéa, antológica personagem de Clarice Lispector, vem em busca de vida nova para São Paulo, onde afinal encontra o destino previsto por uma cartomante, na adaptação dirigida por Suzana Amaral.

"Filme Demência" (1986): Entre os filmes paulistanos de Carlos Reichenbach, esse é o preferido do próprio diretor, que ele considera uma "resposta" a "São Paulo S/A", ou "uma leitura às avessas" do clássico de Person.

"Anjos da Noite" (1987): Um dos filmes paulistanos mais paradigmáticos dos últimos 20 anos, com dois crimes que servem de pretexto para a apresentação de personagens do submundo criados pelo diretor e roteirista Wilson Barros.

"A Dama do Cine Shangai" (1987): A cinefilia é o combustível do filme de Guilherme de Almeida Prado, que apresenta seus dois personagens principais em um velho cinema do centro e faz referência no título a "A Dama de Shangai", de Orson Welles.

"Sábado" (1994): Apenas em São Paulo poderiam mesmo se encontrar figuras que, durante a gravação de um comercial num prédio decadente do centro, são reunidas por Ugo Giorgetti em seu mosaico da diversidade social da cidade.

"O Invasor" (2001): Periferia e região nobre da cidade aproximam-se na fábula de Beto Brant e Marçal Aquino sobre um matador de aluguel decidido a entrar na vida dos empresários que o contrataram para eliminar o sócio.

"Urbânia" (2001): Moradores de cortiço, travestis e prostitutas são personagens registrados por Flávio Frederico em seu híbrido "docudrama" que usa também imagens de "São Paulo S/A".

Notas de Cão e Gato no Submundo

2008-01-25T08:39:00.000-02:00

A lenda do contrabandista de heroína, pai de família, assassino e líder cívico Frank Lucas foi contada pela primeira vez em um artigo da New York Magazine escrito há sete anos pelo jornalista Mark Jacobson. O produtor executivo Nicholas Pileggi, roteirista de CASSINO e OS BONS COMPANHEIROS, havia apresentado Jacobson a Frank Lucas, que contou pessoalmente ao jornalista sua impressionante ascensão e queda.

Fascinado pelo artigo de Jacobson, o produtor vencedor do Oscar® de Melhor Filme por UMA MENTE BRILHANTE Brian Grazer ofereceu o projeto de um longa-metragem sobre a vida de Frank Lucas à Imagine Entertainment e, em seguida, convidou o vencedor do Oscar® por Melhor Roteiro Adaptado por A LISTA DE SCHINDLER Steven Zaillian para escrever o enredo. Zaillian passaria meses em contato com Lucas e seu implacável perseguidor Richie Roberts a fim de dar forma a uma história que abrangeu décadas. Para Grazer e Zaillian, o interesse não era apenas em Lucas – que acumulou dezenas de milhões com o tráfico de drogas – mas também em Roberts, cujo próprio destino acabou emaranhado com o do criminoso.

O ator abordado para viver Frank Lucas foi o vencedor do Oscar® de Melhor Ator por DIA DE TREINAMENTO e Melhor Ator Coadjuvante por TEMPO DE GLÓRIA Denzel Washington. Inicialmente, Washington criou resistência em retratar um homem cuja ascensão ao poder significou a morte de tantas pessoas, mas depois ficou cativado pelo roteiro e aceitou interpretar o personagem principal.

Mas ele ainda esperaria alguns anos para levar o papel às telas pois, em 2004, antes de começar a filmar, a Universal Pictures suspendeu o desenvolvimento de O GÂNGSTER. O produtor Grazer conta: "Fiquei arrasado por uma semana. Mas ainda acreditava no filme." E, com determinação, ele conseguiu trazer o diretor Ridley Scott (GLADIADOR) para o projeto, reativando-o. "Fui em frente com toda minha energia e dedicação. Tinha levado o roteiro a Scott sete ou oito vezes, e ele sempre gostava dele, mas o timing nunca era certo. Dessa vez – a nona ou décima – ele disse ‘sim’", explica Grazer. O diretor pediu que Richie Roberts fosse vivido nas telas pelo vencedor do Oscar® de Melhor Ator por GLADIADOR Russell Crowe e que Denzel Washington retornasse ao projeto para viver Frank Lucas. "Brian me disse que tinha conseguido Ridley. Ele é um dos melhores diretores atualmente, não dá para recusar", conta Denzel Washington, que finalmente começaria a interpretar o homem que foi de ladrão de galinhas a rei do Harlem.

O ator conta como se preparou para viver esse polêmico criminoso visto tanto como mártir quanto assassino: "Entrei em um quarto com Frank, liguei o gravador e conversei com ele. Mas eu disse: ‘Não me conte nada que eu não precise saber. Não quero ter que depor’", diz Denzel Washington. "O que me intrigou na história foi que ela não glorifica um traficante de drogas, e eu disse isso a Frank quando nos conhecemos", acrescenta o ator, que escreveu a passagem bíblica Isaías 48:22 ("Não há paz para os ímpios, diz o Senhor") em seu roteiro para lembrar-se da jornada e busca por redenção de Lucas.

Quanto à sua visão do filme, Russell Crowe conta que ficou interessado na forma como a história de Zaillian capta o tempo e local de uma corrompida Nova York. A corrupção era tão comum na Unidade Especial de Investigação de Narcóticos (SIU) que, segundo o artigo do jornalista Mark Jacobson, “em 1977, 52 dos 70 agentes que trabalhavam na divisão estavam ou na prisão ou indiciados”. Roberts era exceção à regra, e Crowe admirou isso.

Com os dois protagonistas escolhidos, a produção passou a buscar atores para interpretar os mais de 30 papéis do elenco de apoio, desde a família de Frank Lucas – cujos verdadeiros nomes e parentescos foram mudados no filme – até os inimigos do criminoso. O irmão mais novo e braço direito de Lucas, Huey, foi vivido por Chiwetel Ejiofor. "Ele era o parceiro de Denzel em PLANO PERFEITO, então já tinham um ótimo relacionamento de trabalho", diz Grazer. Outros integrantes da família Lucas com papéis proeminentes no filme incluem dois músicos relativamente novos no cinema: o rapper Common (A ÚLTIMA CARTADA) como o irmão de Frank, Turner, e o artista emergente de hip-hop T.I. como o sobrinho de Frank, Stevie.

Scott ficou impressionado com a forma como eles se adequaram às demandas de um filme: "Parece que atuar é um passo natural depois de cantar." A matriarca da clã, Mama Lucas, é a lendária Ruby Dee (FAÇA A COISA CERTA, indicada ao Oscar pelo papel). A atriz que cresceu no Harlem observa: "A época de Frank Lucas que O GÂNGSTER aborda me parece mais uma memória do que um filme." Para viver Eva, ex-Miss Porto Rico que Lucas gentilmente seduz para a vida do crime e com quem se casa, Scott convidou Lymari Nadal. A porto-riquenha formada em Química antes de virar atriz conheceu Eva pessoalmente e diz: "Tentei transmitir a forma como ela vê a vida. O mais importante para ela, eu acho, é sua história de amor e o quanto podia comprar, ou quanto dinheiro podia ter."

No lado oposto da família de Frank Lucas, estão seus desafetos. O vencedor do Oscar® de Melhor Ator Coadjuvante por JERRY MAGUIRE – A GRANDE VIRADA Cuba Gooding, Jr. foi chamado para interpretar o maior rival de Lucas no tráfico de heroína, Nicky Barnes. O ator resume o apelo tanto de Barnes quanto de Lucas: "Eles eram vistos como duas celebridades. Hoje as celebridades são esportistas ou atores, mas, naquela época, eram traficantes." Caracterizando o mafioso do dia, Armand Assante interpreta Dominic Cattano, a "pedra no sapato" de Lucas que, como todo mundo, fica chocado ao ver que um negro conseguiu levar heroína pura e mais barata para as ruas. "Cattano é um homem poderoso que acredita que ele e seu negócio estão acima da lei e de qualquer concorrente", explica Assante. Outro problema para Lucas é o policial Trupo, interpretado por Josh Brolin (ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ). O ator ficou curioso em examinar a mente desse "criminoso com um distintivo" que deixava qualquer pessoa vender drogas nas ruas, desde que recebesse um pesado suborno.

O detetive policial Richie Roberts, ao contrário do agente Trupo, era rigoroso na luta contra o crime. Escolhido para chefiar a Unidade Especial de Investigação de Narcóticos do Condado de Essex, Roberts precisa formar um grupo de agentes tão espertos quanto os criminosos que eles perseguem. Para esses papéis, Scott e Grazer convidaram os veteranos John Hawkes e Yul Vazquez, assim como RZA, co-fundador do grupo de hip-hop Wu-Tang Clan. Hawkes, que vive o detetive Spearman, entendeu que a agência liderada por Lou Toback, interpretado pelo ator veterano Ted Levine, foi "uma precursora do DEA [Drug Enforcement Administration], uma das primeiras forças-tarefas federais anti-drogas."

Mas, enquanto a vida profissional de Richie Roberts decola, a pessoal desmorona. Carla Gugino vive Laurie, a mulher de Roberts que decide deixá-lo. "Ela tenta pensar que ele vai mudar, mas percebe que isso não acontecerá e resolve morar com a irmã em Las Vegas, levando com ela o filho do casal", conta a atriz.

Com o elenco principal escolhido, Scott, Grazer e o desenhista de produção Arthur Max (CRUZADA e GLADIADOR) iniciariam o detalhado processo de recriar o Harlem e Vietnã do final dos anos 60 e início dos 70. A tarefa era ambiciosa, mas para Scott nada parecia impossível, nem mesmo filmar em 152 locações diferentes com quase 100 atores interpretando papéis com falas. A idéia do diretor era, como ele explica, "fazer tomadas abertas para conseguir um panorama geral do Harlem". Usando principalmente câmeras móveis, o diretor de fotografia Harris Savides (ZODÍACO e ELEFANTE) seguiu o que Scott descreve como um estilo "guerrilha de filmagem". Savides encarou o desafio de trabalhar com a costumeira propensão do diretor em usar o recurso multicâmera e rodou quase todo o filme em locações reais. Já o desafio do desenhista de produção Max foi encontrar as partes de Nova York que ainda lembravam a cidade do início da década de 70.

Para Frank Lucas, filmar no Harlem foi uma viagem a seus dias de glória – apesar de nem todos os seus antigos vizinhos terem lhe dado boas-vindas de herói. No set praticamente todos os dias, Lucas ficava sentado em sua cadeira-de-rodas, cercado pela família e pela nostalgia. Já a sensação de Russell Crowe durante as filmagens, num verão de mais de 38 graus, foi bem diferente de "nostálgica". "Subi e desci escadas usando um jeans da Levi’s com modelagem dos anos 70 no calorão de Nova York", diz o ator, que acabou com a calça encharcada de suor e, como ele explica, "tão justa que podia prender a circulação".

Uma das maiores cenas do filme foi a recriação da primeira luta entre Muhammad Ali e Joe Frazier no Madison Square Garden. Filmada no Nassau Veterans Memorial Coliseum em Long Island, a arena de mais de 16 mil cadeiras foi preenchida com figurantes em roupas de época – muitos atuando como os famosos que estiveram presentes naquela noite histórica. "Levamos semanas até encontrar as pessoas certas para os sósias das celebridades", explica o diretor de elenco de figurantes Billy Dowd. "Fomos a agências de sósias de celebridades, colocamos anúncios na Show Business e Backstage, jornais e Internet. Alguns foram muito difíceis de encontrar; alguns simplesmente vieram até nosso escritório." O filho de Arthur Mercante, o árbitro daquela luta, fez o papel do pai nas filmagens. Se encontrar as pessoas certas para representar as celebridades foi um desafio, vestir quase mil figurantes foi um feito para a figurinista vencedora do Oscar® por GLADIADOR Janty Yates "Usamos fotos do evento e fizemos réplicas de muitos trajes", explica Yates. "Percorremos Nova York em busca de smokings e vestidos de festa daquela época."

Além da cena da luta, foi também em Long Island que uma casa serviu de locação para o lar de Dominic Cattano. Já a real locação da suntuosa casa que Lucas compra para a mãe e da fazenda da família na Carolina do Norte foi o subúrbio Briarcliff Manor, a uma hora de Manhattan. E, quando as filmagens nos Estados Unidos terminaram, a produção viajou para o norte da Tailândia onde, a aproximadamente duas horas da cidade de Chiang Mai, foram filmadas cenas da viagem de Lucas aos campos ricos em ópio do Triângulo Dourado – interseção entre Burma, Tailândia e Laos. A equipe do desenhista de produção Max montou uma tradicional vila tailandesa e um celeiro de arroz no meio do campo de amendoim para representar o centro de processamento de ópio onde Lucas fecha seus primeiros acordos com fornecedores militares de drogas, permitindo que o criminoso compre diretamente da fonte e leve para os EUA quilos de heroína em fundos falsos de caixões que transportavam corpos de soldados.

Quanto à trilha sonora de O GÂNGSTER, o diretor Scott e o produtor Grazer buscaram músicas que representassem a realidade do mundo de Frank Lucas. "Queria que o filme trouxesse canções de lado-B de discos da época", diz Grazer. Ainda na área musical, depois de ver uma exibição inicial do filme, Jay-Z, astro do rap e presidente da Def Jam Records, ficou tão emocionado com o retrato de Denzel Washington como Frank Lucas que criou músicas inéditas inspiradas em suas próprias experiências passadas como bandido e traficante, uma vida de alguma forma paralela à do gângster Lucas dos anos 70. O trailer do filme já estava usando "Heart of the City", uma música mais antiga de Jay-Z, quando ele tomou essa decisão.

Com a filmagem principal, edição e trilha sonora finalizadas, a equipe e elenco de O GÂNGSTER chegam ao fim de uma jornada que teve início com um jovem humilde da Carolina do Norte que alcançou grande poder na cidade de Nova York. Sobre o que espera em relação ao público, o diretor do filme Ridley Scott diz: "Espero que se sinta completamente envolvido com esses dois grandes atores e com a forma como eles nos levam ao mundo dos dois personagens."

Cortesia da Paramount Pictures

Entrevista | Michael Keaton

2008-01-25T08:12:00.000-02:00

Cloverfield devora as bilheterias

2008-01-25T08:00:00.000-02:00

A bela e a fera fizeram as bilheterias do final de semana parecerem mais com o verão norte americano do que o meio do inverno quando CLOVERFIELD da Paramount desfrutou de uma estréia monstruosa de US$ 41 milhões - a melhor estréia de janeiro de todos os tempos - e a comédia romântica da 20th Century Fox VESTIDA PARA CASAR caiu como uma luva e atingiu US$ 22,4 milhões.

A Paramount de Brad Grey precisava de um sucesso próprio e CLOVERFIELD mais do que cumpriu com este papel. O inovador filme de monstro, produzido com um baixo orçamento de US$ 25 milhões, representa a décima melhor estréia de todos os tempos do estúdio.

Com o feriado de Martin Luther King Jr. celebrado em quatro dias em um final de semana, a Paramount e a Fox estão contando com o fato de que o dia de hoje deverá também gerar uma boa arrecadação nas bilheterias. CLOVERFIELD está sendo exibido em 3.411 salas de cinema, e VESTIDA PARA CASAR em 3.057.

Não há precedentes de dois filmes terem estreado tão bem no mesmo final de semana nesta época do ano, mesmo considerando o final de semana estendido por causa do feriado de Martin Luther King Jr. Os estúdios podem alcançar sólidos negócios durante o mês, mas nenhum deles já viu em um mês de janeiro a assombrosa arrecadação desfrutada por CLOVERFIELD.

VESTIDA PARA CASAR apresentando a estrela de "Grey's Antomy" Katherine Heigl e James Marsden, é o oitavo melhor lançamento de janeiro de todos os tempos, destacando o que a competição entre grandes filmes pode trazer de sucesso para as bilheterias. Da mesma forma que em CLOVERFIELD, o orçamento de VESTIDA PARA CASAR também foi modesto, custando às parceiras Fox 2000 e Spyglass Entertainment um pouco menos de US$ 30 milhões para produzi-lo.

O outro grande lançamento do final de semana foi o filme estrelado por Diane Keaton, Queen Latifah e Katie Holmes LOUCAS POR AMOR, o primeiro filme distribuído pela Overture Films, de Chris McGurk e Danny Rosett. A comédia policial feminina arrecadou cerca de US$ 7,7 milhões de 3.126 salas, conquistando a posição No. 6 na semana.

No total, a bilheteria doméstica apresentou o grande aumento de 19% em comparação com o final de semana do feriado de Martin Luther King Jr. de 2007, quando o filme O PODER DO RITMO da Sony, estreou com US$ 21,8 milhões, conforme as estimativas da Media by Numbers.

CLOVERFIELD aniquilou todas as expectativas. A Paramount tinha receio de que VESTIDA PARA CASAR iria atrair todas as mulheres jovens, porém um número mais do que suficiente escolheu assistir CLOVERFIELD.

CLOVERFIELD não poderia ter aparecido em melhor hora para Grey, cujo estúdio dependia por demais dos títulos da DreamWorks para alimentar seu desempenho do ano passado, enquanto a maioria de seus títulos próprios foram fracos nas bilheterias domésticas. Grey e sua equipe sempre disseram para aqueles que duvidavam que 2008 será um ano muito mais forte para própria Paramount.

O desempenho do filme é outro ponto positivo para Abrams, que tem uma negociação lucrativa de primeira opção de filme com a Paramount. O produtor está revivendo a franquia JORNADA NAS ESTRELAS para o estúdio.

Este desempenho também reflete o sucesso da campanha viral de mercado de CLOVERFIELD, uma campanha que incluiu manter o nome e a trama do filme em segredo por meses.

"Acho que este filme define o que queremos fazer na Paramount. Este é um filme que correu um grande risco criativo", disse o Vice Presidente da Paramount, Rob Moore. "Nós realmente queríamos trabalhar com J.J. e sua equipe, que apresentaram uma execução realmente criativa. E as equipes de marketing e distribuição conseguiram executar uma excelente campanha".

CLOVERFIELD não apresenta nenhum grande astro e foi filmado para parecer com um vídeo caseiro. A maior parte do orçamento da produção foi usada em efeitos especiais.

Excluindo-se o relançamento em janeiro de 1997 de GUERRA NAS ESTRELAS, cujo final de semana de estréia arrecadou US$ 35,9 milhões, o detentor anterior do recorde de melhor estréia de janeiro foi VOVÓZONA 2, que estreou com US$ 27,73 milhões, em janeiro de 2006. QUERO FICAR COM POLLY - que estreou no feriado de Martin Luther King Jr. em 2004 - veio depois com US$ 27,72 milhões.

Da Revista Variety - Cortesia da Paramount Pictures

Premiere | In Bruges

2008-01-23T20:01:00.000-02:00

Heath Ledger é encontrado morto em Nova York

2008-01-22T20:32:00.000-02:00

O ator australiano Heath Ledger, de O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN, foi encontrado morto em seu apartamento em Nova York, segundo informação dada pela polícia da cidade à CNN. Há indícios de que a morte estaria relacionada ao uso de drogas. Segundo o site da NBC, o corpo do ator estava rodeado de pílulas.

Com apenas 28 anos, Ledger era considerado um dos principais atores de sua geração. Além de BROKEBACK MOUNTAIN, pelo qual foi indicado ao Oscar, ele participou de filmes como O PATRIOTA, A ÚLTIMA CEIA (em que fazia o papel do filho suicida do personagem de Billy Bob Thornton), OS REIS DE DOGTOWN, CASANOVA e NÃO ESTOU LÁ (no qual interpretou Bob Dylan) e o inédito THE DARK KNIGHT (novo filme do Batman, em que faz o papel de Coringa).

De Agências Internacionais

Oscar 2008

2008-01-22T12:49:00.000-02:00

80º Annual Academy Awards

Lista Oficial de Indicados e Repercussão no SPOILER PREMIUM!!!

5º prêmio spoiler de cinema e blog

2008-01-22T10:19:00.000-02:00

Melhor Filme
ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ | Paramount Classics
SANGUE NEGRO | Paramount Vantage Pictures
CONDUTA DE RISCO | Warner Bros. Films
JUNO | Fox Searchlight Pictures
NA NATUREZA SELVAGEM | Paramount Vantage

Melhor Diretor
Ethan & Joel Coen | ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ
Julian Schnabel | O ESCAFANDRO E A BORBOLETA
Paul Thomas Anderson | SANGUE NEGRO
Sean Penn | NA NATUREZA SELVAGEM
Tony Gilroy | CONDUTA DE RISCO

Melhor Ator
Daniel Day-Lewis | SANGUE NEGRO
George Clooney | CONDUTA DE RISCO
Viggo Mortensen | SENHORES DO CRIME
Johnny Depp | SWEENEY TODD
Emile Hirsh | NA NATUREZA SELVAGEM

Melhor Atriz
Julie Christie | LONGE DELA
Marion Cotillard | PIAF
Ellen Page | JUNO
Angelina Jolie | O PREÇO DA CORAGEM
Cate Blanchett | ELIZABETH: A ERA DO OURO

Melhor Ator Coadjuvante
Javier Bardem | ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ
Casey Affleck | O ASSASSINATO DE JESSIE JAMES PELO COVARDE ROBERT FORD
Tom Wilkinson | CONDUTA DE RISCO
Hal Holbrook | NA NATUREZA SELVAGEM
Philip S. Hoffman | JOGOS DO PODER

Melhor Atriz Coadjuvante
Amy Ryan | MEDO DA VERDADE
Cate Blanchett | I´M NOT THERE
Tilda Swinton | CONDUTA DE RISCO
Catherine Keener | NA NATUREZA SELVAGEM
Saoirse Ronan | DESEJO E REPARAÇÃO

Melhor Roteiro Original
JUNO
CONDUTA DE RISCO
THE SAVAGES
LARS AND THE REAL GIRL
RATATOUILLE

Melhor Roteiro Adaptado
ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ
O ESCAFANDRO E A BORBOLETA
SANGUE NEGRO
NA NATUREZA SELVAGEM
DESEJO E REPARAÇÃO

Melhor Direção de Arte
SWEENEY TODD
SANGUE NEGRO
DESEJO E REPARAÇÃO
ELIZABETH: A ERA DE OURO
A BÚSSOLA DE OURO

Melhor Fotografia
SANGUE NEGRO
O ESCAFANDRO E A BORBOLETA
ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ
O ASSASSINATO DE JESSIE JAMES PELO COVARDE ROBERT FORD
DESEJO E REPARAÇÃO

Melhor Figurino
SWEENEY TODD
DESEJO E REPARAÇÃO
ELIZABETH: A ERA DE OURO
PIAF
OS INDOMÁVEIS

Melhor Edição
ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ
CONDUTA DE RISCO
O ÚLTIMATO BOURNE
SANGUE NEGRO
NA NATUREZA SELVAGEM

Melhor Maquiagem
PIAF
SWEENEY TODD
300

Melhor Trilha Musical
DESEJO E REPARAÇÃO
LUST, CAUTION
RATATOUILLE
SANGUE NEGRO
O CAÇADOR DE PIPAS

Melhor Mixagem de Som
TRANSFORMERS
ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ
O ÚLTIMATO BOURNE
SWEENEY TODD
300

Melhor Edição de Som
TRANSFORMERS
RATATOUILLE
PIRATAS DO CARIBE NO FIM DO MUNDO
300
O ÚLTIMATO BOURNE

Melhor Efeitos Visuais
TRANSFORMERS
A BÚSSOLA DE OURO
PIRATAS DO CARIBE NO FIM DO MUNDO

Melhor Canção
"Guaranteed" | NA NATUREZA SELVAGEM
"Falling Slowly" | ONCE
"That's How You Know" | ENCANTADA
"Come So Far (Got So Far to Go)" | HAIRSPRAY
"Do You Feel Me?" | O GANGSTER

Melhor Filme de Animação
RATATOUILLE
OS SIMPSONS
PERSEPÓLIS

Melhor Filme Estrangeiro
4 MESES, 3 SEMANAS E 2 DIAS | Romênia
O ORFANATO | Espanha
THE COUNTERFEITERS| Áustria
O ESCAFANDRO E A BORBOLETA | França
LUST, CAUTION | Taiwan

Melhor Documentário em Longa-Metragem
SOS SAÚDE
NO END IN SIGHT
LAKE OF FIRE
TAXI TO THE DARK SIDE
NANKING

Melhor Documentário em Curta-Metragem
FREEHELD
SARI´S MOTHER
OCHBERG´S ORPHANS

Melhor Animação em Curta-Metragem
EVERTHING WILL BE OK | Bitter Films
YOUR FRIEND THE RAT | Pixar Animation Studios
HOW TO HOOK UP YOUR HOME THEATER | Walt Disney Animation
MY LOVE | Aleksandr Petrov
THE PEARCE SISTERS | Aardman Animations

Melhor Curta-Metragem
THE KEY TO RESERVA
DOG TOGETHER
LAMPA CU CACIULA
HESITATION
SALIVA

Melhor Elenco
ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ
HAIRSPRAY
ANTES QUE O DIABO SAIBA QUE VOCÊ ESTÁ MORTO
JUNO
OS INDOMÁVEIS

O dia depois de amanhã...

2008-01-21T08:37:00.000-02:00

Pequena pausa em Sundance para o anúncio oficial do Oscar, amanhã, direto e ao vivo de Los Angeles, a partir das 11h30 (Horário de Brasilia) no Spoiler Premium. O site está publicando, especialmente, a perspespectiva completa de cada indicado em todas as categorias, inclusive as de curta-metragem.

E também amanhã, o anúncio oficial dos indicados ao 5º Prêmio Spoiler de Cinema, direto e ao vivo de São Paulo, a partir das 10hs (Horário de Brasilia), aqui, no Spoiler News.

E depois de amanhã, Aqui: Sundance e Berlim - e no Premium, a analíse inédita, precisa e exclusiva, de todos os indicados, filme por filme, categoria por categoria. Imperdível!

O "Spoiler Premium" está oficialmente credenciado junto à Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood

Terra Fria

2008-01-20T15:30:00.000-02:00

Park City (Dia 4): Foi um dia frio, de sentimentos congelados, relações mal-resolvidas e paisagens brancas. Os filmes de hoje não foram nada felizes. Não reclamo das fitas em si que afinal foram ótimas, mas do tema abordado. Um gigantesco vácuo emocional, onde nada sobrevive e por onde se olha se vê desespero e neve.

BALLAST (em bom português: lastro - algo que dá equilíbrio) é impiedoso com o público. Narra um suicídio que desencadeia um armaggedon na vida de três pessoas. A montagem é pontual. Som ambiente. Sem musica. Personagens falam. Menos por palavras. Mais pela linguagem corporal. É um filme triste. Impactante e desolado.

Igualmente trágico é FROZEN RIVER em competição. A atriz Melissa Leo encabeça um senhor dramalhão pelos rios congelados de St. Lawrence. Mais neve, mais lágrimas. Nada consola.

Por fim, TRANSSIBERIAN, um típico conto de Agatha Christie encabeçado por um elenco muito bem afiado: Woody Harrelson, Emily Mortimer, Kate Mara e Ben Kingsley. Uma trama de suspense, mistério e assassinato num dos maiores mitos ferroviários do planeta. O Transsiberiano. Preparem a pipoca que vejo hit de bilheteria e crítica a caminho...

Lembrando que todos os filmes citados, têm crítica completa no SPOILER MOVIES, sob o marcador de (SUNDANCE´08).

Perfume de Oscar

2008-01-19T16:07:00.000-02:00

Park City (Dia 3): Paira no ar de Sundance, o aroma genuíno e adocicado do Oscar. Particularmente, não sinto nada, já que meu nariz caiu congelado em algum lugar. Mas os rumores nesse dia escaldante (10º nos termômetros) já se espalham em favor de alguns atores e roteiros. É cedo, mas o OSCAR 2009 já começa a se desenhar...

THE YELLOW HANDKERCHIEF sai na frente. É um genuíno filme de ator. Com todas as fragrâncias consideradas numa premiação: road-movie, roteiro enxuto e retorno triunfal de atores esquecidos. William Hurt e Maria Bello já despontam como favoritos a um possível Oscar. Ele como ator. Ela como coadjuvante. O "buzz" já começou e é avassalador como o Katrina foi. O road-movie se passa em Nem Orleans, uma região rasgada pelo intenso furacão que aparentemente tudo levou, exceto essa humanizante estória.

BE KIND REWIND é até agora o melhor filme do Festival. A originalidade de Gondry não tem limites e a parceria com Jack Black está afiadíssima. Uma comédia em toda a sua essência com todas as credenciais de Oscar de Roteiro Original. Jack Black, se não fosse comediante, poderia carimbar também uma passagem para o Oscar 2009. Mas certamente é finalista ao Globo de Ouro de Comédia.

Por fim, GOOD DICK estreou sem grande alarde. É um indie genuíno, uma fábula feminista bem ousada, mas que descamba para um final previsível.

Sim! Nós amamos os independentes!

2008-01-18T11:23:00.000-02:00

Park City (Dia 2): Geoffrey Gilmore, o cabeça de Sundance, introduziu IN BRUGES dizendo: "Sim! Sundance celebra os filmes independentes!", e ainda acrescentou: "IN BRUGES é brutal, filosófico, engraçado, completamente original".

Ok...IN BRUGES desperta alguns risos, têm uma boa historinha e personagens que poderiam muito bem dormir no limbo da minha memória - Inclusive a gigantesca taturana que Colin Farrel insiste em chamar de sobrancelha. E pensar que o Festival, em melhores momentos teve CHICAGO 10 e SEXY BEAST na abertura. Saudades...

Agora de manhã, pude conferir JUST ANOTHER LOVE STORY, um estiloso filme noir dinamarquês. Pelo menos essa foi a pretensão do diretor que se esforçou muito na execução e esqueceu de revisar o roteiro...Um gigantesco universo de clichês por fotograma. Deu pena, o filme não é tão ruim, mas poderia ser melhor.

Colin Farrell entra no mundo de Woody Allen

2008-01-18T09:40:00.000-02:00

Park City (Dia 1): Colin Farrell, o notório terror das mulheres de Hollywood, tem uma nova paixão. "Eu tenho um filho e muitas pessoas acham que ele se parece comigo. Carinha de sorte", ele diz com orgulho. E deixa escapar uma sonora gargalhada irlandesa.

Mas nem sempre foi fácil para o ator de 31 anos rir: ele e sua namorada, a modelo Kim Bordenave, são pais de James Padraig Farrell, 4 anos, que sofre de uma rara desordem neuro-genética chamada Síndrome de Angelman, que prejudica a fala e a capacidade motora.

No ano passado James deu seus primeiros passos. "Não havia nenhum olho seco na casa", conta o ator. "Ultimamente ele tem se saído muito bem e está maravilhoso. Meu menino está em grande forma. Ele é um menino feliz e, se puder dizer honestamente que seu filho é feliz, então você é um sujeito de muita, muita sorte."

Em outras palavras, o bad boy de Hollywood está um pouco mais caseiro, apesar de em certos momentos ainda não saber ao certo onde é sua casa. Mas Farrell continua sendo um dos atores mais ocupados do cinema. Ele atua com Brendan Gleeson no previsto IN BRUGES, mas seu atual filme, com estréia nos Estados Unidos é CASSANDRA´S DREAM de Woody Allen, co-estrelado por Ewan McGregor.

Eles interpretam Terry (Farrell) e Ian (McGregor), irmãos que estão
desesperados por dinheiro. Quando um tio rico lhes promete uma riqueza
incalculável, ficam empolgados - até saberem que receberão o dinheiro apenas se matarem um empresário que planeja testemunhar contra o tio deles. Terry, o irmão mais novo, não quer fazê-lo, enquanto Ian está mais disposto a fechar o acordo. Os irmãos decidem aceitar mas, como nem é preciso dizer, surgem complicações.

Quando recebeu a oferta de trabalhar com Woody Allen, lembra Farrell, ele não pensou duas vezes. "Woody é um daqueles diretores que, se você olhar para o corpo de sua obra, você reza para que algum dia receba um telefonema para trabalhar com ele", diz o ator. "Se você tem a oportunidade de fazer parte de uma de suas histórias, você tem muita sorte."

Geralmente Allen não permite que seus atores leiam o roteiro completo, os limitando às cenas em que aparecem. Mas não foi assim desta vez. "Eu li a coisa toda", disse Farrell, "assim como Ewan. Nós nos sentimos orgulhosos, porque ele fez isso com apenas poucos atores".

Farrell já interpretou mais que sua cota de atiradores em filmes como O NOVATO (2003), S.W.A.T. (2003) e MIAMI VICE (2006), de forma que interpretar um jovem que está relutante em matar, apesar disso significar a realização de todos os seus sonhos, foi uma novidade interessante.

"Este é um homem que tem um pouco de problema com apostas", adianta Farrell. "Ele se mete em alguns problemas sérios, mas tem bom coração. Ama sua namorada e quer comprar uma casa para eles. Então, lhe é oferecida esta oportunidade de sair de suas dívidas, mas somente se cometer um assassinato."

"É um grande pecado para ele", avalia o intérprete. "A realidade do que acontece o lança nesta fase de culpa e depois iluminação. Ele aprende uma dura lição depois de cometer um ato horrendo, e é interessante ver a queda desse homem."

"Ele está lidando com a pressão de seu irmão, que deseja fazer aquilo",
acrescenta o ator. "Este é um homem que não confia em si mesmo e sempre olha para seu irmão, pais ou namorada em busca de apoio. O apoio de seu irmão lhe permite fazer algo terrível. Mas então há aquele momento de 'O que eu fiz? Posso voltar atrás? Minha vida mudará para sempre?'"

Trabalhar com Allen foi tudo o que ele esperava, diz Farrell. "Eu adorei como ele dirige de forma econômica. Woody escala seus filmes de acordo e então fica fora do caminho do ator. Ele também não é intrusivo como pessoa. Ele apenas fica de lado e então fica empolgado por não ter imposto sua vontade aos atores. Ele fica empolgado em ver o que o ator tem a oferecer."

Farrell passou seis semanas filmando em Londres com Allen, McGregor e o que chama de "equipe pequena e unida". "Foi um período adorável. Um dos mais tranqüilos da minha vida."

Quase todas suas cenas foram compartilhadas com McGregor, com quem sentiu afinidade. "Nós passamos uma semana juntos, antes do início das filmagens, apenas conversando sobre sonhos partidos e ambições. Conversamos sobre como Ewan interpretaria o irmão mais ambicioso e com idéias grandiosas. O meu sujeito era uma pessoa de hábitos simples. Ele quer uma vida simples com sua garota."

Pode parecer improvável, dado ter passado grande parte dos últimos anos no centro das atenções em Hollywood, mas Farrell insiste que também é uma pessoa de hábitos simples.

"Eu curti ser famoso. Ri um bocado quando todas as câmeras se voltaram
para mim. Mas a fama nunca foi minha intenção quando decidi me tornar ator. Eu não acho que teria paciência para estar nesse negócio mesmo que por um mês se estive perseguindo algo tão esquivo como a fama."

"Os holofotes e toda a atenção me confundiram desde o início. Ao mesmo
tempo, eu considerei esclarecedor ver como é possível uma pessoa passar de ninguém a alguém que é perseguido pela imprensa em um período tão curto."

Ultimamente, ele acrescenta, o brilho dos holofotes diminuiu um pouco. "Os paparazzi têm me deixado mais em paz porque, francamente, eu não saio muito. Se eu saio, eles são intrusivos como sempre. Mas eu não cortejo a atenção. Eu a ignoro."

"Há prós e contras em tudo", suspira, "e eu tenho uma boa vida. Se quisesse evitar a imprensa, eu poderia abandonar esta profissão. Eu poderia parar de fazer o que faço. Mas eu adoro atuar. Isso não significa que fique contente com as invasões à minha vida."

Desde que o natural de Dublin, filho de um jogador profissional de futebol, apareceu no papel principal em TIGERLAND (2000), um drama sobre a Guerra do Vietnã dirigido por Joel Schumacher, ele esteve em alguns sucessos mas também em alguns fracassos, como ALEXANDRE (2004) e MIAMI VICE.

O ator diz não se incomodar. "Mesmo quando a bilheteria deixa a desejar, você fez um filme e tira dele algo que é benéfico para você como pessoa e como ator. Veja este novo filme do Woody Allen: eu interpreto um personagem que não tem nenhuma aspiração heróica. Ele é apenas um sujeito comum, tentando viver sua vida, como tantas pessoas todo dia. Há lições nestas metas para mim, porque isto é tudo o que a maioria de nós deseja diariamente."

Com lançamento previsto para fevereiro, IN BRUGES de Martin McDonagh é um drama/comédia no qual Farrell e Gleeson são dois matadores de Londres presos na cidade belga de Bruges, após um trabalho particularmente perigoso. "Eles estão se escondendo e a jornada deles os conduz por esta cidade."

Desde que tomou a difícil decisão de reconhecer publicamente os problemas do filho, Farrell recebeu uma enxurrada de cartas o agradecendo por chamar a atenção para este mal devastador. Diferente da perseguição dos paparazzi, o ator aprecia esta forma de atenção pública.

"As pessoas são compreensivas", ele diz baixinho. "Muitas pessoas me contataram depois de lerem sobre meu filho e me deram bastante consolo durante um momento difícil. Mas agora meu filho está se saindo muito bem. Ele está fazendo coisas. Eu estou realmente orgulhoso dele."

>>>Leia a crítica de CASSANDRA´S DREAM
>>>Leia a crítica de IN BRUGES

Por Ian Spelling - Hollywood Watch

No submundo do suburbios

2008-01-17T15:32:00.000-02:00

Park City (Dia 1): Sabem como é 1ºC? Primeiro a sensação de que estão te arrancando a pele, depois que o nariz vai cair, porque parece não estar mais no lugar certo. Depois bate o desespero de entrar no primeiro negócio aberto, para se esquentar um pouco. Dizem que passa, que melhora... Ok... Eu acredito... Mas enfim, PARK CITY é uma cidade pitoresca e os cinemas aparentemente se concentram ao longo de uma avenida principal. É definitivamente o sonho de qualquer cinéfilo.

DIÁRIO DOS MORTOS é um típico filme de zumbi. Melhor, um típico filme de George Romero: Terror com consciência social. Como filme do gênero, é mais do mesmo. A diferença é que Romero têm contéudo e enquanto os adolescentes se deleitam com miolos e corre-corre, nós seres pensantes, podemos filosofar um pouco sobre o estado da sociedade americana.

NOTHING IS PRIVATE é um soco no estomâgo. É um filme forte e estupidamente chocante que com certeza vai dividir opiniões. Particularmente ainda estou entorpecido com o roteiro, o elenco, a história...Se sobreviver, além das cenas de sexo, dá Oscar de Roteiro...

Por fim, uma estupenda comédia francesa no melhor estilo Abbott & Costello: I ALWAYS WANTED TO BE A GANGSTER. Divertidíssima e completamente inusitada para os dias atuais, afinal é um filme mudo...Sem problemas, o elenco está espetacular e conversa fiada nem faz falta.

Godzilla Unplugged

2008-01-16T20:38:00.000-02:00

Se fizessem um BRUXA DE BLAIR com monstros, o resultado seria CLOVERFIELD! O filme de monstro do século que Spoiler já assistiu!

>>>Leia a crítica (sem spoilers) e veja o trailer!

Cortesia da Paramount Pictures

Caçada aos Ursos Dourados

2008-01-16T16:08:00.000-02:00

Berlim: O Festival Internacional de Cinema de Berlim divulgou, semana passada, a lista oficial de filmes em competição ao Urso de Ouro (e Prata) que ocorre entre 07 e 17 de Fevereiro. Eis os 17 filmes escolhidos:

O júri será presidido pelo diretor grego Konstantinos Costa-Gavras, 74. Ufanismos à parte, TROPA DE ELITE têm concorrentes de peso pelo Urso de Ouro como Mike Leigh, Isabel Coixet, Errol Morris, Johnnie To e Andrzej Wajda. SANGUE NEGRO, de PT Andeson pode surpreender, turbinado com a expectativa dos Oscars 2008.

E pela primeira vez na história, a mostra oficial abre com um documentário: SHINE A LIGHT, de Martin Scorsese. O filme reúne uma equipe de câmeras para captar a energia dos Rolling Stones em duas apresentações, em outubro e novembro de 2006, no Beacon Theatre de Nova York. Com muito material filmado, que inclui imagens de arquivo exclusivas, gravações atuais e entrevistas realizadas nos bastidores, Scorsese, ao lado de Errol Morris é o grande contender ao Oscar 2009 de Melhor Documentário.

Outro grande acontecimento da Berlinale será a homenagem ao cineasta espanhol Luis Buñuel com a exibição de seus 32 filmes, além de outros nos quais trabalhou como produtor ou roteirista. Destaque também para o cineasta italiano Francesco Rosi que será homenageado com um prêmio pela carreira e um ciclo de 13 filmes, incluindo o premiadíssimo O CASO MATTEI de 1972.

O Spoiler News cobre o Festival na íntegra, direto de Berlim. As críticas serão publicadas no Spoiler Movies sob o label (BERLIM'08).

Notas de Natureza Selvagem

2008-01-16T11:29:00.000-02:00

Publicado em 1998, o livro de Jon Krakauer "Na Natureza Selvagem" atraiu leitores de diferentes estilos interessados em saber mais sobre a vida e morte de Christopher McCandless, jovem que abdicou de sua riqueza e identidade (adotando o nome “Alexander Supertramp”) a fim de tentar encontrar o verdadeiro significado de liberdade.

Quando Sean Penn viu o livro, teve uma reação imediata e forte. "Li a obra do início ao fim duas vezes antes de ir dormir. Então, no dia seguinte, acordei e fui logo ver se conseguia obter os direitos. Considerei a história profundamente cinematográfica em relação aos personagens e às paisagens", conta o ator e diretor. Mas, ainda profundamente sentidos e tentando recuperar-se do falecimento do filho, os McCandless – que foram abordados não só por Penn, mas por uma série de diretores – não tomaram nenhuma decisão. "A família não estava pronta para permitir que o filme fosse feito, mas Sean, muito empolgado, manteve-se em contato com eles", lembra o produtor Bill Pohlad (O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN). Dez anos depois da primeira tentativa de Penn em obter os direitos, finalmente o telefone tocou. "Eles me ligaram do nada e disseram que estavam prontos. Eu honestamente não sei por que mudaram de idéia, mas mudaram", diz Penn. O autor Jon Krakauer acredita saber a razão dessa escolha: "Há algo em Sean que é muito direto, você acredita nele porque sabe que ele conta as coisas como elas são", diz o escritor.

Alguns anos antes da decisão dos McCandless, Penn já tinha o roteiro “escrito” em sua mente, mas foi apenas depois do aval da família que ele se dedicou concretamente à adaptação. "Quando sentei para redigir o primeiro capítulo, dez anos tinham se passado desde que eu lera o livro. Mas não precisei relê-lo. Simplesmente escrevi o que estava na minha cabeça", ele diz. "Depois, li o livro novamente, prestando mais atenção nos detalhes, e precisei colher algumas informações para ir em frente. No capítulo seguinte, caí na estrada, seguindo os passos de Chris", diz Penn, que teve difíceis e íntimas conversas com a família McCandless, especialmente com a irmã do rapaz, Carine. O diretor também encontrou-se com muita gente que conheceu Chris durante o período da viagem. "Todos tinham algo útil a dizer", comenta.

Mais tarde, Penn chegou até mesmo a contratar Wayne Westerberg – de quem Chris tornou-se amigo na Dakota do Sul e que na tela é interpretado por Vince Vaughn para trabalhar como consultor e motorista de caminhão durante a produção de NA NATUREZA SELVAGEM. A fim de acomodar todas as informações que reuniu durante a pesquisa e que desejava passar para a tela, Penn dividiu a estrutura do roteiro em uma série de capítulos, mantendo-se fiel à jornada de dois anos de Chris McCandless. E a idéia de levar autenticidade ao filme marcou o estilo da produção, que mistura visuais épicos e emocionantes com um realismo mais cru, quase como um documentário.

Quando chegou a hora de escolher o elenco, Sean Penn buscou para o papel principal um ator com um idealismo tão franco quanto o de Chris McCandless, e também alguém que lembrasse fisicamente o carismático jovem visto nas fotografias deixadas para trás. Ele encontrou todas essas qualidades no jovem ator Emile Hirsch, com quem passou a se encontrar por um período de quatro meses, de certa forma o testando e confirmando a intensidade de sua dedicação. O diretor explica: "Eu sabia que Hirsch podia interpretar o papel, mas a questão era: ele conseguiria fazer isso todos os dias por oito meses sob duras condições? E estaria disposto a amadurecer, indo de garoto para homem, durante a produção e na tela? Finalmente, dissemos: ‘É, vamos em frente’, e ele saiu-se muito bem."

Para o ator, as cenas no Alasca foram uma prova-de-fogo e o levaram a seus limites – de maneira que Chris McCandless provavelmente apreciaria. No primeiro dia de Hirsch no Alasca, Sean Penn o fez subir ao topo de um morro bastante íngreme e tomado por neve em condições similares àquelas encaradas por McCandless. Quando outros integrantes da equipe tentaram ajudar Hirsch, Penn os impediu. "Acho que ele queria me testar para ver se eu realmente estava pronto a encarar a natureza", reflete o rapaz.

Tornando tudo ainda mais desafiador, o ator precisou começar as filmagens 18 quilos abaixo de seu peso, ostentando menos de 52 quilos nas últimas cenas do filme. (As seqüências do Alasca foram filmadas no início do projeto, já que ganhar peso é um processo bem mais rápido que perder.) Ao longo da evolução das filmagens, Hirsch encontraria mais forças, indo do Alasca para o forte calor do Lago Mead e então ao Grand Canyon, onde aprenderia a descer de caiaque as lendárias corredeiras do Rio Colorado. Mas houve alguns momentos de pânico: "Lembro de enfrentar a primeira onda no caiaque. Engoli mais água que uma pia, mas consegui sobreviver e fui para a cama me sentindo um herói", conta o ator. A jornada “de renúncias” de Chris McCandless teve início quando o rapaz tinha 22 anos, como resultado da revolta contra os pais, cujas vidas eram, em sua opinião, falsas e vazias.

Quem interpreta Walt McCandless, pai de Chris e engenheiro da NASA, é o vencedor do Oscar de Melhor Ator por O BEIJO DA MULHER ARANHA, William Hurt. O ator observa que não tentou refletir diretamente o verdadeiro Walt McCandless. "Acho que essa noção de representar a existência de outra pessoa é muita presunção", explica. "Não dá para dizer que conhecemos plenamente outro ser humano pois, mesmo no livro de Jon Krakauer, Walt ainda passa pela ‘peneira’ da interpretação do autor. Então, o que eu espero é simplesmente que, ao assistir ao filme, Walt sinta sinceridade na minha interpretação."

O papel de Billie McCandless, mãe de Chris, foi reservado à atriz vencedora do Oscar® por POLLOCK, Marcia Gay Harden. ela observa que encarou o papel com uma certeza: "Foi muito importante tanto para mim quanto para Hurt levar humanidade aos personagens dos pais." A única pessoa da família que pareceu logo entender o que Chris estava indo fazer quando saiu de casa sem deixar rastros foi a irmã dele, Carine, em cuja voz indagativa Sean Penn escolheu contar a história. Para fazer a narração e viver Carine, Penn escolheu Jena Malone (O MUNDO DE JACK E ROSE), que se impressionou com a força da irmã de Chris. "Ela encarou bem essa situação", diz Malone. "Mas, como atriz, também precisei lembrar que essa é a Carine no ‘final da jornada’, e tive que arrumar uma forma de refazer seus passos até aqueles tempos de insegurança e talvez perda da fé." Malone trabalhou na preparação da narração com a própria Carine McCandless e também com o aclamado poeta americano Sharon Olds, que ajudou a aperfeiçoar as palavras escolhidas.

Para retratar aqueles que McCandless conheceu durante a viagem, Penn montou um elenco formado tanto por excepcionais atores quanto por reais personagens da história, incluindo Leonard Knight, artista que criou a Salvation Mountain em um acampamento de traileres no deserto da Califórnia chamado Slab City e que no filme fala da força do amor. "Não dá para achar essas pessoas no sindicato dos atores", comenta Penn. Outro que ele encontrou ao longo do caminho foi Brian Dierker, um especialista em corredeiras e em Grand Canyon que trabalhou como coordenador das cenas de água do filme e atuou pela primeira vez como ator, interpretando o personagem do viajante Rainey. "Sean me falava sempre da idéia de interpretar Rainey porque ele achava que daria certo, mas eu sabia que isso significaria entrar em um território completamente novo. Então, tentei demovê-lo da idéia, mas ele insistiu e eu pensei: ‘quantas oportunidades temos na vida de trabalhar com alguém desse calibre?’".

A companheira de Rainey no filme, Jan, é vivida pela atriz Catherine Keener. Para o papel, Keener precisou entrar em um duro território emocional, indo ao âmago de uma mulher que sofreu uma das piores perdas da vida – o desaparecimento de um filho. “Não consigo imaginar o terror que deve ser não saber onde seu filho está e o que está acontecendo com ele. Acho que por isso Jan foi tão receptiva a Chris”, reflete a atriz. Ao longo de sua épica jornada, Chris também conhece Tracy, uma jovem que cresceu no ímpar ambiente de Slab City. Kristen Stewart (O QUARTO DO PÂNICO) retrata a personagem e seu estilo de vida espontâneo e inocentemente romântico, e precisou fazer algo no filme que ela nunca fizera antes: apresentar-se como cantora diante de um público de reais habitantes de Slab City. "Nunca toquei para ninguém", ela confessa. "Mas o público era muito caloroso – todos aplaudiam, empolgados por estar ali. Isso tornou tudo muito divertido", diz.

A última pessoa de quem Chris se torna amigo antes de ir para o Alasca é Ron Franz. Quem interpreta Franz no filme é a lenda dos palcos e telas Hal Holbrook. Sobre o efeito que Chris McCandless exerceu em Ron Franz, Holbrook opina: "É um relacionamento muito interessante que se desenvolve entre um senhor e um jovem, mas, de certa forma, um relacionamento duro. Ron é uma pessoa solitária, assim como Chris. Ele perdeu a família e se estabeleceu à margem da sociedade, mas está preso em um beco sem saída. Ron deixou de aproveitar a vida, e Chris o estimula a viver fora do círculo que criou para si."

Desde o início, estava claro que NA NATUREZA SELVAGEM precisaria ser filmado com a câmera em movimento e “na estrada”. Penn admite: "Fizemos de tudo nessa produção que não se deve fazer: filmamos na neve, filmamos numa temperatura de 48 graus, filmamos no Rio Colorado." Sean Penn queria captar paisagens que tocassem a alma das pessoas e para isso saiu em busca de um diretor de fotografia com quem pudesse realmente se entender. Ele havia visto o trabalho de Eric Gautier no filme de Walter Salles DIÁRIOS DE MOTOCICLETA e se surpreendeu com a forma como as paisagens tornaram-se parte da história. "Conversei com Walter Salles, que eu conheço e respeito bastante, e ele se empolgou falando do quanto Eric era bom, um verdadeiro artista. Ouvir isso de Walter foi realmente importante." Gautier precisou filmar não apenas icônicas paisagens americanas, mas também pulsante ação externa, especialmente em cenas de água corrente. Quando questionado sobre como as imagens tornaram-se tão naturais, Penn é sucinto: “Entrando na água. Não tratamos apenas de ir às locações reais, mas de colocar a câmera onde quer que fosse, custasse o que custasse."

Outro importante passo foi escolher a contemplativa trilha sonora de NA NATUREZA SELVAGEM, que traz canções originais de Eddie Vedder, vocalista do Pearl Jam, junto a composições com Michael Brook e Kaki King. Vedder explica que, enquanto criava as músicas, seu irmão mais novo, também chamado Chris, viajou para a África do Sul para meditar e, por um tempo, perdeu contato com a família. "Ficamos sem saber dele por uns dois meses e, de repente, eu me senti como Carine. Havia coisas acontecendo na vida real semelhantes às da história", diz Vedder. Talvez por isso ele tenha captado tão bem o espírito do filme e de seus personagens. O cantor avalia que tudo fluiu de forma perfeita: "Havia algo no ar, não dava para negar que alguma coisa estava acontecendo. Foi tão fácil compor e a música tomou forma de maneira curiosa, com batidas casando com a porta de um carro batendo ou um som de órgão mesclando-se com a maneira como os ombros de Emile mexiam para cima e para baixo”, revela.

Para o diretor Sean Penn, não foi apenas a trilha que se encaixou com perfeição, mas também tudo que ele havia criado em sua mente depois de ler o livro de Jon Krakauer: "O filme ficou praticamente como eu o tinha imaginado dez anos antes."

Leia a crítica do filme aqui!

Os Spoilers 2008

2008-01-13T22:31:00.000-02:00

prêmio especial do júri

Pelo absoluto domínio de um jornalismo compromissado com a realidade digital, com o respeito e o afeto de seus colegas, o Júri da 5ª Edição do Prêmio Spoiler, concede à Ian Black, autor do "Enloucrescendo", o Prêmio Especial do Júri

Apresentação (*)

2008-01-13T21:41:00.001-02:00

Fazer um blog é tomar decisões durante um ano, decisões a propósito da pauta, do vocabulário, das elipses, das citações, dos links, do template, da densidade das imagens, das durações, das emendas e até dos comentários. A qualidade de um blog é frequentemente proporcional à inteligencia das decisões tomadas, sua lógica, sua coerência. A beleza desse trabalho reside em sua dissimulação, pois o editor dá a impressão de que apenas registrou aquelas paisagens sublimes, aqueles fatos magnificos, aquelas ações pungentes, dando-se ao luxo de não parecer responsável por tantas maravilhas. Ele, que escolheu tudo, pode simplesmente dizer: "Eis o que vi", hipocrisia sublime e dispensável.

Fazer um blog é mostrar a vida, é alicerçar uma ficção, é escolher uma parte do mundo e esquecer voluntariamente o resto. É aceitar passar por um idiota, um primário ou um frívolo, é aceitar ser julgado por seus contemporâneos. Querer colocar tudo num blog (princípio do amálgama) ou nada colocar nele (princípio da vanguarda) é impedir os outros de manifestar sua opinião aterrorizando-os com a obscuridade de suas intenções. Quando a execução de um blog encaminha-se para perfeição, no final há uma obra-prima, isto é, um blog que encontrou sua forma definitiva, um objeto misterioso e antes fechado; quanto a execução deixa a desejar, mas as intenções são visiveis, o resultado pode nos parecer então pertubador ou ridículo.

Os blogs respiram por suas falhas. Homens respiram por suas falhas e até, macacos também! A obra-prima é irrespirável...

E no embate entre mídia e blogs, o verdadeiro adversário a ser vencido ou convencido é o leitor, não devemos lhe pedir sua opinião, mas seu dinheiro (no caso da mídia) ou sua visita (no caso dos blogs). Devemos nos comportar como boas putas profissionais, dar-lhe a ilusão do amor, satisfazê-lo, consolá-lo, mas recusar-lhe nossa boca.

Se na última linha de um post qualquer, eu escrever: "No fim, experimentei uma sensação de felicidade e tristeza", o leitor pensará: "Que triste". Mas se eu resolver inverter algumas palavras e escrever: "experimentei uma sensação de tristeza e felicidade", o leitor saíra com uma idéia feliz. Logo, minha conclusão é que os blogs, me fazem sofrer e me fazem feliz

E especialmente hoje, a rede spoiler orgulhosamente confere em sua quinta edição, 17 certificados de mérito digital à algumas pessoas comuns, que se destacaram em 2007 pelo ingresso nessa grande comunidade, chamada blogosfera.

Muito obrigado aos 2640 eleitores que participaram, votaram e confiaram nesse projeto.

marfil | spoiler

5º prêmio spoiler de cinema e blog
ao vivo, direto de são paulo

*Texto reescrito em 16/01/08, livremente inspirado de um artigo de François Truffaut, publicado no Le Monde em data desconhecida

Show de Abertura

2008-01-13T20:55:00.001-02:00

5º prêmio spoiler de cinema e blog
ao vivo, direto de são paulo

Tapete Vermelho

2008-01-13T20:46:00.000-02:00

Várias celebridades desfilam pelo tapete vermelho do 5º Prêmio Spoiler de Blogs em frente ao Teatro Municipal, direto de São Paulo.

5º prêmio spoiler de cinema e blog
ao vivo, direto de são paulo

Countdown

2008-01-13T10:43:00.000-02:00

C.E.T anuncia ruas fechadas para o Spoiler Blog´s Awards

2008-01-13T10:22:00.000-02:00

São Paulo, SP: Para garantir a segurança pública e facilitar a produção da cerimônia do 5th Spoiler Blog´s Awards. A Academia de Blogs de Artes e Ciências Cinematográficas, a Companhia de Engenharia de Trânsito (CET) e a Prefeitura da Cidade de São Paulo anunciaram o fechamento de todas as ruas em torno do Teatro Municipal.

Para acomodar a construção da tribuna de imprensa, as arquibancadas para fãs e os estágios de pré-show ao longo de todo o percurso do tapete vermelho. O trânsito local do Viaduto do Chá, Avenida Ipiranga e Avenida São João será desviado das 12hs às 24hs desse Domingo. As estações Republica e Anhangabáu do Metrô funcionam normalmente.

A CET informa aos transeuntes locais, evitarem a área das 20hs às 22hs, devido ao provável congestionamento de limousines em torno do local do evento.

Para maiores detalhes e relação de ruas fechadas, acesse www.spoilers.org/closures

5º prêmio spoiler de cinema e blog

2008-01-12T11:14:00.000-02:00

O suspense em torno da divulgação dos vencedores do Prêmio Spoiler 2008 se intensifica a partir de hoje. É que a empresa de auditoria PricewaterhouseCoopers já começou a apurar os votos dos visitantes do blog e membros da Academia, que terão até as 24h desse sábado para entregar suas cédulas.

A Rede Spoiler de Blogs permite que 5.808 associados, entre leitores, visitantes, diretores, atores, roteiristas e técnicos, decidam quem foram os melhores da Internet no ano anterior. As cédulas foram disponibilizadas em todos os cinco blogs participantes desde o dia 01 de Dezembro. Os votos que não foram entregues dentro do prazo serão descartados.

Os documentos válidos são tabulados e o resultado de cada categoria é selado nos famosos envelopes. Somente os sócios da PricewaterhouseCoopers: Greg Garrison, Brad Oltmanns e Rick Rosas saberão quem são os vencedores antes do anúncio que será postado às 12 horas desse domingo, em São Paulo.

E em São Paulo, tudo pronto para o 5º Prêmio Spoiler de Blogs 2008. A decoração desse ano combina a opulência da velha Hollywood com a contemporaniedade das modernas discotecas. Nas placas onduladas, além da projeção do ingresso, símbolo do prêmio esse ano, haverá a projeção do template dos 48 blogs indicados, dando ao ambiente um ar romântico e intimista.

E o renomado chef francês, Rémy Gusteau, é o encarregado do banquete servido aos convidados e indicados. Entre as iguarias do menu especialmente criado para o evento, Rémy nos deleitará com Lagosta Doce 'En Croute' com Trufas Pretas, Filé Kobe com Purê Selvagem de Cogumelos e Polpa de Kabocha, Sopa de Alho Poró com Caviar Irariano de Osetra e Torta Mousse de Chocolate com Espresso Glacê 'I Love Spoiler' e, é claro, vinho da Sterling Vineyards.

Indicados: Acesse o link para conferir a lista de indicados ao Spoiler Blog´s Awards 2008

Programação:
20hs - Countdown to the Spoilers Blog´s Awards - Red Carpet e Entrevista com os Indicados
21hs - Retrospectiva, Clip Show e Banquete
22hs - The Spoilers Blog´s Awards
23hs - Conferência de Imprensa

Sobre pipas e tristes memórias

2008-01-08T08:16:00.000-02:00

Em 2003, o livro "O Caçador de Pipas" surgiu do nada como um romance de estréia e rapidamente tornou-se um best seller. Para seu autor, o médico afegão Khaled Hosseini, a popularidade do livro e o filme baseado nele têm sido extremamente gratificantes: "Estou continuamente impressionado com a forma como as pessoas reagiram ao meu romance. Acho que isso ocorreu devido ao intenso núcleo emocional da história, com que as pessoas se identificam. Os temas – culpa, amizade, perdão, perda, o desejo por reparação e de ser melhor que aquilo que se pensa ser – não são apenas afegãos, mas experiências bastante humanas, independente de etnia, cultura ou religião."

Em um país à beira da guerra, OS CAÇADORES DE PIPA flerta com dois melhores amigos de infância, Amir e Hassan, que estão prestes a se separar para sempre. É uma tarde gloriosa em Cabul e o céu explode com a alegria de um inocente torneio de pipas. Mas, após a vitória do dia, o terrível ato de traição do garoto Amir provoca uma catástrofe e uma busca épica por redenção. Vinte anos depois, vivendo nos Estados Unidos, Amir retorna a um perigoso Afeganistão sob a mão forte do Talibã para encarar os segredos obscuros que ainda o assombram e arriscar uma ousada última chance de corrigir seus erros.

Assim, o roteirista David Benioff (A PASSAGEM; TRÓIA; A ÚLTIMA NOITE), foi escolhido para transformar o mundo que Khaled Hosseini havia criado tão ricamente em folhas de papel e num épico, mas mantendo o tom intimista do livro. O grande desafio foi condensar os arrebatadores eventos com duração de três décadas em um filme de duas horas. "Saltos de tempo são difíceis de se acompanhar num filme", explica Benioff, "e, como o romance abrange quase 30 anos, descobrir uma estrutura eficiente de roteiro não foi fácil. A história traz Amir em diversas idades, mas eu decidi logo no início que queria apenas dois atores interpretando o papel. Mais do que isso podia fazer as pessoas perderem a ligação com esse belo personagem. Por isso, o roteiro enxuga a narrativa – ele incorpora quase tudo, simplificando a cronologia. Mas o livro de Khaled é tão forte que acredito que mantenha essa força mesmo com as restrições de espaço e tempo da adaptação para roteiro."

Em seguida, os produtores encararam a tarefa de encontrar um diretor, e o escolhido foi Marc Forster (EM BUSCA DA TERRA DO NUNCA). "Não importa em que mundo se aventure, Forster sempre acha personagens que o público entende e com que se identifica profundamente." As filmagens levaram Forster da Europa a Cabul, Paquistão e China em uma jornada surpreendente e, por vezes, angustiante, que seria sentida em cada frame do filme.

Enquanto David Benioff ainda escrevia o roteiro, foi tomada a decisão de filmar O CAÇADOR DE PIPAS em dari, uma das duas principais línguas faladas no Afeganistão. Para manter a linguagem fiel ao material, os produtores contrataram uma equipe de pessoas fluentes em dari que ensinou aos atores as pronúncias corretas. E, além dos professores de dari e de outros dialetos, também foram trazidos a bordo conselheiros culturais e pesquisadores para assegurar a verossimilhança do conteúdo do filme.

A busca pela autenticidade também estava na mente de Marc Forster ao pensar na escolha do elenco. Para achar a mistura de qualidades que os papéis dos jovens Amir e Hassan exigiam, Forster chamou a recrutadora Kate Dowd. A busca de Dowd teve início nas comunidades afegãs da Europa, EUA e Canadá. Mas, apesar da origem afegã, muitas crianças testadas que falavam um pouco de dari refletiam na pronúncia os sotaques regionais de onde moravam. "Foi aí que percebemos que precisávamos ir a Cabul para encontrar os meninos e grande parte do elenco. Não íamos encontrá-los em nenhum outro lugar!", diz Dowd. Por um mês inteiro, Dowd esteve em escolas, orfanatos e até mesmo nos parques da destruída Cabul, formando uma lista de candidatos promissores. Forster, que já estava a caminho de Cabul, tomaria a decisão final e, em vez de fazer testes formais de atuação, a primeira coisa que ele pediu às crianças afegãs escolhidas por Dowd foi que soltassem pipas, a fim de vê-las em um momento de descontração e brincadeira. Foi aí que o diretor fez suas escolhas: Zekiria Ebrahami, aluno do ensino fundamental, seria Amir e Ahmad Khan Mahmoodzada e Ali Danesh Bakhtyari, ambos da ARO (Afghan Relief Organization), interpretariam Hassan e seu filho, Sohrab.

"Quando conheci Zekiria, ele era tímido e não falou muito", diz Forster. "Mas havia algo em seu porte, um pouco de pesar, que me intrigava. O pai dele foi morto antes que nascesse, e a mãe o abandonou. Foi por conta dessa tristeza inerente que o achei ideal para interpretar o jovem Amir. Ahmad tinha energia e vitalidade e passava uma sensação de nada a temer, de estar disposto a viver intensamente, algo muito importante ao retratar Hassan. E Ali Danesh me deixava comovido só de olhar para ele. Ele é muito cordial mas, ainda assim, você sente um certo distanciamento, um muro emocional, que é compartilhado pelo personagem Sohrab."

Desde as etapas iniciais de O CAÇADOR DE PIPAS, a questão de onde gravar o filme assombrava a produção. A história ia pedir a recriação de mundos discrepantes que já não existem mais, incluindo a vibrante Cabul dos anos 70 e a Cabul de 2000 devastada pelo Talibã. O set escolhido acabou sendo a China ocidental. Foi na vasta e escassamente populada Província de Xinjiang que encontrou-se os elementos necessários para reproduzir a visão de Marc Forster.

A considerável tarefa de recriar duas Cabuls na cidade de Kashgar ficou a cargo do desenhista de produção Carlos Conti (NOVO MUNDO; DIÁRIOS DE MOTOCICLETA). Marc Forster explica o processo: "Carlos e eu começamos pesquisando imagens e fotos de Cabul e Peshawar e, quando chegamos na China, tínhamos uma visão muito clara do que queríamos. Decidimos usar cores contrastantes para tornar a Cabul dos anos 70 tão bela quanto possível e, então, fazer a Cabul de 2000 cinzenta, refletindo o rigor daqueles tempos."

Em Kashgar, um dos maiores desafios de Conti foi encontrar a correta locação para a casa de Baba, que representa a síntese da sofisticação de Cabul em seu auge. "Vimos muitas fotografias de casas no então prestigioso bairro Wazir Akbar Khan, onde Baba e Amir moravam na história", diz Conti. "Criamos, então, nossa própria casa no estilo arquitetônico da Cabul da década de 70 – mas com o esquema de cores que imaginamos para o filme". Outra importante locação era o Largo das Pipas de Cabul, em que o torneio de pipas atrai todos os olhares para o céu. Benioff comenta "O torneio de pipas precisava ser uma das imagens centrais do filme. E o que eu escrevi em algumas páginas levou um exército para filmar, com 300 figurantes e pessoas nos telhados, ruas e postes. Eu fiquei admirado com a forma que Marc controlou a logística do que parecia ser incontrolável."

Quando Amir e Farid retornam a uma Cabul bastante diferente, sob o domínio do Talibã, a idéia de Conti foi criar um contraste entre a energia das crianças brincando nas ruas e vendedores anunciando suas mercadorias nos anos 70 com o silêncio fúnebre e doloroso de um nada absoluto. "Discuti com Marc a idéia de ter muito pouco no frame e nenhum carro na cena em que Amir e Farid chegam a Cabul. Isso cria uma impressão forte de uma época em que ninguém podia soltar pipas, ouvir música, ver televisão ou ir ao cinema. É uma imagem que, em alguns segundos, permite que se entenda o que houve no Afeganistão. Meu objetivo era trabalhar com imagens simples e fortes”, explica o desenhista de produção.

O trabalho do diretor de fotografia Roberto Schaefer (EM BUSCA DA TERRA DO NUNCA) também contribui para um aspecto visual naturalista no filme. Schaefer misturou o cru com o épico, dependendo bastante das condições de iluminação disponíveis para ele em Kashgar. Ao mesmo tempo, preencheu a tela com admiráveis paisagens, texturas e cores.

Além de Kashgar e Tashkurgan, a produção filmou também em Pequim – que momentaneamente tornou-se São Francisco. E, a três horas de Pequim, no Estádio Baoding, foi gravada a amedrontadora cena de um apedrejamento talibã, com mil figurantes preenchendo as cadeiras. Depois de filmar por quase um mês na China, a produção foi para os EUA, onde registrou no Parque Cesar Chavez, em Berkeley, a cena de pipa que encerra o filme.

O resultado final de O CAÇADOR DE PIPAS permite que o público viaje de um mundo familiar para um mundo desconhecido. "Espero que, vendo o filme, o Afeganistão pareça às pessoas um local de esperanças, ilusões, sonhos e desejos, como todos os outros lugares do mundo”, diz Khaled Hosseini.

>>>Leia a crítica do filme no Spoler Movies
Cortesia da Paramount Pictures

Mundo Berlim

2008-01-06T09:07:00.000-02:00

Oito Filmes já foram confirmados em competição pelo 58º Festival Internacional de Cinema de Berlim. Em disputa pelo Urso de Ouro estão diretores da China, Brasil, México, Inglaterra, EUA, Polônia e Alemanha.

Em seu mais recente filme, KIRSCHBLÜTEN - HANAMI (Ainda sem título em Inglês), a alemã Doris Dörrie (OS HOMENS, O PESCADOR E SUA MULHER) conta a estória de Rudi, interpretado por Elmar Wepper, que está seriamente doente. Quando sua esposa de muitos anos (Hannelore Elsner) inesperadamente morre, o viúvo passa a completar sua vida com outros olhos.

SANGUE NEGRO de Paul T. Anderson (MAGNOLIA, Urso de Ouro em 2000) é dos EUA. Baseado no romance "Oil!", de Upton Sinclair, mostra o negócio de perfuração de poços no sul da Califórnia como uma nova corrida pelo ouro. Daniel Day-Lewis interpreta um prospector - aquele profissional que conhece e indica terrenos metalíferos - que compra os direitos de extração do rancho de uma família e acaba encontrando lá uma arca do tesouro na forma de petróleo. Leia a crítica

O chinês Wang Xiaoshuai (BICICLETAS DE PEQUIM, Leão de Prata em 2001) apresenta IN LOVE WE TRUST em competição. Um casal descobre que a única maneira de salvar sua filha, que sofre de um raro câncer no sangue, é tendo outro filho, mas há um problema: Ambos estão casados novamente. Liu Weiwei, Zhang Jiayu e Yu Nan estão no elenco.

GARDENS OF THE NIGHT (Inglaterra/EUA) de Damian Harris descreve o destino de duas crianças que foram abduzidas e mantidas em cativeiro por 9 anos. Uma vez livre, elas são forçadas a viverem na rua e sobreviverem por conta própria. O filme estrela Gillian Jacobs, Evan Ross, Tom Arnold e John Malkovich.

O diretor mexicano Fernando Eimbcke que tomou parte na seleção "Talent Campus" em 2003, retorna à Berlim com seu segundo filme: LAKE TAHOE. É sobre um adolescente de 16 anos que têm que lidar com a morte súbita de seu pai. O filme apresenta Diego Cataño, Héctor Herrera, Daniela Valentine, Juan Carlos Lara e Yemil Sefani.

O vencedor do Oscar Andrzej Wajda, que competiu em Berlim por três vezes e recebeu um Urso de Ouro Honorário em 2006, apresenta seu mais recente trabalho POST MORTEM (KATYN) fora de competição. O filme é parcialmente baseado na história de sua própria família e resgata a heróica memória de oficiais poloneses executados na floresta de Smolensk em 1940. Maja Ostaszewska, Artur Zmijewski e Andrzej Chyra estão no elenco. Leia a crítica

Em S.O.P. STANDARD OPERATING PROCEDURE (EUA), o famoso documentarista e vencedor do Oscar Errol Morris (SOB A NÉVOA DA GUERRA, 2003) investiga os escândalos oriundos da violência humana nos complexos de Abu Ghraib e investiga o que necessariamente foi a "Guerra Antiterrorista”.

No Brasil, TROPA DE ELITE quebrou todos os recordes de bilheteria. Esse Festival apresenta o drama político em competição. José Padilha (ONIBUS 174) explora a temível influência do tráfico de drogas nas favelas cariocas e revela a bruta rotina diária de uma unidade tática da policia frente a uma parcela corrupta de seu contingente. O filme estrela Wagner Moura, Caio Junqueira e André Ramiro. Leia a crítica

O Spoiler News cobre o Festival na íntegra, direto de Berlim. As críticas serão publicadas no Spoiler Movies sob o label (BERLIM'08).

Leões em Pele de Cordeiro

2008-01-04T08:25:00.000-02:00

Park City: Entre a safra de Indies selecionados para o Festival de Sundance, há muito "pedigree" escondido. Nos diversos panoramas, é possível conferir os novos Michel Gondry (BE KIND REWIND), Michael Haneke (FUNNY GAMES) e George Romero (DIARY OF THE DEAD). E ainda algumas curiosidades interessantes, como a estréia de Michael Keaton (THE MERRY GENTLEMAN) e Stanley Tucci (BLIND DATE) na direção e William H. Macy (THE DEAL) como roteirista. Eis alguns filmes que parecem promissores:

Michel Gondry, Jack Black e Mos Def vão ensinar a "suecar" com estilo em BE KIND REWIND. No filme, Black vive um homem que, ao tentar sabotar uma estação de força, gera um campo magnético que acidentalmente apaga todos os VHSs da locadora de seu melhor amigo (Mos Def) e, para salvar o lugar; eles resolvem encenar de novo, os filmes perdidos. Entre os filmes "suecados" têm OS CAÇA-FANTASMAS, ROBOCOP, A HORA DO RUSH 2, 2001, OS DONOS DA RUA, QUANDO ÉRAMOS REIS, KING KONG, CONDUZINDO MISS DAISY... A idéia é original, o diretor é talentoso e Black parece bem seguro num papel feito sob medida. Nem o Google e o You Tube se safaram no site oficial do filme... O trailer está disponível no Spoiler Trailers.

Woody Harrelson, Emily Mortimer, Eduardo Noriega, Kate Mara e Ben Kingsley embarcam em TRANSSIBERIAN, suspense de Brad Anderson (O OPERÁRIO) que se passa a bordo do famoso trem que cruza a China e a Rússia. Na história, o casal vivido por Harrelson e Mortimer viajam pela ferrovia transiberiana, quando conhecem outro casal, vivido por Noriega e Mara, e se envolvem em uma trama envolta em mentira e morte. Kingsley é o policial russo que tenta capturar os casais.

O roteirista de BELEZA AMERICANA e da série A SETE PALMOS (SIX FEET UNDER), Alan Ball, estréia na direção de NOTHING IS PRIVATE. o filme narra a paixão de uma menina com descendência árabe e americana que fica obcecada sexualmente por um teimoso reservista, durante a Guerra do Golfo. Aaron Eckhart, Maria Bello, Toni Collette e Summer Bishil estão no elenco.

IN BRUGES, estrelado por Ralph Fiennes e Colin Farrell abre o Festival, dia 17. O filme foi escrito e dirigido pelo premiado dramaturgo irlandês Martin McDonagh, que faz sua estréia em longa-metragem. (Ele ganhou um OSCAR de Curta por SIX SHOOTER em 2005). Na fita, Fiennes é o chefe de Farrell e Brendan Gleeson, que são enviados a Bruges, na Bélgica, onde se metem em confusões com locais, turistas e outros tipos. O trailer, incluindo a maior sombrancelha da história do cinema, está disponível no Spoiler Trailers.

William H. Macy e Meg Ryan estão juntos na comédia THE DEAL, baseada em um romance escrito por Peter Lefcourt ("May Wine") e adaptada para o cinema pelo próprio Macy em parceria com o veterano da TV Steven Schachter, que dirige o filme. Macy interpreta um azarado produtor hollywoodiano que convence um estúdio a bancar um filme de ação com orçamento de US$ 100 milhões sobre Benjamin Disraeli, Primeiro Ministro Britânico por duas vezes ao longo do século 19. Porém, quando o ator principal é seqüestrado, o personagem de Macy decide usar o dinheiro para fazer um longa totalmente diferente, sem informar os executivos do estúdio.

A obsessão de George A. Romero por mortos-vivos não parou em TERRA DOS MORTOS, seu último trabalho. O pai dos filmes de zumbis realizou mais um longa com as criaturas. Direta ou indiretamente, o filme é situado no universo que Romero concebeu para A NOITE DOS MORTOS-VIVOS e suas continuações. A história, escrita pelo próprio cineasta, gira em torno de um grupo de estudantes fazendo um filme de terror numa floresta. O trabalho se transforma em uma luta pela sobrevivência quando eles encontram mortos-vivos de verdade.

THE GREAT BUCK HOWARD,
O grande Buck Howard é John Malkovich, um ilusionista decadente e falido. No elenco, Colin Hanks, John Malkovich, Emily Blunt e Steve Zahn

HENRY POOLE IS HERE,
O diretor Mark Pellington (O SUSPEITO DA RUA ARLINGTON) e Luke Wilson trabalham na comédia dramática HENRY POOLE IS HERE, sobre um homem que descobre ter apenas mais seis semanas de vida e decide aproveitar o resto do seu tempo de forma desregrada no subúrbio.

INCENDIARY,
Michelle Williams (BROKEBACK MOUNTAIN) perde o marido e o filho de 4 anos num atentado terrorista. Para complicar a situação, ela estava tendo um caso com um jornalista (Ewan McGregor). O filme é dirigido por Sharon Maguire (O DIÁRIO DE BRIDGET JONES).

WHAT JUST HAPPENED?,
Um elenco de peso (Robert DeNiro, Bruce Willis, Sean Penn, Catherine Keener, Stanley Tucci, John Turturro) participa de WHAT JUST HAPPENED? Comédia de Barry Levinson sobre um produtor de Hollywood que passa por imensas dificuldades para realizar um filme.